viernes, 30 de diciembre de 2005

De la música y la compañía

Es días recientes sostuve una amena conversación con mi buen amigo Fedosy Santaella, donde salió a relucir el tema de la fémina compañía, la música y el ambiente requerido para un momento mágico. De esta conversación surgió un acuerdo de ponerlo en cada blog, de acuerdo al punto de vista de cada quien.


A continuación, mi parte del compromiso establecido
---------------------------------------------------------------------------------

Praia de Ipanema, justo en el momento en que el sol que toma el ascensor para ir debajo del horizonte y abrirle la puerta a una de esas noches de Rio de Janeiro, una alta e imponente garota aparece a paso de bossanova (Jobim y Vinicius), caipirinha sostenida entre los dedos para ofrecerme un sorbo. De nombre, podríamos llamarla Annarella Bono, de blanco bikini, decide escaparse conmigo hacia el mágico universo carioca, tan llena de gracia, que coisa mais linda!!



Morrocoy, islotes que convierten en paraíso ese lugar de la tierra, con sus aguas que se confunden con el azul del cielo, aparece ella, cual si fuera la primera vez, al compás del Waltz for Debby de Bill Evans. De nombre, podríamos llamarla Julia Roberts, maduro encanto que aun intento descifrar. Ostras de por medio y un buen champagne sirven, junto a las notas del piano de Evans, para que un momento pase de ser mágico a ser sublime.


Obviamente, la lista puede crecer, en la medida que nuestra imaginación, gusto música y pasión por una mujer puedan crecer.

Sin embargo, el lugar y la música sólo tendrían sentido si la compañía es la que uno realmente quiere.

lunes, 26 de diciembre de 2005

Las cosas tienen movimiento

La sensibilidad está bordada con hilos invisibles en las notas que vuelan al aire, pero que nos llegan si pedir permiso alguno, con el propósito de mostrarnos el lado más humano y sensible de quien propone ideas a través de la música. Esta propuesta lleva la firma del pianista argentino Adrián Iaiés, titulada Las cosas tienen movimiento. Iaiés plasma ideas que abarcan diversas tendencias musicales, teniendo como punto de partida el jazz. Sin embargo, Adrián Iaies plantea sus propuestas de una manera más amplia, sin quedarse en el hecho de utilizar acordes y escalas provenientes del jazz, sino tratando de incorporar la necesaria improvisación jazzística, buscando romper las fronteras entre estilos y tendencias, logrando crear un lenguaje propio que pueda ser recibido por entusiastas y conocedores, sin excepción, buscando establecer diferencias entre las propuestas ya realizadas y su trabajo creativo. Pueba de ello representa lo dicho por Iaiés a la publicación española Cuadernos de Jazz
"Si pensás el jazz como un sonido específico, ciertos enlaces de acordes, determinados giros melódicos, la batería haciendo chin-chinchichin, entonces estás perdido: o sonás como los americanos o no es jazz. Yo prefiero pensar en el jazz como un cierto mood, un concepto, casi una actitud ideológica sobre cómo encarar la música que pretendo tocar; convertir eso en una herramienta de búsqueda. Pero sólo podemos intentar construir un lenguaje propio hurgando en lo que nos hace diferentes de los americanos y/o europeos."
Las cosas tienen movimiento es un trabajo altamante sensitivo, realizado con mucha delicadeza y sentimiento, donde el dominio técnico de Iaiés se muestra sin rubores en el repertorio seleccionado. La diversidad está presente en la cantyidad de géneros que Iaiés toma para elaborar su elixir musical, sin alardes, pero con mucho genio. Es un trabajo para saborearlo como un buen habano Churchill No. 5, como un buen cognac, prevaleciendo la infaltable fémina compañía. Iaiés habla en su propio lenguaje, sin que eso sea un impedimento para descifrar su mensaje.


FICHA TECNICA

LAS COSAS TIENEN MOVIMIENTO© 2002
1 - A Don Agustín Bardi (Horacio Salgán) - (4:40)
2 - Arrabal amargo (Carlos Gardel / Alfredo Le Pera) - (5:44)
3 - Caminito (Juan de Dios Filiberto / Gavino Coria Peñaloza) - (7:41)
4 - María (Aníbal Troilo / Cátulo Castillo) - (5:00)
5 - Decarísimo (Astor Piazzolla) - (4:29)
6 - Las cosas tienen movimiento (Fito Páez) - (5:45)
7 - Seminare (Charly García) - (5:08)
8 - Naranjo en flor (Homero Espósito / Virgilio Espósito) - (6:25)
9 - Organito de la tarde (Cátulo Castillo / José González Castillo) - (6:23)
10 - Zamba del Isoca (Adrián Iaies) - (4:45)
11 - Mediterráneo (Juan Manuel Serrat) - (8:01)
12 - Eriksateando (Adrián Iaies) - (3:09)

Adrián Iaies: piano
Horacio Fumero: contrabajo
Fernando Martínez: batería
Invitados: Liliana Herrero: voz (4,8) / Martín González: cajón peruano (3)

Grabado en Estudios Sound - Rec (Buenos Aires) en enero de 2002
Mezclado y masterizado por Fernando Martínez en Estudios Moma (Buenos Aires)
Ingeniero de grabación: Pablo López Ruiz
Ingeniero de ProTools: Federico San Millán
Produción artística: Adrián Iaies
Co-produción artística: Fernando Martínez
Productor: Adrián Iaies
Fotos (sesión portada): Eduardo Torres
Fotos (vivo y estudio): Horacio Sbaraglia
Diseño: www.plantabajac.com.ar (Veraldi, Santonin + Muñoz)
Técnico de piano: Roberto Rovira

jueves, 22 de diciembre de 2005

Timbales

A todo aquel que haya tenido una baqueta en sus manos.


Desde niño soñaba con estar frente a ellos, lograr extraer los sonidos que evocaran los años dorados de la música latina, sentir el sabor que derraman cuando cada golpe a la paila es una suerte de homenaje a esos grandes timbaleros de tierras propias y ajenas. Afortunadamente, luego de varios años de intentos y muchas ganas, logré posarme frente a ellos para no dejarlos jamás. Desde ese día, han sido unos cuantos los pailazos que he podido dar sin haber descubierto aun muchos de sus secretos, los cuales intento descifrar día a día.


El timbal, como todos lo conocemos, es una derivación del tympani, tambor metálico que se usa en lasorquestas de música clásica. En este caso, el timbal del que hablamos consta de dos tambores metálicos que pueden ser de acero inoxidable, aluminio o bronce, teniendo en su parte superior una membrana o parche que solía ser de cuero, aunque desde hace algunos años se usa material sintético. Estos parches o membranas son afinables mediante el uso de unas llaves que ejercen tensión sobre los mismos. De acuerdo a esto, cada tambor tiene un sonido característico que lo identifica como macho o hembra, siendo el primero el de la afinación más aguda, mientras que el segundo se afina de manera más grave. Se ejecuta con unos palitos de manera de, aproximadamente, unos 30 centímetros de longitud llamados baquetas.


Usados inicialmente en las orquestas típicas cubanas, el timbal ha entrado en territorios como el de la salsa y otras expresiones musicales con sobrado éxito y derecho. Como muestra, vale señalar que el excelso guitarrista mexicano Carlos Santana los incorporó a su agrupación desde sus inicios en aquel movimiento del Rock Latino generado en la costa oeste de los Estados Unidos.


Sin embargo, el timbal logra obtener su posición privilegiada gracias a un hombre que logró llevar el timbal desde la parte trasera de la agrupación hacia el frente del escenario. Su nombre, Tito Puente, Rey del Timbal. Puente, gracias a su maestría y sus estudios musicales, logró darle una nueva dimensión al instrumento, haciendo que éste fuese conocido en diversos rincones del planeta.


Hoy en día, muchos son los timbaleros que captan mis sentidos, ya sea por el desarrollo y evolución de las técnicas de ejecución, por el grado de virtuosismo que presenten o, sencillamente, por la cuota de sabor que le impregnan al cuero, la campana y el metal. Gracias a todos los que están y a los que se han ido, el timbal siempre estará no solo al frente de la orquesta, sino al frente en cuanto a mi gusto particular se refiere.

viernes, 16 de diciembre de 2005

¡Patarrumbero!

El ritmo de tambor de Patanemo es casi irresistible. Cadencia y sabor surgen de los golpes al cuero y a la madera, rememorando los mensajes ancestrales que se han transmitido de generación en generación para que no olvidemos el proceso de mestizaje iniciado desde tiempos de la conquista. Sin embargo, de manera de adaptarse a los nuevos tiempos, estos fenómenos evolucionan y se fusionan con otros para dar origen a nuevas y vigorosas expresiones que mantienen enlazado lo tradicional y lo moderno. De esta evolución, y gracias al trabajo de Manuel Moreno con su agrupación Herencia, encontramos como el ritmo de Patanemo evoluciona hasta llegar al sabroso Patarrumba.

Así define Manuel Moreno al Patarrumba
Gracias a un serio trabajo de investigación y difusión de nuestras raíces, así como a la capacidad de fusionar elementos propios y ajenos a nuestra cultura es que encontramos a Herencia desarrollando esta propuesta que aglutina elementos del tambor, la salsa y el jazz, los cuales muestran todo el sabor, calor y color del caribe y, en especial, de Venezuela. De donde venimos y hacia donde vamos, nombre que lleva su primera producción discográfica, nos ofrece diversos temas donde el golpe de Patameno y el Patarrumba se muestran sin complejos, siendo la batería de tambores criollos (campana de San Millán, Cumacos y Tambores de Patanemo) llevan el peso rítmico, prescindiendo casi del uso de la tumbadora, pero sin perder el sabor que caracteriza los ritmos bailables del caribe.

Una propuesta que tiene elementos importantes de nuestras raíces, de lo que somos, de nuestros orígenes y del camino a seguir.

Evolucionando desde Patanemo, me declaro Patarrumbero. Larga vida a nuestra Herencia.

martes, 13 de diciembre de 2005

Trío acústico venezolano Vol. II

Cada producción esconde sus propias sorpresas, sus propios secretos. En el caso de Trío Acústico Venezolano, Volumen II, no hey excepción a las reglas establecidas. Huáscar Barradas, excelente flautista y desarrollador de nuevas propuestas musicales, nos brinda un manojo de temasque abarcan buena parte de la geografía musical de Venezuela, sin obviar el tema navideño, el cual ocupa la mayor parte de la selección de temas de ésta producción. Como cómplices de esta "travesura" encontramos al contrabajista Elvis Martínez y al cuatrista Jorge Polanco, quienes han acompañado a Barradas en anteriores producciones de una manera notoria. Como invitados especiales aparecen músicos como Betulio Medina, Rafa Galindo, Danelo Badell, Miguel Delgado Estévez, Ricardo Cepeda, Gualberto Ibarreto y Ricardo Portillo.
Si disfrutamos con el Volumen I del Trío Acústico Venezolano, con el Volumen II el disfrute seguirá estando en el tope. Creatividad, tradición y vanguardia se unen para mostrarnos que la música es y seguira siendo factor de unión. Huáscar Barradas ha sabido interpretar el concepto de mestizaje musical de una forma precisa. En épocas como ésta, resulta un regalo de valor incalculable.

jueves, 8 de diciembre de 2005

Hoy se cumplen Veinticinco años del asesinato de John Lennon


La locura y las armas siempre han sido malas compañeras, y justo tenían que andar juntas un 8 de Diciembre de 1980 para ir al encuentro de uno de los 4 grandes de Liverpool. Tuvo que ser una bala la que callara sus palabras, pero nunca las balas podrán callar el mensaje y el legado de un hombre comprometido con sus ideas y pensamientos. Físicamente ha sido su partida, aunque de alma, sonido y espíritu siempre estará de nuestro lado.



Una reproducción del artículo que publicó la agencia de noticias EFE

EFE.- Fans de todo el mundo están convocados hoy a una vigilia en Nueva York para conmemorar el 25 aniversario de la muerte de John Lennon, quien comparaba su popularidad con la de Cristo y que fue asesinado por un desconocido que quería alcanzar la fama. Un cuarto de siglo después del crimen, la víctima es un mito aún mayor de lo que fue en vida, mientras el verdugo, Mark Chapman, cumple cadena perpetua y reconoce: "por un lado, he realizado mi objetivo, aunque, por otro, soy mas don nadie que entonces". Como todos los años desde el 8 de diciembre de 1980, día del asesinato, los admiradores del artista se congregarán bajo un olmo de Central Park situado frente al edificio Dakota, de la calle 72, donde residía y ante el que fue asesinado. En el lugar hay un mosaico con la palabra Imagine, en honor de la canción más conocida de Lennon en solitario, y lleva el nombre de Strawberry Fields, como la composición de la que más se enorgullecía el músico durante la etapa que formó parte de los Beatles, cuando dijo que eran "más populares que Jesús". Los fans de Lennon cantarán canciones, elevarán plegarias y encenderán velas en memoria de su ídolo, aunque la policía ha advertido de que disolverá la reunión a la 01:00 del viernes, para preservar la tranquilidad del vecindario. La cita, en la que se espera una asistencia multitudinaria, es a las 10:50 de la noche, hora en que Lennon, de 40 años, regresaba a su domicilio y cayó muerto por cuatro de las cinco balas que le disparó Chapman, de 25 años. Veinticinco minutos después, a las 11:15, John Lennon expiraba. El suceso fue presenciado por su esposa, Yoko Ono, que fue quien llamó a la policía, y José, un hispano portero del inmueble y que desarmó y puso a disposición de las autoridades al asesino. El crimen conmocionó al mundo y marcó el inicio de una curiosidad, que no parece tener limites, sobre la personalidad de sus dos protagonistas. De Lennon se han reeditado discos, escrito biografías y realizado reportajes que lo configuran como el más rebelde y creativo de los Beatles, y uno de los artistas mas influyentes del siglo XX, tanto por su música como por su activismo político y social. El aspecto humano del personaje, que vivió una atormentada infancia con su tía Mimi, tras ser abandonado por su madre Julia, permanece, no obstante, en la controversia. En declaraciones el miércoles al diario "New York Post", Yoko Ono lo describe como "un hombre tranquilo y un padre responsable". En un reciente libro, su primera mujer, Cynthia, le califica, sin embargo, de "posesivo y violento", y el último testimonio con su propia voz tampoco refleja el idealista en busca de concordia universal que dejaban traslucir sus canciones. En una entrevista realizada en 1970 -poco antes de la separación de los Beatles- y emitida ahora por la BBC, Lennon dice: "estamos hartos de ser acólitos de Paul McCartney, que vaga sin rumbo", y expresa desprecio por Georges Harrison. Más complejo todavía es el perfil de Chapman, un tejano que tras perpetrar el asesinato dijo haberlo cometido "para alcanzar fama". Chapman admiraba a Lennon hasta que, meses antes de acabar con su vida, le empezó a considerar "un farsante". Ese cambio de opinión no impidió que el día del crimen fuera al edificio Dakota para pedir a Lennon que le firmara un ejemplar del disco "Double Fantasy", su ultima grabación, horas antes de presentarse de nuevo en el lugar para esperar por segunda vez a su víctima, en esta ocasión para asesinarla.En un documental de próxima emisión -que lleva el inequívoco titulo de "Yo maté a John Lennon"-, Chapman reitera que el día del crimen "nada podía detenerme" y que "era como un tren sin frenos". Esas declaraciones son parecidas a las que hizo en 2004, cuando también afirmó: "por un lado, he realizado mi objetivo, aunque, por otro, soy más don nadie que entonces". Mark Chapman, que cumple su condena en la prisión de Attica -en Nueva York-, ha solicitado la libertad condicional tres veces. En todas le fue denegada, tras las movilizaciones populares lideradas por Ono y la hermana de Lennon, Julia, quien se muestra convencida de que si Chapman recobra la libertad, alguien acabaría por matarle. EFE


All we are saying is give peace a chance
Jonh Lennon

miércoles, 7 de diciembre de 2005

Otra genialidad

La música constituye una revelación más alta que ninguna filosofía.

miércoles, 30 de noviembre de 2005

Paula C

Parte de las andanzas de Rubén Blades en la ciudad de Nueva York se ven retratadas en este tema, grabado por el panameño con el respaldo de la orquesta de Louie Ramírez. Es una suerte de lamento, donde la tristeza invade al ser cuando la mujer amada decide partir. Una situación que, quizás, a muchos de nosotros nos haya sucedido.



PAULA C (Rubén Blades)

Paula C,
con el silencio se marchó sin contestar
Y comprendí aquella noche
que ya nunca jamás
olvidaría su querer.

Paula C,
la madrugada me envolvió
en su oscuridad
Y aunque parezca raro
me hizo ver
con más claridad
lo que es amar
a una mujer.

Ya tu regreso,
de nuevo aquel beso
me hizo vibrar
Y así volví a soñar,
y así volví a cantar
Y con el llanto
volviste temblando
y te oí murmurar
Que yo era todo para ti
y nada más.

Paula C,
hoy la distancia
nuevamente
entre los dos
Es la que anima
y me inspira por ti
esta canción
A la que me entregó su amor,
a Paula C

Oye que triste quedé, cuando se fue Paula C
triste llega caramba y mi cama está vacía

Oye que triste quedé, cuando se fue Paula C
Busco de noche, busco de día, busco en la carta y adonde se iría

Oye que triste quedé, cuando se fue Paula C
Vivir sin un Amor no vale nada, no vale nada, tu ve!

Oye que triste quedé, cuando se fue Paula C
Paula dónde te has metido caramba, dónde te has ido a esconder

Oye que triste quedé, cuando se fue Paula C
Nueva York, Ciudad fría muéstrame tu corazón, di si está aquí en Manhattan o está allá en el Bronx

Oye que triste quedé, cuando se fue Paula C
Me paso la noche por la calle 82 a ver si la encuentro asomada al balcón

Oye que triste quedé, cuando se fue Paula C
De buscar por el barrio me cansé, busca y busca y nunca la hallé

Oye que triste quedé, cuando se fue Paula C
Oye, pero que triste, pero que triste, triste, triste quedé cuando se fue Paula C

Oye que triste quedé, cuando se fue Paula C
Tristeza, vete muy lejos, para no perder la fe

Oye que triste quedé, cuando se fue Paula C
Pasé por Brasil y no la hallé, hay donde estará Paula C

Oye que triste quedé, cuando se fue Paula C
Busco de noche, busco de día, busco en la carta y adonde se iría

Oye que triste quedé, cuando se fue Paula C
Oye, pero que triste, pero que triste, triste, triste quedé cuando se fue Paula C

Oye que triste quedé, cuando se fue Paula C
Pero que vuelve nena, ven ven, pero que vuelve pronto, ya ya, anda Paula apúrate

Oye que triste quedé, cuando se fue Paula C
Tristeza, vete muy lejos, para no perder la fe.

martes, 29 de noviembre de 2005

Tierra en trance

Según nuestros amigos de la Real Academia Española de la Lengua, encontrarse en un estado en el cual el alma se siente en unión mística con Dios es uno de los significados de la palabra trance, lo cual nos da unas primeras luces de lo que el Irakere, Chucho Valdés mediante, lograría con su producción Tierra en trance del año 1985.


Portada original del disco Tierra en trance, Irakere, 1985

De una forma realmente coherente, Irakere nos pasea por una diversidad de ritmos afrocubanos y afroamericanos, con temas como Palia, el insustituible bolero Las margaritas, lo intrincado de ritmos como el son, rumba y guaguancó presente en los temas A Chano Pozo y Estela va a estallar, así como la experimentación de ritmos y sonidos presentes en Tierra en trance, tema que da título a esta producción. El estilo pianístico depurado, explosivo y virtuoso de Valdés destaca como líder de una agrupación que está inscrita en la lista de innovadores en el campo musical.

Reedición del disco Tierra en trance, Irakere - Volumen X, Colección Cubana

Es un trabajo discográfico para tenerlo siempre en cuenta, más cuando corren tiempos donde la mediocridad pareciera ser el plato fuerte del día. Ritmos que parecen adentrarnos en las raíces africanas que están presentes en latinoamérica, cimarronaje que llevamos marcado en nuestros genes y que se pone de manifiesto a través de las notas y los silencios, es parte de la oferta que Tiera en trance le ofrece a quien lo escucha. Armonías complejas, pero que ambientan de manera singular el mensaje ancestral que nos presenta una banda sólida y de propósito definido.

Lo llevo en la mente todo el tiempo, recordando cada solo, cada obligado, cada acorde como las sílabas que aprendemos en el proceso de inicio a la lectura.


Bonus text
Aqií les dejo los significados de la palabra trance, según la Real Academia Española de la Lengua.

trance
(Del fr. transe, de transir, y este del lat. transīre).
1. m. Momento crítico y decisivo por el que pasa alguien.
2. m. Último estado o tiempo de la vida, próximo a la muerte. Último trance. Trance postrero, mortal.
3. m. Estado en que un médium manifiesta fenómenos paranormales.
4. m. Estado en que el alma se siente en unión mística con Dios.

miércoles, 23 de noviembre de 2005

Más preciso no se puede ser...

El arte de dirigir consiste en saber cuando hay que abandonar la batuta para no molestar a la orquesta.

lunes, 21 de noviembre de 2005

Recibiendo el testigo

Recibo el testigo del buen amigo Petrusco.

No quiero llamar cadena a esta clase de cuestionarios, ya que éstos siempre tienen sus amenazas al final, siempre y cuando decidas no hacer lo que te piden. Sencillamente, creo que esto es un ejercicio interesante para describir, de forma rápida, los gustos y tendencias musicales de cada quien. Aquí les va

1. Tamaño total de los archivos de música de mi computadora:
Aproximadamente 20 Gb, sin contar lo que he llevado a CD para almacenar y liberar espacio del disco duro.

2. Último disco que compré:
De dónde venimos y hacia donde vamos de Herencia. Un excelente trabajo de fusión afrovenezolana, sólido, recomendable.

3. Canción que escucho en este momento:
Expresso 2222 de Gilberto Gil

4. 5 canciones que escucho mucho o que tienen algún significado para mí:
- Mediterráneo, Joan Manuel Serrat
- Pablo Pueblo, Rubén Blades
- Hendrina, Napoleón Lucena
- Earthdance, Jerry González & Fort Apache Band
- Estela va a estallar, Irakere
- La Duquesa de La, Antonio Carrillo
- Mambo Inn, Mario Bauzá

Sin embargo, la lista es mucho más larga

5. Personas a las que les paso el testigo:
Al pana Fedosy

jueves, 17 de noviembre de 2005

La clave

Mucho se habla de ella, o de ellas. Y, la verdad, a veces resulta dificil hablar de ella, mejor dicho, de ellas. De modo que intentaré explicar como es todo este asunto de la clave.

En primer lugar, existe un instrumento llamado Claves, el cual consiste en dos palos que se golpean uno contra el otro para producir un patrón ritmico definido (el cual trataremos más adelante) sobre el cual se basa la música afrocubana. En la gráfica siguiente se obsevan unas claves.


Bien, ya hemos visto el instrumento, pequeño en tamaño, pero que domina por completo al resto de los instrumentos, cuando de música afrocubana o afrolatina se refiere.

Ahora hablemos de la clave. La clave es el patrón por donde deben regirse el resto de los instrumentos y cantantes (en caso que los haya). Algunos autores definen la clave de la siguiente manera

Esta frase rítmico–musical o clave, va integrada y relacionada con la melodía y el ritmo, siendo obligada su correspondencia con todo el entorno musical en que esté sonando, de no ser así se alteraría el orden natural de concordancia entre la clave y la música quedando como clave atravesada(atravesá), cruzada o montada, calificativos usados en Cuba para definir la clave mal tocada o fuera de lugar en la música.

Otros la definen así:

Es tambien el nombre del ritmo en si, que se produce con los palitos. Un compás de cinco notas que sirve como la fundación de los ritmos en la música salsa.

La gente del sello Putumayo la define de la siguiente manera:

El elemento fundamental del son es un patrón rítmico llamado clave. Tocado con dos pequeños palos de madera, o “claves”, este ritmo reiterado es la base sobre la cual se estructuran los demas elementos musicales, que la da el swing característico que lo ha hecho tan popular en el mundo entero.

Es por ello que es común escuchar, en ensayos, toques y hasta en discos la frase "¡está fuera de clave!" con la cual le dicen a un músico que no está guardando respeto por la clave, que lo está haciendo atravesado o fuera de ritmo, lo que equivale a hacerlo mal.

Espero que con estas pequeñas explicaciones todos podamos estar en clave....toc, toc, toc...toc, toc.

miércoles, 16 de noviembre de 2005

Realmente Nicolás


Oriente, región donde el mar besa incansablemente las costas de nuestro país, donde el sentimiento se ve reflejado en un amanecer a la orilla de la playa, donde la perla más grande emerge del mar para convertirse en musa gentil de poetas y compositores, donde la Virgen del Valle protege al que llega a su encuentro con su cálida luz. Oriente, donde el sentimiento de su gente se ve reflejado en sus costumbres, tradiciones y, para variar, en su música. Polo, malagueña, golpe estribillo, jota y galerones, entre otros, componen parte de la oferta musical que el oriente del país pone a la disposición de quienes desean disfrutar de la diversidad cultural que tenemos. Una muestra de ello la podemos apreciar gracias al flautista venezolano Nicolás Real, quien ha coronado años de esfuerzo y dedicación al ofrecernos su primera produción discográfica titulada Música oriental venezolana, donde predomina un respeto por la tradición y las formas que caracterizan a la música del oriente del país. El repertorio consiste en composiciones hechas por músicos como Beto Valderrama y Francisco "Chico" Real, así como piezas pertenecientes al folklore, todo hecho como un homenaje a la tierra, costumbres y tradiciones que trae por herencia pero que se llevan labradas en el alma. Es un disco que nos pasea a través de las aguas que refrescan las costas orientales, donde la flauta toma el papel protagónico que, normalmente, tiene la mandolina, pero con un carácter dulce, delicado, sobrio. Así las cosas, Nicolás Real demuestra que su solvencia y calidad musical no están presentes, unicamente, dentro del campo de la música académica, donde su experiencia es realmente amplia, sino también en el campo de la música popular, síntoma inequívoco de versatilidad. Un disco y un músico para no perderlos de vista.

domingo, 13 de noviembre de 2005

¡Parao!

A quienes viven de túnel en túnel

En un artículo escrito hace algún tiempo, trataba de explicar la importancia de la producción Mundo de Rubén Blades, de su universalidad y de la temática plasmada en el CD. Sin embargo, hoy me detengo en el tema Parao, profunda y sensible visión sobre las vivencias de los gitanos en Europa, aunque esta situación podría estar en otros espacios y tiempos. El panameño argumenta el tema de la siguiente manera:

La idea de la canción surgió de mi lectura del libro, "Bury Me Standing", de Isabel Fonseca, una crónica de la desesperada situación de los gitanos en Europa Oriental y de la persecución que han sufrido desde el siglo XV.

Argumento por todos los que de una forma u otra han sido víctimas de la intolerancia racial, religiosa, política y cultural. Es una extensión del dicho, "mejor morir de pie que vivir de rodillas".

Parao (Rubén Blades)

Hay quien ve la luz al final de su tunel
Y construye un nuevo tunel, pa no ver

Y se queda entre lo oscuro, y se consume
Lamentando lo que nunca llego a ser

Yo no fui el mejor ejemplo y te lo admito
Facil es juzgar la noche al otro dia

Pero fui sincero, y eso si lo grito
Que yo nunca he hipotecado al alma mia

Si yo he vivido parao, ay, que me entierren parao
Si pague el precio que paga el que no vive arrodillao!
La vida me ha restregao, pero jamas me ha planchao
En la buena y en la mala, voy con los dientes pelaos!
Sonriendo y de pie, siempre parao!

Las desgracias hacen fuerte al sentimiento
si asimila cada golpe que ha aguantao

La memoria se convierte en un sustento
Celebrando cada rio que se ha cruzao

Me pregunto, como puede creerse vivo
El que existe pa culpar a los demas?

Que se calle y que se salga del camino
Y que deje al resto del mundo caminar!

A mi me entierran parao, ay que me entierren parao
Ahi te dejo mi sonrisa y todo lo que me han quitao
Lo que perdi no he llorado, si yo he vivido sobrao,
Dando gracias por las cosas que en la ruta me he encontrao
Sumo y resto en carne propia, de mi conciencia abrazao,

Parao! Aunque me haya equivocao
Aunque me hayan señalao
Parao! En agua de luna mojao
Disfrutando la memoria de los rios que he cruzao
Aunque casi me haya ahogao, Sigo parao! Parao!

viernes, 11 de noviembre de 2005

Otra más de Catalino

Otra de las canciones clásicas dentro del mundo de la salsa, Marejada feliz, interpretada por Roberto Roena y su Apollo Sound. La temática del amor tratada por el Tite Curet Alonso a su muy particular estilo, desgranando el tema para digerirlo lentamente. Una verdadera cabilla, sin duda.


Marejada Felíz (Tite Curet Alonso)


Potente cual marejada fué su amor
la playa de mi cariño la arrasó
en mi fué tan dolorosa que es mi vida
llorar por aquella triste despedida.

Marejada feliz,
vuelve y pasa por mi
aun yo digo que sí,
que todavia pienso en ti.

El vertigo que mi alma provocó
lo intimo sacudió en mi corazón
traté de evitar su rápida partida
su amor que sigue lejano de mi vida.

Marejada feliz,
vuelve y pasa por mi
aun yo digo que sí,
que todavia pienso en ti.

Coro:
Quisiera la marejada,
la playa de mi cariño.
Sin ella no estoy en nada,
sollozando como un niño.

martes, 8 de noviembre de 2005

Una ofrenda para Vytas

Definitivamente, nos llevabas una morena. Apreciar nuestra música de la manera en que lo hiciste tiene más virtudes y méritos de las que usualmete le adjudicamos. Darle la proyección y elementos para conjugarse con otros estilos y culturas te catapultaron, sin duda, a los límites donde algunos privilegiados pueden llegar. Como todo buen innovador en propuestas artísticas, fuiste criticado, ignorado y hasta de loco tildado, pero eso nunca amilanó tus deseos de proponer cosas realmente innovadoras. Grande y elocuente fue el brilo de San Agustín, o el sonido de aquella soñada Princesa o, más bien, el lento caminar del Morrocoy. Nos llevabas una morena, y así lo demostraste en aquel tiempo cuando, rockeros o no, te seguíamos el paso porque nos sentíamos identificados tanto por la nacionalidad como por la expresión foránea que venía a bailar junto a la nuestra. Con sobrada razón diste a entender aquello que dice que las culturas, aunque tengan diversidad, pueden fusionarse entre ellas para crear nuevas e interesantes expresiones. Así nos lo mostraste, así lo asumimos, así lo aplaudimos.
Sabemos que estás en algún lugar no muy lejano, eso sí, frente al piano a al teclado.
Vytas, el 19 de septiembre de 1946 llegaste al mundo en Tubingen, Alemania, con ideas que, con el pasar del tiempo, llegarían a darle vueltas al globo. Sin embargo, decidiste partir hacia otros destinos un 18 de marzo de 2004 en Salzburgo.
Hoy día, recordamos aquella Ofrenda que hiciste, aquel particular y cautivador sonido, siempre progresivo, siempre Vytas. Nos seguirás llevando una morena.

lunes, 7 de noviembre de 2005

Lo dijo Manuel de Falla

Error funesto es decir que hay que comprender la música para gozar de ella. La música no se hace, ni debe jamás hacerse para que se comprenda, sino para que se sienta.

viernes, 4 de noviembre de 2005

The Six Wives of Henry VIII

Rock Sinfónico del bueno, sin concesiones, logrando música que escala hasta niveles superiores. Mucha madurez en las composiciones, donde lo clásico, el rock y algún leve matiz de jazz logran mezclarse para producir una de las obras más importantes del rock. Cada tema está compuesto con el "feeling" necesario, pero con mucha inteligencia, logrando crear el ambiente que mantenga viva la conceptualización prevista. Piano y teclados a cargo de Rick Wakeman consituyen un piso sólido, sin posibilidad de resbalar, capaz de mantener viva el alma de las seis esposas de Enrique VIII. Por otra parte, el poder entrelazar elementos de la historia con la música hacen de este disco un ejemplar muy particular, digno de escuchar cada vez que la nostalgia nos lleve por los caminos del rock y sus variantes. Un CD que ha atrapado nuestra atención desde un primer momento y, sorpresivamente, la atención de aquellos que no conocen esta parte de la cultura rock.
Temas
1.- Catherine of Aragon
2.- Anne of Cleves
3.- Catherine Howard
4.- Jane Seymour
5.- Anne Boleyn
6.- Catherine Parr
Músicos
Rick Wakeman: Keyboards
Alan White: Drums
Barry de Souza: Drums
Barry St. John: Vocals
Bill Bruford: Drums
Chas Cronk: Bass
Chris Squire: Bass
Dave Cousins: Electric Banjo
Dave Lambert: Guitar
Dave Winter: Bass
Frank Riccotti: Percussion
Judy Powell: Vocals
Laura Lee: Vocals
Les Hurdle: Bass
Liza Strike: Vocals
Mike Egan: Guitar
Ray Cooper: Percussion
Steve Howe: Guitar
Sylvia McNeill: Vocals

miércoles, 2 de noviembre de 2005

Nos vamos de bolero...

Algunos hemos tenido la oportunidad de vivirlo, otros no. Algunos lo hemos interpretado, y hasta hemos asumido como propia una historia ajena en la figura de un bolero. De todas maneras, el más universal de los géneros siempre tendrá una historia que recordarnos, nos llevará a evocar momentos que deambulan en un cajón que llamamos olvido y, con seguridad, será el vehículo para explorar setimientos y emociones que vienen impregnadas del tema amoroso. Hoy recuerdo el inolvidable tema Mi triste problema, obra inmortal del compositor boricua Tite Curet Alonso. La interpretación, por allá cercano a 1975, corrió por cuenta de Cheo Feliciano, todo un maestro en el arte de cantar un bolero. Mi triste problema es, sin duda, uno de los boleros que más disfruto escuchar, aunque no sé si pueda atreverme a cantarlo.

Mi triste problema (Tite Curet Alonso)

Vivir a tu lado
con el pensamiento
fuera de lugar.
Seguir angustiado
viendo que se pierde
la felicidad.

Estar convencido
de que en un vacío
peor que le olvido
se hundió todo aquello
que siendo tan nuestro
ya es tiempo perdido.

Andar con la pena
de que nadie sepa
cual es mi dolor,
sentir mi problema
y vivir la vida
con cara de amor.

Y con pesadumbre
contestarle al mundo
que nada ha pasado.
Como de costumbre
seguir mi camino
sonriendo a tu lado.

Andar con la pena
de que nadie sepa
cual es mi dolor.

lunes, 31 de octubre de 2005

Magallanes y la música

El deporte y la música siempre llevarán una relación estrecha, aunque guarden diferencias grandes e importantes entre sí. Así vemos como en el fútbol es común escuchar cantos como el famoso "Dale, Dale, Boca" o "Hala Madrid", por citar algunos. Sin embargo, el beisból no escapa a ésta realidad. Famoso es el clásico "Take me out to the ball game" que se canta en el séptimo inning en los parques de Grandes Ligas, en cuanto al besibol se refiere.

En Venezuela, Magallanes goza de los cantos más recordados por fanáticos y adversarios, gracias al ingenio musical de Luis María Frómeta "Billo", quien con sus composiciones en honor al equipo navegante logró llevar el espíritu magallanero por todos los rincones de nuestra geografía. Es memorable el Magallanes será Campeón, el inolvidable No hay quien le gane o el clásico Magallanes y Susana, temas que quedan para la posteridad como ejemplo del arraigo del beisbol en nuestro país.

Gracias al maestro Billo, otros equipos han contado con similar suerte pero en dosis mucho menores. Hasta la rivalidad más grande del beisbol, Caracas - Magallanes, también tuvo su cuota musical por intermedio de Un Solo Pueblo, en ritmo de parranda.
Seguirán existiendo cantos para los equipos de besibol, para la afición y para el juego en general, pero no queda duda que la serie particular favorece al Magallanes.

sábado, 15 de octubre de 2005

Dance Mania

Con una obra que comprende más de 100 producciones discográficas, resulta un tanto complicado escoger un trabajo que represente las virtudes del llamado Rey del Timbal, título ganado a fuerza de talento, ganas y originalidad. Sin embargo, creo que una selección acertada es Dancemania, quizás uno de sus trabajos claves. Aquí, Tito Puente nos da una muestra de su alto nivel en diversas facetas (Timbalero, director, arreglista, compositor), lo cual siempre fue una de sus grandes virtudes. Por otra parte, la variedad de ritmos presentados en Dancemania lo hacen un disco muy particular, altamente bailable y con la permanente carga de frescura y sabor que Puente le imprimía a sus producciones discográficas.

Bailable, de principio a fin. Vigente. Esencial.

jueves, 13 de octubre de 2005

¿Ganamos o perdemos?


En días pasados, un visitante a mi blog me hacía la pregunta que da título a esta nota referenciada a la música digital y su auge en estos tiempos. Todo esto venía al caso ya que hablábamos de la experiencia gratificante que resulta en abrir el CD, leer la información del librito que acompaña cada producción discográfica (cuando los productores tienen la gentileza de hacerlo) y disfrutar de la experiencia visual mientas las notas de cuelan por nuestros conductos auditivos, cosas que dejaríamos de difrutar parcialmente por el furor de la música digital.
Obviamente, estamos frente a un hecho que nos señala un par de situaciones especiales. Con la llegada de la música digital, y la facilidad que hay para encontrarla (comprada a los sitios oficiales, copiada, transferida desde un CD original o por otros medios), obtendremos de forma rápida toda la música que necesitemos. Es decir, se disminuirá el tiempo de espera desde el lanzamiento de la producción discográfica hasta tenerla en nuestras manos.
Por otra parte, nos perderíamos el placer de ojear, leer, releer y, una vez más, volver a curiosear sobre los créditos que acompañan al disco, sobre los detalles de producción que nos ayudan a entender, en cierto modo, las razones por las que un artista graba tales temas.
Quizás, la ganancia esté en la rapidez para obtener las grabaciones, pero a cambio de privarnos de cirtos placeres muy necesarios para el alma y para quienes somos melómanos de nacimiento y por convicción.
Visto todo esto, prefiero esperar a que el CD esté en mis manos, disfrutar del momento de quitarle el celofán (cosa reservada para el dueño), sentir como el olor a CD nuevo penetra por mis fosas nasales, colocarlo en el CD-Player y comenzar la experiencia del recorrido visual mientras las notas hacen el trabajo de elevar mi alma hacia los niveles de tranquilidad y alegría que siempre, acordes mediante, me produce. Tal vez, algunos consideren que estoy perdiendo ya que las grabaciones tardan un poco en llegar a mis manos, pero seguiré ganando mientras pueda abrirlos y disfrutarlos uno a uno, sorbo a sorbo, como el buen vino.

martes, 11 de octubre de 2005

Siembra


Seguirá siendo un "must have" entre quienes atesoramos grabaciones. Casi que lo consideramos objeto de culto por el furor y el impacto que causó en el momento de su lanzamiento, por su contenido, vigencia y sabor. Sin desperdicio, donde la denuncia social, el amor, el barrio y lo popular se concentran sin llegar a ser motivo de estorbo.

Plástico, Buscando Guayaba, Pedro Navaja, María Lionza, Ojos, Dime y Siembra son los temas que nos hacen pasear por diversos aspectos (Denuncia social, el barrio, creencias populares, esperanza) que Blades trata con fina pluma, agudeza y conciencia. Aparte la mención para Willie Colón, responsable de la dirección musical, la producción y la colaboración en los arreglos.
Para quienes disfrutamos la salsa de una manera especial, Siembra estará dentro de los llamados "imprescindibles" de una colección particular. Virtudes le sobran, así como calidad, mensaje y sabor, elementos suficientes para que se mantenga el el sitio que bien tiene ganado.

jueves, 6 de octubre de 2005

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band


Cuando hablamos de grabaciones de Los Beatles, es difícil escoger una, de allí que el ejercicio se haga cuesta arriba para quienes sentimos afición por los 4 de Liverpool. Sin embargo, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band guarda un encanto especial por varias razones como que su grabación tardó 129 días, el uso de una gran orquesta, el diseño de la carátula, donde aparecían personajes tales como el bailarín Fred Astaire, los actores cómicos Stan Laurel y Oliver Hardy, la actriz Marilyn Monroe, entre otros.

Por su conceptualización, manejo de los recursos disponibles para hacer una carátula fuera de lo común, por la siempre sorprendente música que se encuentra allí contenida, y por muchas razones que me hacen ser seguidor de Los Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band siempre tendrá un lugar especial en mi colección. Me lo llevaría a cualquier parte.

miércoles, 28 de septiembre de 2005

Un universo aparte

La realidad y la fantasía se hacen compañía de manera sutil, prueba inequívoca de que se puede coexistir sin necesidad de estorbar. Allí convergen sueños y realidades, mitos y leyendas, amores y dolores, casi como en cualquier universo que se intente explorar. Sin embargo, cuando se trata de adentrarnos en el verde gigante amazónico, la cosa pasa a otra dimensión, más si es la música la razón principal para explorar.

Recuerdo que al dar mis primeros pasos por la música brasileña me preguntaba por dónde empezar. ¿Serían Jobim y Villa-Lobos las primeras referencias? ¿O, más bien, entraría por la corriente del Tropicalismo? ¿Que tal si entrara vía Cartola o Caymmi? Quizás estaba buscando argumentos o razones que me indicaran por dónde empezar. Sin embargo, gracias a oportunos y sabios consejos de amigas y amigos melómanos, decidí dar mis primeros pasos a través de un disco de características particulares: Vinicius de Moraes con María Creuza y Toquinho (1970).

Esto me abrió las puertas a un universo musical de características muy especiales: Rítmos intrincados pero extremadamente contagiantes, emotividad expresada en cada una de las vertientes que en este disco se daban cita, la característica saudade que marca el estado de ánimo del brasilero, sensibilidad a la hora de componer y expresar lo escrito, así como un sin fin de razones que, hoy día, sigo intenando describir.

De allí en adelante todo ha sido cuestión de abrir muy bien los oídos, de dejarme seducir por la brisa que baja del Corcovado, por las olas que acarician a la mítica Salvador de Bahía, por el acelerado ritmo de vida Paulista, por la magia que se esconde en la selva amazónica, por la forma como un pueblo danza y siente los 4 días dedicados al Rey Momo.

Sigo explorando, ya sin el temor a quedarme extraviado. Sé que, si eso llegase a suceder, la Cruz del Sur me guiará para retomar la senda correcta y seguir recorriendo, a golpe de surdo y cavaquinho, las diversas rutas de un universo aparte. Razón tenían mis amigos Carlos Caldera y Adriana Pedret cuando me decían que una vez estando dentro del universo musical brasileño, es imposible volver atrás.

lunes, 26 de septiembre de 2005

Manny Oquendo & Libre

Dentro del mundo musical del caribe hemos podido apreciar diversas agrupaciones que han determinado los nuevos e inexplorados caminos que puede ofrecernos la música, caminos dificiles pero ricos en sonidos, formas y colores, caminos donde la innovación y el respeto a lo tradicional es un deber. Una de las agrupaciones que se ha encargado de preservar ese espíritu de innovación con respeto por la tradición es, sin lugar a dudas, Manny Oquendo y Libre.

El conjunto Libre se funda en la ciudad de Nueva York un 24 de Octubre del año 1974 cuando Andy Gonzalez y Manny Oquendo toman la decisión de abandonar “La Perfecta” del maestro Eddie Palmieri. Tanto Gonzalez como Oquendo buscaban explorar nuevas alternativas e incorporar algunos elementos del Jazz y la música Afrocubana, de allí que para esá época formaran parte del Grupo Folklorico y Experimental Nuevayorkino. Sin embargo, a pesar de escepticismo de Oquendo, Gonzalez logra convencerlo para fundar el Conjunto Libre.

Manny Oquendo nace un 1º de Enero del año 1931 en la sección portuaria de Brooklyn, Nueva York. Sus padres, Agustín y Josefina Oquendo, habían llegado a Nueva York provenientes de la ciudad de Ponce, Puerto Rico. A los ocho años de edad, aproximadamente, la familia Oquendo se muda al 1600 de la Madison Avenue, cerca de la calle 110, lugar de El Barrio donde se realizaban muchas de las actividades latinas. El apartamentode la familia Oquendo quedaba sobre los Almecenes Hernández, una tienda de discos donde el sonido de las bandas de Machito, Fajardo y la Orquesta Aragón servían de fondo musical para los residentes del sector.

La formación musical de Manny Oquendo se inició a temprana edad, donde asistió a la New York Band School, en la calle 125 de Nueva York, donde pagaba 25 centavos de dólar por cada clase recibida. Adicionalmente tomó lecciones de música con Sam Ulanoff.. Paralelamente a ello, Oquendo iniciaria su carrera como ejecutante del timbal y el bongó uniendose al Sexteto Sanabria, agrupación juvenil que amenizaba fistas y bailes en “El barrio” de Nueva York.

La experiencia y su interés por la musica afrocaribeña llevó a Manny Oquendo a formar parte de las mejores orquestas del momento: Pupi Campo, José Curbelo, Tito Puente, Tito Rodríguez y La perfecta de Eddie Palmieri. Por otra parte, Manny Oquendo recibió especial influencia de grandes percusionistas cubanos entre los que destacan Ulpiano Díaz de la Orquesta de Arcaño y sus Maravillas, Antolín Suárez “Papa Kila” del conjunto de Arsenio Rodríguez, Oreste Varona de la Orquesta Aragón y Ramoncito Castro de la Orquesta Casino de la Playa.

Para el año 1974, Manny Oquendo había ganado buena reputación como uno de los mejores percusionistas en lo que refiere al estilio tradicional.

Pero no sería sino hasta el año 1977 cuando el Conjunto Libre saldría a la luz pública luego de madurar y concretar este proyecto iniciado en el año 1974. Para su inicio,la formación del conjunto Libre era la siguiente

Manny Oquendo: Líder, Timbales y Bongó
Andy Gonzalez: Bajo y Dirección musical
Jerry Gonzalez: Tumbadora
Barry Rogers: Trombón
Jose Rodrigues: Trombón
Oscar Hernández: Piano
Héctor “Tempo” Alomar: Voces
Tony “Puppy” Torres: Voces

INVITADOS

Dave Valentin: Flauta
Milton Cardona: Percusion
Nelson González: Tres
Gene Golden: Percusion
Angel “Papo” Vazquez: Trombón

Por otra parte, el Conjunto Libre ha contado con músicos de la talla de Reynaldo Jorge, Jimmy Bosch, Felo Barrio,Orlando Watussi, Herman Olivera, entre otros que han participado con la agrupación.

Es evidente la infleuncia que ejerció La perfecta de Palmieri en los músicos del Conjunto Libre. Esto debido a que muchos de ellos provenían de “La perfecta”. Sin embargo, la música era presentada y ejecutada desde otra perspectiva, tratando de hacer convivir a la vanguardia y la tradición. Una perspectiva que marcaría pauta y presentaría las ganas de hacer musica para el bailador sin llegar a olvidar los buenos arreglos, la calidad en la ejecución, el respeto por la clave y el sabor afrocaribeño.

A pesar de no ser una agrupación muy extensa, en lo que a la cantidad de músicos se refiere, es bueno destacar el sabor impreso a cada una de sus ejecuciones. Mención aparte el hecho de que el Conjunto Libre no realiza las grabaciones de la manera que, tradicionalmente se realiza, es decir, instrumento por instrumento. El Conjunto Libre prefiere hacer la grabación con todo el mundo trabajando al mismo tiempo. Según han relatado Manny Oquendo y Andy Gonzalez, esto les permite a los músicos mayor libertad y confianza a la hora de ejecutar los temas.

Y el nombre de Libre viene dado por la libertad con que esta agrupación decide enfrentar la música, así como la libertad para los arreglos y la ejecución, y la capacidad de experimentación lograda por el duo Manny Oquendo y Andy Gonzalez. Adicionalmente a ello, el Conjunto Libre nunca ejecuta los temas que interpreta de la misma manera, otra de las razones por las cuales viene dado su nombre. Y, tal vez, el no inclinarse hacia el lado comercial ha sido lo que ha hecho del Conjunto Libre una de las bandas más importantes que el ámbito musical afrocaribeño ha podido conocer.
Su música siempre sonará así: poderosa, con mucho respeto por la tradición pero con cierto espíritu vanguardista, buscando nuevos caminos, con ritmo, con salsa.

viernes, 23 de septiembre de 2005

23, 25 y 27. Caracas

No se trata de una cuenta, mucho menos de una progresión aritmética, temas que no son de mi completo agrado. Sencillamente, Caracas se verá influenciada, de algún modo, por tres pianistas que, a su muy estilo particular, repartirán notas en diversos espacios de nuestra capital los días 23, 25 y 27 de septiembre del presente año.

El 23 de septiembre abrirá fuegos el maestro Eddie Palmieri, al frente de La Perfecta II, rememorando aquellos días en que "La Trombanga" daba mucho de qué hablar en Nueva York. Esta vez, la cita será en el estacionamiento del Poliedro de Caracas.

Para el día 25 le tocará el turno a Gerry Weil, austríaco de nacimiento, pero a quien Venezuela ha acogido para sí, teniendo la fortuna de apreciarlo como ejecutante de las teclas blancas y negras, compositor, arreglista, maestro y excelente persona. El lugar de encuentro será el Centro Cultural Corp Group de La Castellana.

Para completar la cuenta, Chano Domínguez, maestro gaditano que se mueve entre el jazz y el flamenco, se presentará junto a Martirio el día 27 en el teatro Teresa Carreño.

La oferta luce más que tentadora, tres pianistas con diferentes e importantes visiones de la música, con diferentes maneras de expresión a través del piano, aunque a todos los une un idioma común: el jazz.

miércoles, 21 de septiembre de 2005

Si usted lo dice...

Aprender música leyendo teoría musical es como hacer el amor por correo.
Luciano Pavarotti

¡Menuda tarea!

Atendiendo a la solicitud de un visitante a mi humilde blog, ofrezco una primera lista de 20 títulos discográficos que no deberían faltar en una colección. Estoy seguro que habrán más grabaciones y, seguramente, así aumentemos la cifra a 500, algunos quedarían por fuera. Sin embargo, en este tipo de situaciones, el gusto personal prevalece.

Aquí van, sin orden alguno de importancia.

  1. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band - The Beatles.
  2. Siembra - Willie Colón & Rubén Blades
  3. Dancemania - Tito Puente
  4. The six wives of Henry VIII - Rick Wakeman
  5. Monk's Dream - Thelonious Monk
  6. The composer of Desafinado plays - Antonio Carlos Jobim
  7. The Vienna concert - Astor Piazzola
  8. Unplugged - Eric Clapton
  9. Caballo viejo - Simón Díaz
  10. Rumba para Monk - Jerry González & Fort Apache Band
  11. Tierra en trance - Irakere
  12. Mediterráneo - Joan Manuel Serrat
  13. Pure emotion - Chico O'Farrill
  14. The champ - Dizzy Gillespie
  15. Abraxas - Carlos Santana
  16. Nothing like the sun - Sting
  17. The Tanga Suite - Mario Bauzá & his Afro Cuban Jazz Orchestra
  18. El Trabuco Venezolano Volumen I - El Trabuco Venezolano
  19. Soul sauce - Cal Tjader
  20. Waltz for Debby - Bill Evans Trio

¡Salud para vuestros oídos!

martes, 20 de septiembre de 2005

Una noche en el Village Vanguard

Mi asiento, como de costumbre, estaba reservado para la ocasión, muy cerca del escenario, donde solo el aire acondicionado pudiese interponerse entre la música y yo. Era mi asiento especial y ella, algo impaciente, no veía la hora del inicio de la función, cosa normal en quien no siente mayor afición por el jazz. A los pocos minutos, van apareciendo en escena el bajista Scott LaFaro, el baterista Paul Motian y el pianista Bill Evans, nombres que le brindarían nuevos aires y perspectivas al formato de trío jazzistico.

Uno a uno, los temas interpretados por el trío iban más allá de cualquier propuesta hecha por algún mortal con anterioridad. Piano, batería y contrabajo establecían una suerte de conversación excelentemente moderada, con preguntas y respuestas cargadas de argumento y lirismo, con inteligencia liberada y pasión desgranada entre las notas oscuras y dinámicas del bajo, los repiques y susurros de las escobillas, y maestría al sonar, en forma de gotitas de rocío, las notas del piano. Una especie de juego donde cada quien compartía los roles de estrella y gregario, a veces de manera imperceptible. La música cubría con su magia los espacios cálidos y alegres que el trío dejaba para la posteridad en una sesión antológica, en la cual estaba siendo espectador de lujo y, de manera silenciosa, casi protagonista. Era, sencillamente, un momento histórico en el mundo del jazz.

El hecho fue definitorio, marcando un verdadero hito en aquello de proponer música en forma de trío, logrando inmortalizar no solo al pianista Bill Evans, sino tambien a sus cómplices Paul Motian y Scott LaFaro.

Al despertar, supe que no era más que ficción, pero una genuina realidad en el mundo de mis sueños y de mi imaginación. Lo viví, muy a mi manera. Nada mal para quien escribe y profesa un irrestricto amor al jazz.

miércoles, 14 de septiembre de 2005

Pura genialidad

Sin música la vida sería un error.
Friedrich Wilhelm Nietzsche

Piano & Voz

Entre melómanos, las sorpresas están a la orden del día. Y quizás esto se deba, entre otros, a dos factores importantes: La especialización que cada amante de la música procura y la enorme cantidad de material discográfico que sale anualmente al mercado. Uso esta introducción ya que hace poco recibí una grata sorpresa por parte de mi amigo y confeso melómano Pedro Miguel Arismendi, previa advertencia de que lo que llegaba a mis manos estaría, con seguridad, ganándose un lugar dentro de mis gustos. Dicha sorpresa fue, nada más, “Piano & Voz”, grabación hecha por César Camargo Mariano y Pedro Mariano en el año 2003. Muchos de ustedes, quizás, se harán la pregunta de por qué estoy hablando de una producción que apareció hace dos años. Sencillamente, la buena música tiene un espacio bien ganado que perdura en el tiempo, más allá de las modas que, a veces, se nos pretende imponer. En otras palabras, la buena música nunca envejece, simplemente trasciende, perdura, vive.

César y Pedro (Padre e hijo, respectivamente) nos muestran una producción con una dosis exacta de eclecticismo, intimidad, sensibilidad y visión amplia de lo que la música de brasil representa para ellos. Esto último puede comprobarse al revisar el repertorio escogido que abarca algo de Bossanova, Música popular brasileña (MPB, por sus siglas), samba tradicional y algo de rock amazónico. Por otro lado, se puede apreciar la versatilidad vocal de Pedro Mariano en la interpretación, dando muestras de excelente técnica vocal, madurez, respeto y sensibilidad por un repertorio nada fácil, habilidades heredadas de su madre, la gran cantante brasileña Elis Regina. De igual forma, el estilo inconfundible de César Camargo Mariano al frente de las teclas del piano nos presenta pequeñas estampas de un gran lienzo, el cual representa una amplia y exitosa carrera musical que abarca la Música Popular Brasileña, Jazz y Música Electrónica, entre otras tendencias.

Este es un trabajo musical cargado de intensidad y matices, de colores tenues y, por demás, fascinantes, que nos lleva a pasear por la amplitud musical que nos presenta el gigante del sur sin mezquindad alguna, perfumada con aromas del jazz y otras corrientes musicales, cargado de sutilezas, emociones y mucha “saudade”. Padre e hijo se unen, complicidad e intimidad familiar mediante, con el único argumento de disfrutar lo que mejor saben hacer: buena música. Es un excelente regalo para el alma y para los oídos, al menos para mi. ¡Gracias Pedro Miguel!

El cuerpo acústico

Algunas propuestas musicales suelen desarrollar un alma y personalidad propias, logrando diferenciarse del resto de la música que se hace en el planeta, bien sea en sonoridades o en espíritu. En lo personal, siento gran atracción por las propuestas innovadoras, poseedoras de un sentido que vaya mucho más allá de las notas y silencios que componen la música, aquellas se alejan del simple hecho comercial. Tal es el caso de “The Body Acoustic”, un colectivo liderado por el pianista David Chesky, donde se desarrolla una propuesta con aromas y matices que van desde el eclecticismo característico de Miles Davis hasta el cadencioso ritmo afrocubano, prevaleciendo el sentido grupal por encima de las individualidades.

Lo primero que llama la atención es el personal seleccionado para este colectivo, aportando cada cual su óptica, conocimientos y creatividad: Andy González a cargo del contrabajo, Randy Brecker en la trompeta con sordina Harmon, Giovanni Hidalgo en las tumbadoras, Bob Mintzer en el clarinete bajo y David Chesky en el piano. Todos dialogan desde el sonido que propaga cada uno de sus instrumentos, llevándonos por el mágico camino de la improvisación y el desarrollo de temas que, aunque guardan cierta similitud entre ellos, poseen vida, personalidad y alma propia. El piano de Chesky desliza acordes propios de estas estructuras improvisadas, respaldado por el piso que Andy González ofrece al pulsar las cuerdas de su contrabajo. Brecker ofrece el sonido ecléctico de la trompeta con sordina, estableciendo un permanente dialogo con el clarinete bajo de Bob Mintzer, un verdadero maestro en eso de soplar cañas. Como toque final, pero no menos importante, Giovanni Hidalgo aporta el sabor y el ritmo intrincado y palpitante en las tumbadoras. Sin embargo, nadie se extralimita en su función y espacio dentro de este colectivo, lo cual lo coloca en sitial privilegiado dentro de las producciones musicales en lo que va de año.

“The Body Acoustic” es un trabajo que nos muestra los aires de los jam session de otras épocas pero enclavado en pleno siglo XXI, donde cada músico se responsabiliza en aportar ideas y sonidos provenientes de dos géneros como el jazz y lo afrocubano, sin excentricidades o recursos diferentes al sonido acústico de cada instrumento, ofreciendo una polirritmia inspirada en la afrocubanía con las armonías propias del jazz. No hay espacios para la sobreposición o para alguna extravagancia, lo cual nos expone ante un trabajo hecho con honestidad, respeto y conocimiento de lo que se hace.

En resumidas cuentas, un trabajo discográfico con el espíritu de una suite, con riqueza en armonías, ritmos y creatividad, mostrándonos que se pueden tener ideas provenientes desde diversas perspectivas haciendo causa común sin causarse estorbo alguno. Un trabajo considerado por algunos como una descarga contemporánea de carácter cerebral. Aunque, pensándolo bien, “The Body Acoustic” es mucho más que eso.

El Mundo de Rubén Blades


Son increíbles las cosas que pueden lograrse cuando convergen el conocimiento de lo que se hace, el talento aplicado y las buenas intenciones. Tomando en cuenta estos factores para un proceso de mestizaje musical, el producto obtenido puede resultar en una verdadera joya, digna de ser admirada y difundida en su justa y merecida proporción. Hago esta introducción para lo que considero una verdadera joya musical: MUNDO, la producción más reciente del cantautor panameño Rubén Blades.

Mundo nos presenta una perspectiva universal de la música, donde Blades nos muestra que diversidad de estilos musicales pueden convivir más allá de las barreras impuestas por los humanos. Dicho en otras palabras, tener conciencia para que estilos musicales diferentes en apariencia puedan ir de la mano. Aquí encontramos reunido el talento musical de Blades junto a la agrupación costarricense Editus, el músico irlandés Eric Rigler, las agrupaciones Boca Livre de Brasil y De Boca en Boca de Argentina, entre otras figuras. Todo esto nos demuestra que, cuando de música se trata, las fronteras se hicieron para romperse al igual que los paradigmas. La instrumentación escogida para esta producción nos presenta la música hecha de una manera universal, donde existe espacio para cualquier manifestación musical.

Comentario aparte merece las letras que Blades plasma en esta producción, siempre cargadas de reflexión y sensibilidad, manteniendo un constante mensaje que hemos podido apreciar desde sus inicios en estos menesteres, un mensaje cargado de buenas intenciones, de alto contenido social, de esperanza.

La verdadera intención de este trabajo discográfico, más allá de lo que pueda aspirarse a nivel económico, es hacer y presentar buena música, hecha sin concesiones y con un sentido de sensibilidad enorme. Si estos son los caminos que se van abriendo con el paso del tiempo, le esperan buenos momentos al movimiento musical en el mundo.

Artículo originalmente publicado en la revista dominical Letra Inversa del diario Notitarde, en Valencia, Venezuela, año 2002.

domingo, 28 de agosto de 2005

Noite de Morabeza

Explorando otras latitudes musicales me encuentro con un trabajo discográfico que ha merecido mi atención desde un primer momento. Se trata de la producción Noite de Morabeza de Boy Ge Mendes, cantautor oriundo de Dakar, Senegal, pero con el alma enclavada en Cabo Verde , pequeño conjunto de islas situadas al oeste del continente africano.

A partir de los primeros acordes comienza el viaje nostálgico, delicado y sentimental por el alma y el sentimiento caboverdiano. Conviven, musicalmente hablando, el espíritu de las mornas provenientes de Portugal, influencia notoria del bosanova brasileño, las raíces senegalesas expresadas en el tambor y la cadencia rítmica, un leve toque de jazz al igual que los aromas provenientes de los ritmos afrocaribeños.

Nada sobra y nada falta, desde la guitarra melancólica y traviesa, pasando por un piano que desliza notas en su justa proporción hasta el acordeón que sutilmente se cuela para mostrarnos la profundidad, seriedad y la delicadeza con que Mendes encara esta producción discográfica. Aparte mención merece la voz cálida, dulce por momentos y melancólica de Mendes, la cual nos transmite toda la “sodade” y el sentimiento, alma y espíritu del pequeño archipiélago.

El espíritu caboverdiano (valga el término) llega para hacerse presente, para demostrar que las islas no solo sirvieron, en tiempos ancestrales, para refugio de piratas, mercaderes o navíos que surcaban el océano. Esta producción nos crea, musicalmente hablando, un ambiente lleno de paz y dulzura, pero a su vez cargado de melancolía y sentimiento. Allí está una música, un sentimiento, un trabajo creador hecho con humildad para mostrar parte de la riqueza musical de un pequeño pedazo de tierra ubicado en aguas del atlántico.

Artículo originalmente publicado en la revista dominical Letra Inversa del diario Notitarde, en Valencia, Venezuela

La percusión creativa de Gerardo Rosales

Desde hace algunos años, en el mercado musical europeo han irrumpido, de manera exitosa, muchos de nuestros coterráneos, demostrándole al viejo continente y al mundo en general que nuestras propuestas musicales tienen valor e importancia dentro del ámbito cultural. Dentro de ese grupo de venezolanos hay que destacar al percusionista Gerardo Rosales.

Nacido en Caracas el 06 de julio de 1964, Gerardo Rosales se inicia en la música producto de los famosos Talleres de Percusión de Sarría, donde aprendería el ancestral arte del golpe de los cueros. No tardaría Rosales en destacar, lo cual sería un punto a favor para ser tomado en cuenta por agrupaciones como Yarake y Café, ambas del ámbito salsoso. Posteriormente, realiza una gira por España con la agrupación Caracas Son 7, concretamente a la famosa Expo Sevilla 92, donde ve surgir la posibilidad de hacer carrera dentro del exigente ambiente musical europeo. El reto estaba planteado y Gerardo no desaprovecharía la oportunidad de poder realizarse como creador en el viejo continente, de manera que establecería su cuartel general en Ámsterdam, Holanda.

Una vez radicado en el país de los tulipanes, Gerardo Rosales decide emprender su proyecto musical basado en las fusiones del jazz y los ritmos afrocaribeños y venezolanos, logrando destacarse como uno de los grandes percusionistas de la actualidad, todo eso gracias al empeño, al estudio de ritmos afrocaribeños, la dedicación al trabajo creativo y a la originalidad de su propuesta musical.

“Venezuela Sonora”, “Señor Tambó”, “El Venezolano”, “Ritmo y pianístico” (en colaboración con Eddy Martínez) y “La Salsa es mi vida”, ésta última realizada en Nueva York, son cinco producciones discográficas que avalan a Gerardo Rosales y lo muestran como uno de los percusionistas más creativos dentro del mundo de la música, donde el joropo se da la mano con las tumbadoras cubanas, y los ritmos afrovenezolanos se integran a la fiesta donde Rosales es el anfitrión.

Escuchar a Gerardo Rosales es como percibir el aroma del café recién colado, donde nos pasea por los caminos de la música venezolana, el jazz, la música afrocubana y la salsa, mediante el ritmo que lleva inmerso en la sangre y que nos transmite una buena carga de sabor a través del tambor y los instrumentos de percusión. Jamás ha perdido su identidad, ni sus creencias, ni la humildad que caracteriza su ser y sus propuestas musicales. Por el contrario, su manera de hacer música, creativa y original, representa uno de sus mayores orgullos.

Artículo originalmente publicado en la revista dominical Letra Inversa del diario Notitarde, en Valencia, Venezuela

miércoles, 24 de agosto de 2005

El enigma de Monk

Su música, misteriosa y enigmática como su vida, ha trascendido en el tiempo para dejar una huella que perdura con el correr de los años. Thelonious Monk ha sido uno de los grandes músicos que el jazz se ha dado el lujo de tener entre sus filas. Su manera peculiar de tocar el piano, la riqueza armónica de sus composiciones y un sentido del tiempo poco común lo hacían ser muy distinto a sus colegas músicos de la época, entre los que podemos citar a Dizzy Gillespie, Bud Powell o Charlie Parker.

Lejos de la pirotécnia y el alarde de destrezas que caracterizaban a los músicos de jazz de la era del bebop, Monk estableció su propia forma de expresar toda la carga emotiva que caracteriza a un músico de jazz. El uso de disonancias y silencios, el minimalismo en las melodías y la riqueza y complejidad armónica de sus composiciones le hacían correr en una dirección signada por sus propias y originales reglas, donde el misterio, la introspección y su fidelidad a sí mismo eran solo algunas de sus características más marcadas, tanto en su música como en su personalidad. Otra de las características esenciales de Monk fue su capacidad de reinventarse o de reinterpretarse cada cierto tiempo, lo cual le permitía desarrollar su obra desde varias perspectivas, enriqueciéndola o diferenciándola de la original, pero sin perder el espíritu que cada composición lleva consigo.

Temas como Round Midnight, Straight no cheaser o Evidence son solo una muestra del legado del hombre nacido en Rocky Mountain, Carolina del Norte, un 10 de Octubre de 1917 (aunque algunos sostienen que nació en 1920) y fallecido el 16 de febrero de 1982.

Maestro del tiempo en todo su sentido, enigmático en su música y su personalidad, Monk logró concebir sus ideas musicales a su manera, mostrándonos un camino alterno que enriquecería al jazz para siempre.


Artículo publicado en la revista dominical Letra Inversa del diario Notitarde, en Valencia, Venezuela

La magia de Djavan


Existe un elemento mágico que hace de su música algo más que un hechizo, quizás producto de la cantidad de culturas, aromas y colores que toma de la música de su Brasil natal, así como de otras expresiones musicales. Originalidad y creatividad son palabras que se encuentran inmersas en el discurso musical que pregona. Así es, determinada y versátilmente, la música de quien fue llamado al nacer, un 27 de enero de 1949, Djavan Caetano Viana, o sencillamente Djavan.

Proveniente de una familia humilde de Maceio, estado de Alagoas, en Brasil, Djavan se inicia en la guitarra desde temprana edad y de manera autodidacta, mostrando esa musicalidad natural que presentan los oriundos del país amazónico. “Luz, Som, Dimensao” sería su primera experiencia como cantante, a su vez que, para esa época, Djavan descubriría que la composición también sería uno de sus puntos fuertes. Sin embargo, sus composiciones eran poco entendidas por sus colegas de la época, catalogándolas de complejas y difíciles. Pero los comentarios sobre la complejidad de sus composiciones no lo detuvieron en su transitar hacia el éxito.

Para 1973, Djavan se traslada a Rio de Janeiro, buscando fortuna y nuevos horizontes musicales, los cuales encontraría para ir marcando un rumbo signado por la creatividad, el talento y la originalidad. Luego de haber participado en diversos festivales, así como haber interpretado temas de telenovelas, Djavan se hace de un espacio, por derecho y talento propio, dentro de la escena musical brasileña, logrando el reconocimiento y la admiración de grandes personajes como Caetano Veloso, Gilberto Gil y Gal Costa, entre otros. Pero el reconocimiento no solo ha sido del país carioca, también lo ha sido desde el extranjero, donde artistas de la talla de Stevie Wonder o Paco de Lucía han colaborado en sus producciones.

Innumerables han sido los éxitos que Djavan ha cosechado como compositor, entre los que podemos destacar la deliciosa “Sina”, “Samurai”, “Nem um dia”, “Meu bem querer”, “Flor de Lis”, entre otros, encontrando en sus composiciones la pasión, la sensibilidad y los sentimientos del ser humano expresados de una forma muy original. Poetas como Carlos Drummond, Federico García Lorca y Adelia Prado han sido fuentes de inspiración para Djavan, aunque su mayor inspiración lírica proviene de los arrullos de su madre, quien inventaba canciones basadas en la luna y las estrellas para dormir a Djavan y a sus hermanos.

Darse un paseo por su música resulta una experiencia fascinante, donde convergen ritmos y sonidos provenientes tanto del nordeste de Brasil como de otros paisajes brasileños, aderezados con matices que abarcan el pop, jazz, blues, funk y rock. Pero eso no queda allí, su propuesta musical, cargada de ritmo, sensibilidad y colorido va más allá de cualquier intento por catalogarla o colocarle algún tipo de etiqueta. Atreverse a escucharla, aceptarla y disfrutarla es una experiencia que vale la pena.

Artículo publicado en la revista dominical Letra Inversa del diario Notitarde, en Valencia, Venezuela

Jerry González

Según palabras del cineasta español Fernando Trueba, Jerry González es un jazzista con vocación de rumbero o viceversa. Y no le falta razón si tomamos en cuenta el hecho de poder reunir dentro de un mismo ámbito el complejo rítmico de la rumba afrocubana con el legado jazzístico de grandes personajes como Thelonious Monk y Miles Davis, logrando perspectivas dignas de ser apreciadas.

Nacido en Nueva York el 05 de Junio de 1949, Jerry González se inicia en la trompeta en su época de estudiante de secundaria en el Bronx. Sin embargo, la trompeta no sería su único instrumento ya que las tumbadoras harían el coqueteo necesario para que González dividiera su atención entre el cuero y el metal. Esta afición le permitiría ir más allá de la simple ejecución, sus pasos estaban encaminados entre el jazz y la música afrocubana, dos estilos que marcarían su norte y le permitirían tener mayores ambiciones a la hora de concretar los proyectos que habrían de venir.

Desde 1969, Jerry González estuvo involucrado en diversos proyectos musicales liderados por George Benson y Dizzy Gillespie, entre otros. Ya para el año 1974 lo encontramos involucrado en proyectos como el Conjunto Anabacoa, el Grupo Folklórico-Experimental Nuevayorkino y el Conjunto Libre de Manny Oquendo.

Su inicio en solitario data del año 1979, cuando el productor Kip Hanrahan le ofrece la oportunidad de grabar “Ya yo me curé”, producción que refleja los intrincados caminos que González pretendía recorrer. A partir del año 1980, Jerry González forma la Fort Apache Band, una propuesta muy vanguardista sobre la fusión entre el jazz y la rumba afrocubana sin concesiones ni sacrificio alguno, donde Jerry González ha puesto a prueba su creatividad musical y ha podido servir como punto de encuentro del jazz y los ritmos afrocubanos sin comprometer la esencia de cada uno.

En tiempos más recientes, encontramos a Jerry González desarrollando ideas musicales mediante mediante la exploración del flamenco, demostrando, una vez más, que la música sirve para unir pasiones, sentimientos, razas y culturas.

Estamos en presencia de un músico comprometido con la sinceridad de sus intenciones e ideas, capaz de ir del Bop a la rumba afrocubana pasando por los senderos del flamenco, bien sea soplando el metal de su trompeta o descifrando los mensajes ancestrales a través del golpe a sus tumbadoras. Entrega, pasión, devoción e irreverencia son palabras inmersas en el mensaje musical de quien es considerado un Pirata del Caribe.


Artículo publicado en la revista dominical Letra Inversa del diario Notitarde, en Valencia, Venezuela

Una historia del Latin Jazz

Nueva York ha sido, a través de los años, la ciudad donde han surgido auténticos fenómenos, en cuanto a música se refiere. Uno de los fenómenos más importantes ha sido, sin lugar a dudas, el mestizaje musical realizado a finales de los años 30 y a principios de los años 40, que determinó el surgimiento de una nueva cultura musical que habría de impactar a la ciudad que nunca duerme, al caribe y al mundo entero: El Latin Jazz.

Durante esos años, el predominio musical era de las grandes bandas de jazz de la época: Duke Ellington, Count Basie, Cab Calloway, por citar algunas. Sin embargo, otras serían las perspectivas que tomarían las bandas de aquel tiempo con la llegada del ritmo y el tambor afrocubano. De igual manera, los músicos intentaban obtener un nuevo vehículo de expresión que les permitiese desarrollar todo su potencial, y el público, factor fundamental, necesitaba nuevas formas musicales que captasen su atención.

Según nos cuenta la historia, existen dos responsables directos del nacimiento del Latin Jazz: Machito (Frank Grillo) y Mario Bauzá, quienes llegarían de La Habana cargados de ideas y con ganas de desarrollar todo su potencial musical en Nueva York. Machito participó como cantante con las Estrellas Habaneras y el Conjunto Siboney, mientras que Bauzá ejecutaba la trompeta en orquestas como las de Chick Webb y Cab Calloway. Los momentos cumbres del nacimiento del género estaban por venir. Previo a esto, habían existido algunos intentos de fusionar el jazz con lo latino, entre los que destacan el famoso “Spanish Tinge” de Jelly Roll Morton o el clásico “Caravan”, composición del trombonista Juan Tizol y Duke Ellington.

Para el año 1940 surge un momento importante en este proceso de mestizaje musical. Se trata de la formación de los Afrocubans por parte de Machito, contando con Mario Bauzá como director musical. Los Afrocubans fueron los encargados de iniciar todo este proceso de fusión de ritmos afrocubanos con las armonías del jazz estadounidense, permitiendo así la fusión de elementos culturales y sociales en la gran manzana. Para ello se contaba con la experiencia de Bauzá en el Jazz y los conocimientos de Machito sobre los ritmos afrocubanos, todo esto aunado a un talento incomparable y a la búsqueda de un nuevo sonido.

El golpe definitivo para el desarrollo de este movimiento musical resulta en la llegada a Nueva York del percusionista cubano Chano Pozo, quien llega a la orquesta de Dizzy Gillespie por sugerencia de Mario Bauzá. El ritmo intrincado y caliente que le imprimió Pozo a la orquesta de Gillespie permitió el nacimiento del Cu-Bop (Suerte de fusión entre el Be-Bop y la música cubana), lo cual se manifiesta en el tema Cubana Be Cubana Bop. El ritmo que Pozo le imprimía a sus interpretaciones y composiciones así como el coocimiento de una diversidad de ritmos y expresiones afrocubanas le permitió al naciente movimiento contar con un atractivo especial: El espectáculo del tambor llevado a los salones de baile. Por otra parte, Gillespie tomaría las sugerencias de Bauzá como punto de partida para desarrollar todo el espíritu y las formas que caracterizarían el nuevo género.

Sin embargo, existe un nombre que siempre ha sido el menos nombrado cuando hablamos del nacimiento del género. Se trata de Chico O’Farrill, el arreglista, director y compositor de grandes obras que dieron realce al género, quien entre tantas virtudes tuvo la visión de ver la Big Band como un gran instrumento, lo cual se aprecia en sus arreglos y composiciones llenas de colorido, matices y sabor. Eran los tiempos del mítico Palladium, el lugar de moda en Nueva York donde se dieron cita las orquestas más importantes del momento y las que, posteriormente, darían el complemento necesario al género. Allí sonaban los nombres de Tito Puente, Tito Rodríguez, Eddie Palmieri, el propio Machito, Chico O’Farrill, entre otros.

Todo esto significó la unión definitiva de las orquestaciones y armonías que caracterizan el jazz norteamericano con los ritmos y cadencias afrocubanas, formando así lo que hoy conocemos como Latin Jazz. Temas como Mambo Inn (Mario Bauzá), Manteca y Tin Tin Deo (Chano Pozo), The Azteca Suite (Chico O’Farrill), Sopa de Pichón (Machito y Los Afrocubans) son solo parte del repertorio que se haría clásico dentro del surgimiento del género. Con el transcurrir del tiempo, la historia tendría otros giros y se observaría cómo el Latin Jazz toma formas y pautas determinadas por ritmos y estilos de diversas partes de Latinoamérica, dándole la amplitud necesaria al género

Más allá de ser una nueva forma de expresión musical, debemos hablar de una nueva forma de expresión urbana, donde el latino podía aportar elementos importantes al movimiento musical y cultural gestado en la gran manzana, lo cual es un punto referencial sobre la evolución del jazz y la música de América y el caribe. Esto le permitió demostrar el valor de su existencia y de su herencia musical cultivada en muchos años. Además, presenta una rica raíz rítmica de alto calibre: El tambor, instrumento presente tanto en el jazz como en la música afrocaribeña.

Lo que comenzó como un proceso de mestizaje entre la música afrocubana y el jazz ha desembocado en la fusión de diversos ritmos afroamericanos con el jazz, produciéndose verdaderas joyas musicales que merecen ser mostradas en su justa proporción, de manera de presentarle al mundo el aporte cultural y la riqueza de los géneros que allí tienen cabida. En la actualidad, el jazz se da la mano con un tambor de San Millán o un joropo tuyero, camina al compás de un Tango argentino, acaricia las notas de un bossa nova, flirtea con los sonidos centroamericanos o danza armónicamente con una rumba columbia.

Todo esto nos demuestra el cruce de dos culturas musicales para originar nuevos sonidos que identifican, de alguna manera, el proceso de mestizaje llevado a cabo en América; el desarrollo de una nueva forma de hacer música y la evolución de un género que habría de recorrer el mundo por caminos infinitos. Así, contado de esta manera, es una historia del Latin Jazz.


Artículo publicado en la revista dominical Letra Inversa del diario Notitarde de Valencia, el día 14 de agosto de 2005