Entra en clave

Nueva casa

2009-05-04T18:22:00.002-04:30

No hemos decidido irnos, ni pensamos “dejar el pelero” a nuestras actividades que tienen que ver con la difusión de la música que nos gusta. Al contrario, ahora es cuando queda música por descubrir y compartir. Es por ello que para poder integrar buena parte del trabajo que hacemos en la red, y gracias a los buenos amigos de oyesto.com , nuestro blog “Entra en clave” hace convergencia con nuestro homónimo podcast, todo esto para tratar de ofrecer audio y texto en una sola página, de allí que estemos ubicados de ahora en adelante en la siguiente dirección:

http://oyesto.com/entraenclave

Agradecido por el apoyo. Los espero en nuestra nueva casa.
Seguimos en clave...

Nueva casa

2009-05-04T18:22:00.001-04:30

In memoriam - Manny Oquendo

2009-03-31T16:15:00.006-04:30

Manny Oquendo
(José Manuel Oquendo)
01ENE1931 - 25MAR2009

Siempre enmarcado en la clave, Manny Oquendo nos deja un legado importante en la ejecución del timbal y el bongó. Su sonido típico recibió influencias de timbaleros como Oreste Varona, Antolín Suárez, Ulpiano Díaz y Ramoncito Castro, entre otros. Oquendo tuvo el mérito suficiente para estar en el sitio reservado solo para los grandes. Pupi Campo, Tito Puente, Jose Curbelo, Tito Rodríguez, Eddie Palmieri, entre otros, pudieron contar con su base rítmica y conocimiento de la tradición musical afrocubana, aportando sabor, peso rítmico y solidez. Fundador y líder indiscutible de agrupaciones como el Grupo Folklórico Experimental Nuevayorkino y el mítico Conjunto Libre, Manny Oquendo fue un cultor del verdadero sonido de la salsa brava, denso, sin concesiones, lleno de sabor pero con la debida reverencia a la clave y a la tradición. Un grande que se va, cuya pérdida lamentamos aquellos que portamos la ciudadanía afrocaribeña.

Tepuy

2009-03-10T14:45:00.004-04:30

Sobre un tepuy la vista suele ser imponente, mágica, cargada de paisajes insospechados que solo tienen lugar desde la cima de uno de estos majestuosos componentes del macizo guayanés. Tal es la visión y su amplitud que permite observar más allá de lo meramente evidente, dejando espacio para que la imaginación haga contacto con el talento y la determinación a alcanzar cotas importantes dentro de cualquier camino artístico que se escoja, siendo la música el que siempre nos mantiene con los sentidos cautivos.

Tepuy es el nombre de la más reciente producción del maestro Gerry Weil, personaje importante y fundamental dentro del desarrollo musical venezolano, quien nos muestra un capítulo importante de su obra. Tepuy recoge buena parte de la amplia visión que el maestro Weil ha cosechado durante años en el cultivo del arte de hacer sonidos, trazando un camino donde diversas influencias musicales tienen punto común en el jazz, acogiendo tendencias provenientes desde múltiples puntos del globo terráqueo.

Desde la improvisación colectiva hasta los ritmos de las cosas venezolanas, desde un chorrinho brasilero hasta los recuerdos de su Austria natal, las influencias que Weil ha recibido han sido múltiples, importantes todas, las cuales se plasman en 12 temas con la maestría de quien hace música teniendo al corazón por encima de la razón. Para esta ocasión Weil - desde el piano acústico - se hace acompañar por el violinista austríaco Rudi Berger y los venezolanos Pablo Gil en el saxo tenor, Carlos “Nené” Quintero en la percusión, Roberto Koch en el contrabajo y Adolfo Herrera en la batería, quienes comprenden a la perfección el lenguaje del maestro y aportan una carga de sensibilidad, buen gusto y extraordinaria ejecución, logrando vestir cada uno de los temas con el traje adecuado con elegancia.

Este es un disco que se expresa por sí solo, mostrándonos la maestría de Gerry Weil frente al piano acústico, la vitalidad, creatividad y lirismo de sus composiciones, su amplio y determinado lenguaje musical y la forma de hacer música que trasciende en el tiempo, imponente, como la visión que puede tenerse desde la cima de un tepuy.

Uninhibited Realm

2009-01-21T18:18:00.001-04:30

El artista siempre está tras una búsqueda incesante para expresar sus ideas, tener un lenguaje claro y lograr su propio sonido, lo cual tiene como mérito supremo ser identificado por ello. Esto no sólo se logra a través del estudio - cosa fundamental - sino que requiere, además, de mucho trabajo diario y sostenido, de disciplina, de la infaltable cuota de talento, calidad, y de la creatividad necesaria para poder diferenciarse del resto. Por otra parte, el artista debe liberarse de una serie de inhibiciones y prejuicios que, a la larga, puede que afecten las ideas que el artista quiere expresar. En el caso de la música, todo esto se hace necesario si se quiere trascender y lograr que las creaciones tengan la vida suficiente para resistir al indetenible transcurrir del tiempo.

Toda esta suerte de introducción nos sirve como marco para compartir unas líneas sobre un trabajo realmente interesante titulado “Uninhibited Realm” segunda producción discográfica del pianista venezolano Carlos Cuevas. Para esta producción discográfica, Carlos Cuevas nos presenta unos 6 temas en formato de trío de jazz más un concierto en tres movimientos para trío de jazz y orquesta de cámara, todos compuestos y arreglados por el propio Cuevas, quien comparte las facetas de ejecutante, compositor y arreglista en la totalidad del disco.

El disco nos va llevando por la carta de navegación que Cuevas propone desde el inició del primer compás, donde una combinación de buen gusto, densidad y un altísimo nivel interpretativo son las coordenadas iniciales para emprender este viaje sonoro, con toda la fluidez requerida en trabajos de esta naturaleza.

En el piano, Cuevas demuestra solidez, soltura y un excelente sentido rítmico, con un dominio amplio del instrumento sin caer en exageraciones, ofreciendo altas dosis de sensibilidad y buen gusto para elaborar un discurso coherente y concreto. En relación a las cuerdas bajas, John Patitucci, indiscutible figura del jazz a nivel mundial, aporta una diversidad de colores y texturas, formas expresadas bien desde el contrabajo o del bajo eléctrico, siempre con la maestría a la cual nos tiene acostumbrados. Por su parte, Jimmy Branly se muestra exquisito en la ejecución de la batería, dándole a cada tema un tratamiento delicado y cálido.

“Uninhibited Realm” es un trabajo discográfico que nos muestra a un músico cargado de honestidad que mantiene una incesante búsqueda de nuevos caminos dentro de la música, con la maestría y la humildad necesaria que caracteriza a quienes, seguramente, disfrutarán de la trascendencia de su obra. Un disco que emociona, que agrada al oído y mantiene vivo al espíritu gracias a un lenguaje claro, concreto y sin inhibiciones. Excelente por Carlos Cuevas. Y que siga la música.

Personal
Carlos Cuevas: Piano.
John Patitucci: Contrabajo, bajo eléctrico.
Jimmy Branly: batería y cajón.

Track List:
1.- Saltaperico
2.- Lennon/McCartney
3.- The vicious A-B-C-Ircle
4.- Drill
5.- Procemium
6.- ¿Ya comiste?

Concerto for Jazz Trio & Chamber Orchestra in Eb minor
7.- Movement I - Accuse
8.- Movement II - Adagietto
9.- Movement III - Abandonment

Día del músico

2008-11-22T00:04:00.000-04:30

Un oficio que nos permite saber de qué estamos hechos, que nos permite explorar lo más intimo del alma, que nos da la posibilidad de elaborar un discurso hecho a base de sonidos y silencios, mostrando toda la sensibilidad que puede expresarse a través de un instrumento. Un oficio que se disfruta a más no poder. A todos los que compartimos el oficio musical, mil felicidades

Recibiendo el testigo

2008-09-24T16:48:00.001-04:30

Todo lo hacían aquellas manos que incansablemente se posaban sobre las teclas blancas y negras, transmitiendo aquel mensaje en su muy particular código, flotando entre galopes de brisa, fluyendo de la vieja chistera, energía que me permitiría conocer diversos horizontes. De aquel viejo piano Sauter surgían las mágicas notas que José Natalio solía interpretar, notas que servirían para formar parte de las estrellas que serían guías por diversidad de horizontes. Con cada acorde, con cada contrapunto, con cada descarga, aparecían desenfadadas las señales que definirían inimaginables rutas, sorprendentes y maravillosos sonidos hechos caminos que se atesoraban en aquel cúmulo de células hechas humanidad, esa misma humanidad que siempre usó trajes hechos con fusas y claves de sol, con hilos de séptimas y novenas, con puntillos y silencios bordados.

Una tras otra, las historias no dejaban de aparecer asomadas entre cada una de las teclas, relatos que se iban escribiendo en aquel invisible cuaderno, cuyas interminables hojas hoy siguen siendo un punto de referencia, siempre teniendo como protagonista la figura del flaco de oro, Agustín Lara, pluma y sonido jarocho que acompañó tantos amores e historias. Todo esto tuvo como escenario aquel viejo piano Sauter, donde la mano izquierda de José Natalio se manejaba cual espadachín en su combate final, con destreza, con sutilezas y cadencias caribeñas, y su mano derecha era pura precisión y contundencia, liberadora de acordes complejos y de finas melodías, tallando en cada tecla sus particulares historias.

La sensibilidad se abría paso a partir de aquellos encuentros cargados de sonidos e historias, donde las voces de Pedro Vargas, Toña La Negra y Juan Arvizu eran frecuentes invitadas a aquellas tertulias donde se fue formando todo. Sin embargo, aquellos encuentros en la casa del abuelo tenían, también, sus matices venezolanos. Antonio Lauro, Antonio Carrillo, Pablo Canela y Laudelino Mejías, entre otros, surgían como referencias obligadas en los paisajes que José Natalio dibujaba en su piano Por allí comenzaba la cosa.

Con el pasar del tiempo, las referencias iban apareciendo desde diversos rincones del planeta, vía Lorenzo, el viejo, cuyos gustos variopintos iban desde las rancheras más conocidas hasta los boleros de Tito Rodríguez. Puente, por su parte, vendría después. Todo aquello representó – y lo sigue haciendo – un fabuloso matraz donde diversos sonidos se fueron mezclando de manera homogénea, lentamente, al calor del sol del trópico, cocido en agua de coco , permitiendo que cada uno de ellos pudiese existir sin estorbarle al otro, en perfecta coexistencia. Ritmos que tenían boleto de llegada se fueron haciendo presentes, mostrándose en su total esplendor, derramando secretos y sabores que vinieron a darle ese toque especial, ese secreto del chef, la maña que hacía falta.

De esas incansables manos que acariciaban teclas blancas y negras generosamente recibí la batuta en forma de testigo, para seguir en este incansable viaje, en esta suerte de descubrimiento de distintas sonoridades que cada vez arrullan mis oídos, que cada vez me invitan a seguir viajando sin necesidad de pasaporte o visa, donde las etiquetas se dejan atrás, señal inequívoca de la universalidad de los sonidos. Todo gracias a José Natalio, y al viejo piano Sauter.

Suka jazz en Valencia (La Reseña)

2008-09-23T15:42:00.009-04:30

Suka Jazz en directo... desde Valencia

El ambiente lucía inmejorable, todos - o casi todos - los que tenían que estar ya estaban o bien sentados o bien parados, igual daba para disfrutar de una noche de jazz que prometía, y mucho. Los protagonistas o, mejor dicho, los que revelan a la protagonista, la música, ya estaban en posición de empezar a dibujar sonidos con la complicidad del aire, del tañer de las cuerdas o con el golpeteo incesante de las baquetas sobre los tambores y platillos.

Pablo Gil

Con el vuelo de las primeras notas, Pablo Gil nos presentaba su producción más reciente titulada Suka - Jazz en directo, donde se pretendía mostrar el ambiente creado en Caracas, lugar donde se hizo esta grabación en directo. Sin embargo, esta vez el lugar escogido para abrirle el camino a la expresividad, al virtuosismo, talento y sensibilidad no era precisamente Suka, sino el ya mítico Oh Que Bueno!, sitio tradicional de la ciudad de Valencia, ciudad capital del estado Carabobo, en Venezuela, suerte de refugio donde el jazz, así como iotras expresiones musicales, ha conseguido espacio seguro desde hace algunos años.

Roberto Koch

La energía emanada de la fibra de cada músico iba tomando el espacio, y la música surgía imponente, altiva, densa y mágica para confundirse entre el numeroso público que se dio cita, y toda la energía fue posible gracias a la química entre músicos y público, razón suficiente para alcanzar alturas jamás logradas.

Carmelo Medina

Muchas virtudes musicales surgieron de parte de los encargados de levantar el vuelo. Uno a uno, así como en conjunto, mostraron sus habilidades y todo lo que pueden entregar cuando de hacer buena música se trata. Pablo Gil ofreciendo aire destilado en alambiques de alto volumen, con notas vaporizadas que subían como luces y hacían que esta suerte de mezcla de jazz, funk y rock emergiera con vida propia. Andrés Briceño insuperable, siempre con la humildad que lo caracteriza, nos dio buenos visos de lo que un baterista debe ser: enérgico, creativo, impecablemente lleno de todo un virtuosismo mantenido en años al frente de unos tambores. Carmelo Medina, el del patio, lució sus mejores galas como guitarrista, siempre en su nivel - alto y sólido - como uno de los mejores exponentes de las seis cuerdas en nuestro país. Roberto Koch, luces aparte, aporta la seguridad, destreza, maestría y mucha elegancia al momento de pulsar las cuerdas de su contrabajo eléctrico, poniendo en evidencia el por qué es solicitado para muchos de los trabajos musicales en el país.

Andrés Briceño

Una noche irrepetible, con muchas luces provenientes de la unión del jazz, funk y rock brindado por 4 excelentes músicos que entregaron lo mejor de sí, amalgamados, como una sola unidad, pero sin perder el sentido que solo el jazz dispone. Bravo por ellos. Que se repita

Baroko

2008-09-04T23:28:00.002-04:30

La música siempre será un vehículo para lograr que diversas ideas puedan hacer vida común, de manera que logren esa coexistencia necesaria entre distintas corrientes musicales y obtener nuevas rutas sonoras. Es por ello que, un 03 de septiembre de 1993, Luis Peña, Efrén Sevilla y Miguel Petrucelli hayan coincidido en ideas y en el cultivo de sonidos y silencios para fundar Baroko, una de las agrupaciones de dilatada trayectoria dentro de la órbita musical de Valencia, Venezuela.

Para celebrar su décimo quinto aniversario, Baroko ofreció un concierto en el Centro Cultural Eladio Alemán Sucre de la ciudad de Valencia, Venezuela, donde nos mostraron las razones por las cuales se han mantenido como una de las agrupaciones de jazz de mayor nivel de nuestra región, con un repertorio que abarca temas del cancionero popular venezolano así como composiciones originales de la banda, donde el jazz se presenta como protagonista principal, el cual se acompaña de elementos de la geografía sonora de Venezuela y de otras regiones del mundo. Una vez más, la creatividad, el talento y el alto nivel de los músicos de Baroko se evidenció con cada una de las interpretaciones que se dejaron escuchar en una noche de celebración por la música.

En esta ocasión, Baroko estuvo conformado por Oswaldo Flores en la guitarra eléctrica, ofreciendo solos cargados de energía, emotividad y complejidad, lo cual le ha colocado en un privilegiado nivel entre los ejecutantes de las seis cuerdas en nuestro país. Reinaldo Fernández - pianista de categoría - nos entregó ejecuciones llenas de destreza, elegancia y muy buen gusto, como ha sido su característica. Detrás de los tambores y platillos, Frank Polo, versátil baterista de dilatada formación en el campo de la música académica, aportó los ritmos con la solidez requerida en estos casos. Finalmente, Miguel Petrucelli hizo propias las notas oscuras del bajo, proporcionando el peso necesario para completar el mapa de sonidos planteado para un momento como este. la sorpresa de la noche estuvo a cargo del cantante venezolano Gilberto Ojeda, quien hizo las vocalización de los temas venezolanos con un alto nivel de ejecución que arrancó los aplausos del respetable público que presenció el concierto.

Un concierto que nos dejó un grato sabor y una experiencia de ricas sonoridades planteadas por una banda que, teniendo el jazz como punto de partida, ha logrado alcanzar altas cotas con su propuesta original, de cuidadosa elaboración y con altas dosis de emotividad. Bravo por Baroko, y que sigan adelante en ese camino planteado, donde la música continuará siendo un factor para unir voluntades y talentos.

El tercero

2008-08-26T14:09:00.003-04:30

Para que exista un tercero, necesariamente primero y segundo deben existir. Dentro de la jerga cotidiana, se dice que el tercero cuesta más que el segundo en circunstancias naturales, obviamente, aunque hoy día la ciencia es capaz de resolver muchas cosas. Puede decirse que piano, contrabajo y batería componen la dotación del clásico trío jazzístico. Y si vamos al terreno salsero, timbal, conga y bongó conforman la trilogía del ritmo, del afinque y la descarga. En todo caso, estoy hablando del tercero, apenas una triada de años tratando de poner en palabras los sonidos que me van acompañando, aquellos que no suelen desaparecer sino que han decidido alojarse en medio de mis neuronas y dendritas, los sonidos en los cuales creo ciegamente.

A todas y todos, muchas gracias. Todavía quedan muchos sonidos listos para ser descubiertos.

No se diga más, que la música aun tiene el derecho de palabra.

¡Saravá!

Gilberto Gil renuncia al Ministerio de Cultura de Brasil

2008-08-01T11:14:00.004-04:30

Foto cortesía del sitio oficial de Gilberto Gil

La agencia de noticias AFP reseña la renuncia de Gilberto Gil al Ministerio de Cultura de Brasil . La gestión de Gil frente al ministerio siempre estuvo combinada con su actividad artística, sin embargo, tras seis años al frente del ministerio, Gil decide volver a dedicarse completamente a su carrera musical. A continuación la nota de AFP

El Gobierno brasileño pierde su cara 'pop' al dimitir Gilberto Gil

RIO DE JANEIRO (AFP) — El popular cantante brasileño Gilberto Gil, que renunció el miércoles al cargo de ministro de Cultura, le dio una fuerte dimensión a su cartera pese a que en sus seis años de gestión contó con un reducido presupuesto.

El músico de 66 años anunció su dimisión tras una reunión con el presidente de Brasil, Luiz Inacio Lula da Silva, sin ocultar que sus obligaciones de gobierno lo hacían sentirse "asfixiado" como artista.

Gil, que asumió el cargo el 1 de enero de 2003, será sustituido por Juca Ferreira, de 59 años, miembro del Partido Verde al igual que el propio Gil.

"Sentía la enorme presión de que se amontonaban mis actividades artísticas", declaró Gil, quien ya antes había pedido dos veces a Lula abandonar el cargo, pero el mandatario había logrado disuadirlo.

La popularidad de Gil, con más de 40 años de discos en cuatro décadas de carrera, y su aspecto 'pop' con cabellos rasta o coleta, le dieron al ministro de Cultura una visibilidad "como jamás la tuvo en 20 años", según analistas. Estos también señalan que fuera de Brasil era una de las personalidades más notorias del gobierno de Lula.

Como ministro "se esforzó por darle un mayor dinamismo a la política popular", según Cicero Sandroni, de la Academia de Letras, a pesar de sentir "frustración" por no conseguir un "presupuesto más generoso".

Este año, el ministerio de Cultura recibirá 427 millones de dólares que equivalen al 0,6% del presupuesto general de la Unión y está por debajo del 1% recomendado por la Unesco. Varios robos en museos evidenciaron, por ejemplo, la falta de dinero para la seguridad de los acervos.

Las grandes victorias de Gil fueron las de "democratizar la cultura" al crear centros en favelas y reservas indígenas y definir criterios a ser adoptados por las empresas públicas para auspiciar proyectos culturales, evitando la politización en la asignación de esos fondos.

"Creó una línea cultural moderna, ligada a la cultura popular. Es la cultura 'ciberpopular'", declaró el dramaturgo José Celso Martinez.

Gilberto Gil recibía críticas por seguir actuando en conciertos siendo ministro pero señalaba que eso no le "preocupaba mucho" porque sostenía que existe una "sinergia" entre ambas actividades.

En 2005, la Comisión de Ética del Gobierno le sugirió solo ofrecer entrevistas o presentarse en conciertos fuera de su horario de trabajo a fin de evitar conflictos de intereses entre sus funciones oficiales y artísticas.

Gil estimó que dedicó el 80% de su tiempo al ministerio y el resto a sus actividades artísticas.

"La balanza tendía a inclinarse más hacia el lado artístico y entonces decidí partir", dijo Gil, que próximamente iniciará su gira 'Banda ancha', nombre de su último disco.

Gilberto Gil nació en 1942, en el nordestino Estado de Bahia, cuna de símbolos de la música popular brasileña como Joao Gilberto, pionero de la 'bossa nova', Caetano Veloso, Maria Bethania y Gal Costa.

Con Caetano Veloso lideró en los años 60 el movimiento cultural 'tropicalista' y ambos fueron presos por la dictadura en 1968 antes de marchar al exilio en Gran Bretaña al año siguiente.

Festival de Jazz de Maracay 2008

2008-07-02T14:22:00.001-04:30

Una oportunidad para disfrutar de lo más selecto del jazz hecho en Venezuela. En Maracay es la cosa, homenajeando al maestro Santiago Baquedano. Allá nos vemos.

Esbjörn Svensson - In memoriam

2008-06-18T14:34:00.004-04:30

Imagen cortesía de wikimedia

Esbjörn Svensson
(Bror Fredrik Esbjörn Svensson)
16 de abril de 1964, Skultuna, Suecia - 14 de junio de 2008, Estocolmo, Suecia

Su estilo de tocar y componer lo llevaron a ser considerado entre los renovadores del jazz europeo, logrando integrar diversidad de géneros musicales dentro de una misma corriente, lo cual le ayudó a derribar algunas barreras que permitiesen un acercamiento del público joven hacia el jazz. Gracias a su sobresaliente trabajo con Esbjörn Svensson Trio (EST), se hizo merecedor de galardones como el European Jazz Award y el Jazz Award de la BBC. Tempranamente, Esbjörn Svensson parte hacia otros rumbos de manera inesperada, dejando un mensaje claro, sin complejos, demostrando que la música sigue siendo un factor de unión, de innovación y de creación.

Festival de jazz de la UC - Quinta parte (al fin todas las reseñas)

2008-05-05T23:25:00.010-04:30

Sàbado 26 de Abril de 2008

Hugo Fuguet

Hugo Fuguet

Talento, mucha energía, virtuosismo, entrega y buena vibra sirvieron de carta de presentación del guitarrista venezolano Hugo Fuguet, a quien le correspondió el cierre del VIII festival de Jazz de la Universidad de Carabobo. Con una propuesta enmarcada dentro del jazz-fusión, Hugo Fuguet demostró, una vez más, las razones por la que es considerando uno de los guitarristas de mayor nivel de nuestro país, lo cual quedó evidenciado en un concierto enérgico, con la intensidad requerida para este tipo de expresión auditiva.

Adolfo Herrera

El dominio del instrumento quedó palpado en un repertorio compuesto por los temas pertenecientes a su primera producción titulada “Desde tan lejos” así como de otras composiciones que estarán incluidas en su próximo trabajo discográfico, donde Fuguet nos habla - guitarra mediante - con un lenguaje propio, con mucha personalidad, fuerza y dinamismo.

Carlos Sanoja

Hugo Fuguet contó con el respaldo de una banda de altos kilates conformada por Hildemaro Alvarez en los teclados, quien estuvo a su antojo, sólido. El siempre sorprendente Adolfo Herrera estuvo en la batería, aportando fuerza, destreza y mucho sentido rítmico para esta propuesta. La responsabilidad de las cuerdas bajas estuvo a cargo de Carlos Sanoja, regalando pasajes sobrios y elegantes que salían de su bajo eléctrico.

Hildemaro Alvarez

El público que se dió cita en el Centro Cultural Eladio Alemán Sucre disfrutó de un concierto vibrante, cargado de energía, virtuosismo y mucho dinamismo. Un cierre merecido para un festival de jazz que sigue en franco crecimiento. Bravo por Hugo Fuguet y su banda.

Festival de jazz de la UC - Cuarta parte

2008-05-03T11:36:00.006-04:30

Viernes 25 de Abril de 2008

Carlos Rodríguez y su Jazz Tra Tra

La música, y en especial el jazz, es un vehículo que permite que puedan agruparse diversos géneros y tendencias en una sola propuesta, obteniendo como resultados caminos sonoros infinitos, abriendo las posibilidades para que el horizonte se muestre amplio en toda su riqueza y esplendor. Así las cosas, la propuesta de Carlos Rodríguez y su Jazz Tra Tra nos brindó suficientes elementos conjugados desde su perspectiva musical, donde el jazz y la música venezolana hacen una suerte de simbiosis capaz de abrir nuevas rutas dentro de las artes auditivas.

Carlos Rodríguez y su Jazz Tra Tra

Carlos Rodríguez nos presentó parte de lo que será su próxima producción como líder de agrupación, mostrando todo el dominio de las cuerdas bajas tanto el contrabajo acústico como el bajo eléctrico, reafirmando la dimensión que ha alcanzado a través del tiempo, lo cual le ha permitido tocar con grandes músicos de la talla de Gerry Weil, Soledad Bravo, Gonzalo Micó, Alberto Naranjo, Saúl Vera y Ofelia del Rosal, entre otros.

Carlos Rodríguez

Para esta ocasión, Carlos Rodríguez se hizo acompañar por Hildemaro Alvarez en los teclados, siempre solvente y creativo, derrochando buen gusto y talento. La batería estuvo a cargo del siempre enérgico Miguel Hernández, versátil baterista que aporta solidez en los ritmos y un profundo conocimiento de los patrones rítmicos afrovenezolanos. Julio Andrade estuvo soplando los saxos soprano y tenor, moldeando el aire en cada una de sus ejecuciones. Finalmente, no podía faltar la presencia del cuatro, el cual fue responsabilidad de Carlos Pineda, quien con un alto nivel técnico en nuestro instrumento nacional completó la agrupación. Como sorpresa de la noche estuvo como invitada la cantante Emi Herrera, quien desplegó su talento vocal en par de temas para deleite del público presente.

Emi Herrera

Matices venezolanos, jazz, sensibilidad y entrega fueron algunos de los regalos que nos brindó Carlos Rodríguez y su jazz Tra Tra, en un concierto que nos demostró, una vez más, el gran nivel vivido a lo largo del VIII Festival de Jazz de la Universidad de Carabobo.

Festival de jazz de la UC - tercera parte

2008-05-01T15:17:00.003-04:30

Jueves 24 de abril de 2008

Big Band Jazz de la Banda de conciertos del estado Lara “Maestro Antonio Carrillo”

Big band Jazz

Siempre da gusto escuchar a una big band, sobre todo cuando proviene de una de las bandas de mayor tradición, renombre y antigüedad del país como lo es la banda de conciertos del estado Lara “Maestro Antonio Carrillo”. Lo presenciado por quienes tuvimos la oportunidad de asistir al concierto fue un bálsamo de excelentes arreglos, solidez en sus líneas de instrumentos y una gran dosis emotiva que cada uno de los músicos mostró a lo largo de su actuación, lo cual contagió al público que de dio cita en el Centr Cultural Eladio Alemán Sucre.

La Big Band Jazz nos paseó por un repertorio variado, donde su sonido limpio y lleno de vida dibujó cada una de las historias hechas sonidos, buscando ofrecer esa sonoridad que es capaz de describirnos diversas formas y colores, alcanzando niveles de emotividad importantes, dignos representantes del estado musical de Venezuela. Es preciso destacar que la Big Band jazz estuvo dirigida por el maestro Edgar Rodríguez, quien realizó solos cargados de buen gusto en el saxo alto con un alto dominio técnico y la sensibilidad requerida cuando de jazz se trata. Temas mundialmente conocidos como Cabalo viejo, On the mood o Chica de Ipanema, entre otros, formaron parte del repertorio ejecutado por la Big Band Jazz, así como los temas Disco lover y Working blue, pertenecientes al maestro Antonio Giménez, quien desde el piano acompañó éste último cuando al público solicitó un tema más al finalizar el show.

Un concierto rico, cargado de toda la sonoridad que una big band puede ofrecer, con músicos de alto nivel capaces de enfrentar con solvencia los arreglos más complejos, digno de un festival de jazz. Que se repita.

Festival de Jazz de la UC - Segunda parte

2008-04-25T16:49:00.011-04:30

MIERCOLES 24 DE ABRIL DE 2008

Carmelo Medina Jazz Trío

Carmelo Medina Jazz Trío

Carmelo Medina, virtuoso guitarrista de amplia trayectoria, dueño de un lenguaje propio y siempre en la búsqueda de nuevos caminos dentro del jazz, nos ofreció un concierto con temas de su primera producción discográfica llamada “Horizontes” así como de su próxima grabación, la cual saldrá a la venta este año, donde el jazz, funk, rock y la música venezolana hacen cita para reunirse y aportar sus matices a favor de un registro sonoro de altos kilates.

Carmelo Medina

En esta ocasión presenciamos uno de los tríos de mayor poder y vértigo que hemos escuchado, con mucho virtuosismo y derroche de energía, producto del talento de tres músicos que comparten un alto nivel de ejecución, complicidad, originalidad, entrega y mucha energía, en quienes convergen diversos elementos que se hacen un bloque sólido capaz de servir de base para el tren arrollador de la agrupación.

Humberto Casanova

Carmelo Medina es un músico que siempre sorprende por la cantidad de ideas que genera a través de las cuerdas de su guitarra, por un elevado nivel técnico y por su capacidad de asimilar influencia de músicos de la talla de Frank Gambale, Scott Henderson, John Scofield o Mike Stern, por citar solo algunos. En esta ocasión, el trío estuvo conformado por el vertiginoso Rafael Querales en el bajo y el poderío bélico de Humberto Casanova en la batería, quienes aportaron suficientes elementos sonoros para que el trío tuviese la solidez necesaria y requerida en este tipo de eventos, haciendo que el jazz se presentase sin pudores ni complejos, mostrándose con su mejor cara.

Rafael Querales

La nota sorpresiva de la noche fue la invitación que Carmelo Medina hiciera a Leonard Jácome, joven arpista de dilatada trayectoria – para más señas, arpista de Reynaldo Armas - quien acompañó al trío en par de temas y lució enorme en cada uno de los solos que le tocó realizar.

Carmelo Medina Jazz trío y su invitado Leonard Jacome en el arpa

Bravo por Carmelo Jazz Trío y todo el despliegue de talento, virtuosismo y originalidad que nos obsequiaron. Que se repita.

Festival de Jazz de la UC - Primera parte

2008-04-25T13:12:00.006-04:30

Cada festival tiene sus particularidades, relatos que se irán escribiendo con notas y silencios a medida que los hechos transcurran, más si se trata de un festival donde el jazz tiene el rol protagónico.

Nada como el jazz para lo irrepetible, para aquellas historias que se escribirán sobre la marcha, aquellas que hacen vida sobre los compases del reloj

Así las cosas, hemos asistido a los eventos principales, ya que por razones de tiempo y de trabajo no hemos podido estar en las actividades que se han llevado a cabo en las facultades y dependencias de la Universidad de Carabobo.

En resumen, esto es lo que hemos visto hasta la fecha.

DOMINGO 21 DE ABRIL DE 2008
UC Jazz y la Orquesta de Cámara de la Universidad de Carabobo.

UC Jazz y la Orquesta de Cámara de la Universidad de Carabobo

El talento de dos agrupaciones pertenecientes a la Universidad de Carabobo se reunió para dar el inicio oficial al VIII festival de Jazz de nuestra Alma Mater. Con arreglos bien interesantes, donde se intentó mezclar la sobriedad de una orquesta de cámara con lo expresivo de una agrupación de jazz. Bien por ambas agrupaciones, quienes entregaron lo mejor de sí para ofrecernos un repertorio de calidad y buen gusto. Mención aparte para la mezzosoprano Nilda López, quien nos regaló un repertorio de temas cargados de sensibilidad y calidad interpretativa, mostrando como el jazz puede trasladarse hasta otros territorios sin peligro alguno.

MARTES 23 DE ABRIL DE 2008
María Elena Millán

María Elena Millán

Su voz se ha curtido de diversas expresiones musicales que la han nutrido. Pop, rock, brasil y jazz han sido ingredientes fundamentales que se han mostrado a lo largo de su carrera, pero el jazz siempre ha tenido un lugar especial para ofrecerse en la belleza y versatilidad de su voz, la cual manejó de manera exquisita en medio de un repertorio exigente, cargado de arreglos muy bien logrados y una ejecución limpia, destacada. Así, con propiedad y mucha calidad interpretativa, María Elena Millán nos dio una recorrida por la música que le gusta, esa que disfruta y saborea lentamente, como un buen vino, disfrute compartido por un público que se entregó sin problemas a los brazos del jazz.

La banda

María Elena Millán se acompañó de una banda de músicos carabobeños conformada por el descollante Rafael Querales en el bajo y dirección musical, siempre sólido y deslumbrante, considerado hoy por hoy uno de los grandes bajistas del país. De la guitarra electrica se encargó Oswaldo Flores, ofreciendo notas y solos muy firmes, con personalidad y estilo, demostrando el por qué pertenece a ese grupo de guitarristas privilegiados de nuestra ciudad. En el piano estuvo Reinaldo Fernandez, a quien siempre he considerado un pianista de excepción, con muchos recursos y creatividad para aportar ideas desde las teclas. Como baterista Gerardo Urriera nos demostró lo técnico y sorprendente que es colocando los ritmos en su justa proporción, con ideas claras y determinantes.

Como siempre, María Elena Millán superó el pronóstico con un concierto muy bien llevado, emotivo y lleno de los matices que el jazz siempre regala.

VIII Festival de jazz de la Universidad de Carabobo

2008-04-16T11:26:00.004-04:30

Desde el año 2000, la Universidad de Carabobo, a través de su Dirección de Cultura, nos brinda el Festival de Jazz, donde hemos apreciado el talento regional y nacional en esta manifestación auditiva. Para este año, el programa se ha extendido, ofreciendo conciertos y clínicas, de manera de elevar el aporte cultural que se persigue con la realización de este evento.

Para este año, se contará con la presencia de importantes músicos venezolanos entre os que destacan Franco Nasi, Carmelo Medina, Hugo Fuguet, Carlos Rodríguez, María Elena Millán y Omar López, enre otros.

Como de costumbre, el programa central se desarrollará en el Centro Cultural Eladio Alemán Sucre (CCEAS).

La entrada para cada uno de esto eventos es gratuita. Nos vemos en el festival.

El programa completo a continuación:

8vo. Festival de Jazz de la UC
Abril de 2008 – Valencia

Domingo 20
UC Jazz con la Orquesta de Cámara de la UC
11:00 a.m. Teatro Dr. Alfredo Celis Pérez

Lunes 21
Clínica, Armonía y Composición de Jazz. Franco Nasi.
3:00 a 6:00 p.m. Sala Alternativa CCEAS

Concierto Po Va Sham
4:00 p.m. La Remolacha (Bárbula)

Martes 22
Clínica, Armonía y Composición de Jazz. Franco Nasi.
3:00 a 6:00 p.m. Sala Alternativa CCEAS

Concierto pedagóogico. Omar López Trío.
4:00 p.m. Casa Comunal Vvnda Rural

Joangela & Jazz Quartet4:00 p.m.
Bulevar de La Facultad de Ingeniería UC

María Elena Millán
7:30 p.m. CCEAS

Miércoles 23
Concierto pedagógico. UC Jazz
11:00 a.m. Biblioteca FACE

Mr. Jazz
4:00 p.m. Auditorio de FACES

Latin String Quartet
4:00 p.m. Espacios abiertos Facultad Ciencias de la Salud

Carmelo Medina Jazz Trío: Carmelo Medina (Guitarra) Rafael Querales (Bajo) y Humberto Casanova (Batería)
7:30 p.m. CCEAS

Jueves 24
Concierto pedagógico.UC Jazz
11:00 a.m. Sala Magistral FCPJ (Derecho) UC

Big Band Banda Sinfónica 24 de Junio
4:00 p.m. Auditorio FACE

Baroko
4:00 p.m.Campus La Morita - Maracay

Big Band Banda Sinfónica Barquisimeto
7:30 p.m.CCEAS

Viernes 25
Concierto pedagógico. UC Jazz
11:00 a.m. Biblioteca de Ingeniería

Latin String Quartet
11:00 a.m.Pabellón de Odontología

Carlos Rodríguez Cuarteto.
7:30 p.m. CCEAS

Sábado 26

Hugo Fuguet (Guitarra) acompañado por Adolfo Herrera (Batería), Hildemaro Alvarez (Piano) y Rodner Padilla (Bajo)
7:30 p.m. CCEAS

Sobre tocar

2008-04-15T14:07:00.005-04:30

Antes que nada, toco para mí. Si hay gente que viene a escucharme, mejor

Miles Davis, 1971

¡Cúrate!

2008-04-04T14:36:00.003-04:30

El tambor guarda secretos, historias ancestrales que han viajado de generación en generación y se han alojado en las manos de quienes logran rendir culto a toda esa amalgama de relatos y culturas, las cuales hacen vida entre madera y cueros. Mediante el tambor hemos logrado comunicarnos, construir ritmos y hasta ha servido como elemento importante para alejar muchos de nuestros males. Razones como estas son las que el maestro Orlando Poleo nos ha dibujado, tambor mediante, en su producción ¡Cúrate! grabada en el año 2007.

A diferencia de sus anteriores producciones como Cimarroneando, El Buen Camino o Lo bueno de la vida, ¡Cúrate! es un disco totalmente enmarcado dentro de la salsa, bailable una y otra vez, aunque también se puede apreciar el encuentro de los ritmos del caribe con el jazz y otras expresiones urbanas, sintiendo el aporte que Poleo le imprime al frente de sus congas, aporte que se ha nutrido de sus estudios de los ritmos afrocaribeños que han tenido su origen en Cuba, Puerto Rico y Venezuela, y que Poleo ha ido desarrollando y combinando entre sí, junto a matices provenientes del jazz y sus alrededores, logrando un sonido particularmente sólido, sin grietas ni falsas costuras. Un sonido que habla que el caribe es uno solo, poderoso y mágico, donde se cocinan diversos sabores al calor del sol que todos compartimos.

Con un repertorio de diez temas, ¡Cúrate! es de esos trabajos discográficos que derrocha arreglos cargados de buen gusto, sabrosura en la hechura y vestimenta de cada tema y todo el ritmo del cual Poleo se ha alimentado a través del tiempo, demostrando una vez más que el sitial que ocupa dentro de la música se lo ha ganado a punta de esfuerzo, talento y estudio de la percusión afrocaribeña. Destaca el trabajo de su orquesta Chaworó –todo un camión cargado de sabor y afinque, como decimos en el medio salsoso – así como de tres invitados de lujo que le ponen una nota especial al asunto. Ellos son Oscar D’León, quien sonea con autoridad en el tema On n’a qu’une vie, y los cubanos José Luis Quintana “Changuito” y Horacio “El Negro” Hernandez en el tema Aquí están donde derrochan clase y maestría en el arte de ponerle vida al timbal y a la batería, respectivamente.

Poleo nos invita a guarachar con su maestría en las tumbadoras, a curarnos los males con el tambor y a seguir echando un pie sin complejo alguno con un disco que reúne el sabor de la salsa brava y el peso de una orquesta que navega sin problemas por aguas del caribe.

CRÉDITOS
Orlando Poleo: Tumbadoras
Philippe Slominski: Trompeta
Allen Hoist: Saxofon Alto
Pablo Gil: Saxofon Tenor
Sebastian Jimenez: Bajo
Gerardo Di Giusto: Piano
Simon Ville: Timbales
Luis Viloria: Bongo
Benigno Medina: Bata
Carlos Esposito “Kutimba”: Vocales Lider & Güiro
Cheo Linares: Vocales

TRACK LIST
1.- Aqui Están
2.- On N´a Qu´une Vie
3.- Nació Salsero
4.- Arriba Mi Montuno
5.- La Clave y El Bongó
6.- Orlian
7.- ¡Cúrate!
8.- Soy de Venezuela
9.- Niños de la Calle
10 - Hemisferio Musical

Cachao - In memoriam

2008-03-22T22:37:00.005-04:30

Cachao
Israel López
(La Habana, Cuba, 14SEP1918 - Coral Gables, Miami, Estados Unidos, 22MAR 2008)

Su incuestionable aporte en la música siempre será recordado. Desde su contrabajo emergían las notas cargadas de ritmo y sazón cubana con las cuales se hizo de un merecido espacio dentro del mundo musical. Igualmente lideró las famosas descargas cubanas inmortalizadas en grabaciones que forman parte de nuestro acervo musical afrocaribeño, quizás su aporte más visible. Sin embargo, junto a su hermano Orestes López escribieron más de 3000 danzones y crearon el “nuevo ritmo”, pilar fundamental de lo que hoy conocemos como mambo. Un grande de la música que emprende el viaje hacia nuevos territorios para formar la descarga.

Como su ritmo no hay dos, ni habrá.

Una noche de descargas

2008-03-17T15:40:00.002-04:30

Descargando junto a Nelson Arrieta (Bongó) y Gerardo Rosales (Compact conga)

Una noche de descargas es irrepetible. Nunca va a ser igual otra, por más que intentemos calcar el ambiente de una anterior, colocar las mesas en el mismo sitio o llamar a los mismos músicos, incluso aunque se trate de tocar el mismo repertorio usando las mismas partituras que ya habían sido usadas con antelación. Una noche de descargas de jazz siempre es una sorpresa por recibir, un regalo nuevo que llega a nuestras manos, y que tenemos que abrir y disfrutar, que tenemos que descifrar mediante los códigos establecidos – o no – para tal efecto, sobre todo cuando a uno le toca ser protagonista sobre la tarima de todo este acto maravilloso de crear música al instante, hecha con hilos provenientes del mundo interno de cada constructor de sonidos.

Una noche de descargas es como una puerta que apenas se abre, y por ese espacio estrecho se dejan colar los aromas seductores que lo van llevando a uno a querer cruzarla, a indagar sobre lo que vive refugiándose detrás de ella, aguardando a que nos acerquemos a esas invisibles formas de derramar expresividad que nos permiten elevarnos y estructurar mensajes cargados de emotividad, rociando cada nota emitida cual fina llovizna que elabora reflejos en el ambiente.

Una noche de descargas no es para dirimir quien echa más o si alguno es mejor o peor que otro. Una noche de descargas es un punto de partida para explorar usando solamente una brújula o un sextante, instrumentos necesarios para orientarse en la navegación por las rutas que se pueden trazar, mientras que en el caso de los sonidos, cada cual indicará las rutas a través de su instrumento. Cada uno habla, instrumento mediante, y elabora su discurso, unos más breves que otros, pero siempre teniendo algo que decir, buscando expresar sensaciones que emergen con fuerza propia, sembrando ideas en cada espacio.

Una noche de descargas es única, poseedora de una historia propia.

Podcast - Entra en clave - Episodio 2

2008-02-09T11:15:00.000-04:30

Gracias a los buenos amigos de oyesto.com tenemos nueva casa para alojar nuestro podcast. Antes de hablarles de que va el podcast de esta semana, quisiera agradecer a quienes han reseñado el trabajo que estamos comenzando a hacer en este formato, me refiero al buen amigo Jorge Gómez Jímenez del blog Jorgeletralia; así como a las siempre amigas Nacarid López y Anairene Asuaje, encargadas de la producción y conducción del programa Makina transmitido por La Mega de Barquisimeto, Venezuela, quienes nos reseñaron en una sección del programa.

El de esta semana (el podcast, cuidado con pensar otra cosa) va hacia los caminos del latin jazz, fusión que abrió infinitos caminos de rica sonoridad. La selección es la siguiente (Tema - Intérprete - País):

Rancho central - Gerardo Rosales - Venezuela
Mi socio - Nené Quintero - Venezuela
Moliendo café - Carlos Guedes - Venezuela
Cubano chant - Bobby Shew - Estados Unidos
Estela va a estallar - Irakere - Cuba

Espero los disfruten. Seguimos en clave….

Tata Guines - In memoriam

2008-02-06T11:46:00.000-04:30

Tata Güines
Federico Arístides Soto Alejo
(Güines, Cuba 18JUL1930 – La Habana, Cuba 04FEB2008)

Por un momento el tambor hace silencio para despedir a una de las leyendas vivientes del tambor, a uno de los más estudiosos percusionistas que el Caribe haya contado entre sus hijos, cuyos aportes a la ejecución de las tumbadoras permanecerán de generación en generación. De manos siempre muy cercanas al cuero, Tata Güines caracterizó su sonido limpio, claro, con un fraseo distintivo y cargado de todo el añejo sabor macerado en la mayor de las antillas, logrando extraer sonidos ancestrales, vivos. Hoy el tambor hace pausa, pero debe seguir repicando para que el legado permanezca entre nosotros.

Podcast - Entra en clave - Episodio 1

2008-01-27T22:31:00.000-04:30

Luego de varias experiencias a nivel de medios como radio y prensa, aparte del tiempo dedicado a mantener este blog, llega el momento de experimentar con el formato de podcast. Sin la rigurosidad que el medio radio requiere, pero tratando de mantener estándares de calidad en el contenido y el mensaje musical que se intenta difundir, inicio esta nueva experiencia frente a un podcast. Se trata de llevar parte de lo ya trabajado con un estilo ligero, compartiendo sensaciones y vivencias sobre la música que capta mis sentidos, la que asumo como propia, en fin, la que me gusta.

El primero de mis podcast, llamado Entra en clave - Versión podcast, está dedicado a explorar algunos temas de la salsa brava hecha en Venezuela (en Podomatic, por ahora).

Click here to get your own player.

Espero lo disfruten.

Seguimos en clave...

Who let the cats out - Mike Stern

2008-01-07T20:37:00.000-04:30

Cuando escuché Who let the cats out por primera vez, lo primero que vino a la mente era el tema de conversación entre músicos: La capacidad de Mike Stern para amalgamar una diversidad de géneros y canalizar las corrientes de energía que tanto el propio Stern como quienes lo acompañan en esta aventura aportan desde sus respectivos instrumentos. Por otro lado, el indudable virtuosismo de Mike Stern lo colocan en un sitio privilegiado dentro de la élite de los guitarristas a nivel mundial, destacando como improvisador virtuoso y con una energía inagotable, un discurso coherente cargado de claras ideas y una sonoridad distintiva, elementos característicos de un nombre referencial dentro del mundo del jazz.

El lenguaje de Stern en la guitarra se sigue mostrando evolutivo, gracias a su paso por agrupaciones como Blood, Sweat & Tears, su importantísimo transitar al lado de Miles Davis, su período junto al virtuoso bajista Jaco Pastorius o bien por sus 13 grabaciones como líder de agrupación, donde el jazz, blues, rock y funk han tenido un carácter protagónico en la evolución del lenguaje musical del nativo de Massachussets.

En Who let the cats out encontramos en un Stern abierto a diversas influencias, mostrando , y eso es palpable gracias a la participación de importantes nombres del mundo musical como los virtuosos bajistas Richard Bona, Victor Wooten, Chris Mihn Doky, Anthony Jackson y Meshell Ndegeocello; la maestría de un Dave Weckl en la batería, así como de Kim Thompson, una mujer que asume los tambores y platillos con un discurso muy particular, propio de quienes buscan nuevas rutas que transitar, ofreciendo la necesaria cuota tanto de ritmos sólidos y precisos como de los necesarios y oportunos matices. Bob Franceschini, por su parte, nos muestra la versatilidad de un saxofonista que ha navegado por diversas corrientes de la música donde el jazz ha estado presente. Destaca, además, la presencia del trompetista Roy Hargrove, Bob Malach en en Saxofón y Gregoire Maret en la Armónica.

Sin lugar a dudas, Who let the cats out es una produccíon que muestra de manera abierta los caminos transitados por Stern, una suerte de Bop & Roll con la energía suficiente como para seguir buscando nuevas coordenadas dentro de la música y adentrarse en las mismas sin temores Buena música, energizante, cargada de vida.

Seguimos en clave…

Créditos
Mike Stern: Guitarra eléctrica y acústica
Bob Franceschini: Saxo Tenor (1-4,9-11)
Jim Beard: Piano, órgano, sintetizador, clavinet
Chris Minh Doky: Bajo Acústico (1,6,9)
Kim Thompson: Batería (1-3,6,7,9,10)
Roy Hargrove: Trompeta (2,9)
Meshell Ndegeocello: Bajo (2,8)
Dave Weckl: Batería (3,5,8,11)
Richard Bona: Bajo eléctrico, voces (3-5,10)
Gregoire Maret: Armónica (5,8)
Victor Wooten: Bajo eléctrico (7)
Bob Malach: Saxofón (7)
Anthony Jackson: Bajo eléctrico (11).

Temas
1.- Tumble Home;
2.- KT;
3.- Good Question;
4.- Language;
5.- We’re With You;
6.- Leni Goes Shopping;
7.- Roll With It;
8.- Texas;
9.- Who Let the Cats Out?;
10.- All You Need;
11.- Blue Runway

Feliz 2008

2007-12-31T20:17:00.001-04:30

Una nueva partitura que llega a nuestras manos, lista para ser ejecutada, para abrirle las puertas a la vida que se esconde tras los sonidos y ritmos que siempre estarán presentes en los compases que vienen. Una de las partituras se abre mientras otra se cierra. Así se me asemeja la despedida del 2007 y la llegada del 2008. Espero que el 2008 les traiga mucha energía, ritmos incesantes que les permitan dar los pasos indicados en cada uno de los paisajes que les toque vivir, salud, paz y bienestar en abundancia en el año que se avecina.

Seguimos en clave…

Carta al Niño Jesús

2007-12-24T23:44:00.000-04:30

Querido Niño Jesús:

Debo empezar por darte las gracias, ya que durante años siempre me diste más de lo que pedía o mucho más de lo que realmente merecía. Al menos, siempre me he sentido agradecido por el don rítmico que me obsequiaste, aunque quizás no pueda aplicarlo como quisiera en cuestiones de baile, pero frente a un tambor creo que me defiendo, y eso ya es bastante.

¿Sabes? Tú eres el único cumpleañero que en vez de recibir regalos - salvo el oro, incienso y mirra que de dieron los Reyes Magos - tiene más bien que salir a darlos, y quizás eso no es tan justo, más cuando los precios suben con frecuencia y la demanda aumenta considerablemente. Pero tan generoso eres que siempre te las arreglas para traernos la alegría necesaria en cada uno de nuestros días, ese rocío de paz que siempre le hace bien a nuestros corazones.

Sin embargo, como costumbre arraigada en un mundo donde nos toca vivir y convivir, me permito hacerte mi petición 30 años después desde que te escribí aquella carta donde te pedía la pista de carros y el disco de Rubén Blades, los cuales colocaste al lado de mi cama, junto a los camiones Tonka de mi hermano. En esta nochebuena te pido que siempre existan los sonidos y ritmos precisos para que cada uno de nosotros pueda aportar esa dosis necesaria de alegría, de paz y de unión que debe caracterizarnos a quienes pertenecemos a la raza humana. Con eso, creo, sería suficiente para empezar a construir un mundo mejor.

Una vez más, gracias por todo lo que me has dado, por la familia hermosa que es responsable de mi llegada a los giros del planeta, por el viejo tambor que dio inicio a todo esto y por tantas cosas que por una u otra razón se colocan fuera del alcance de mi memoria. Ah, y que pases un muy Feliz Cumpleaños.

Fósforo

Patato Valdéz - In memoriam

2007-12-10T13:57:00.000-04:30

Carlos "Patato" Valdés

(La Habana 04NOV1926 - New York 04DIC2007)

Tuvo la gran virtud de dejar una estela de ritmos en su paso por este mundo terrenal, siendo siempre un percusionista lleno de melodías cargadas de sabrosura, con sabor a caña, a playa, a coco, al caribe mismo. Un gran maestro del complejo y maravilloso arte del tambor, cuya sonrisa, tan amplia y generosa como su talento, eran su mejor carta de presentación. Se va uno de los percusionistas más influyentes en la historia de la música, caracterizado por su forma melódica de tocar y "echar" en las tumbadoras, pero famoso, además, por sus bailes sobre los tambores, lo cual enloquecía a sus fieles seguidores. Patato nos deja un legado de dimensiones muy grandes, una forma particular de colorear lienzos a través del sonido de un tambor. Sigue echando, maestro, aun lo sigo escuchando.

C4 Trío

2007-11-30T16:04:00.000-04:00

C4 Trío (Jorge Glem, Edward Ramírez y Héctor Molina)

La dimensión que puede adquirir un instrumento puede aumentar de una manera considerable cuando se cultiva de buena manera, cuando existen seres que aportan talento, dedicación, originalidad, nuevas ideas, nueva sangre que permita el natural proceso evolutivo de una manifestación artística. En nuestro país hemos visto como cada día surgen nuevos talentos, nuevos cultores que dedican su tiempo a realzar las manifestaciones auditvas de manera importante, cual torrente de sonidos que baña esta tierra de gracia.

Todo este torrente de buena música es responsabilidad de C4 Trío, agrupación formada por el cumanés Jorge Glem, el merideño Héctor Molina y el caraqueño Edward Ramírez, quienes se han encargado de llevar a nuestro instrumento nacional a niveles casi insospechados, siguiendo los pasos de grandes nombres como los de Jacinto Pérez, Freddy Reyna, Hernán Gamboa y Cheo Hurtado, por citar solo algunos virtuosos de nuestro instrumento nacional. Sin embargo, C4 Trío, aparte del virtuosismo individual de cada uno de sus miembros, ha destacado por mostrar la cara innovadora del instrumento, incorporando elementos que provienen fuera de las fronteras de la música venezolana para lograr un sonido con sabor auténtico, con una proyección más universal, obteniendo un producto de un nivel de calidad alto, digno de llevar por todos los rincones del planeta que compartimos, donde la música hecha en nuestro país se muestra con uno de sus mejores semblantes, bañada de la sensibilidad de tres músicos que comparten un amor por las cuatro cuerdas.

Es preciso señalar que tanto Molina como Glem y Ramírez han sido producto de la maravillosa cosecha que se ha recogido producto de “La Siembra del Cuatro”, proyecto impulsado por el virtuoso cuatrista Cheo Hurtado para desarrollar el talento asociado a nuestro instrumento nacional, donde han surgido estos tres virtuosos de las cuatro cuerdas, quienes son una muestra representativa de toda la camada de excelente cuatristas que ha dado nuestro país.

C4 Trío nos pasea por las cadencias del merengue caraqueño, nos muestra el vuelo de un pajarillo, los aromas del jazz, el colorido y el virtuosismo añejado en años de estudio y dedicación al instrumento, todo aderezado con la correspondiente dosis de humor, originalidad y humildad, logrando captar los oídos tanto de aquellos melómanos exigentes como de quienes buscan nuevas tendencias dentro de la música hecha en la tierra del Arauca vibrador.

Día del músico

2007-11-22T13:30:00.000-04:00

Algunos hemos apostado hacia el cultivo de sonidos y silencios, al arte supremo de combinar timbres, matices, texturas y colores en el invisible discurso musical que cada día intentamos decir, transitando un camino duro, pero con suficientes satisfacciones como para aliviar cualquier avatar que se presente. Ser músico es un honor, un privilegio, pero también es una responsabilidad que debe asumirse con todas las de la ley. Hoy, Día Internacional del Músico, nos unimos a la celebración con todos aquellos colegas, presentes y ausentes, quienes cultivan sonidos y ofrecen ese maravilloso alimento al alma. ¡Feliz día del Músico!

A toda música 2007

2007-11-09T14:42:00.000-04:00

Agradecimiento

2007-11-09T14:30:00.000-04:00

Quisiera agradecer a todas a quellas personas que tuvieron a bien ofrecernos su colaboración en procura de los donantes de sangre para la Sra. Maritza Pérez de Aular, quien, lamentablemente, falleció el día de ayer.

Una vez más, gracias.

Donantes de sangre

2007-10-29T21:50:00.000-04:00

Apelando a la solidaridad que existe dentro de esta comunidad, hoy escribo para solicitar ayuda para un familiar que se encuentra en delicado estado de salud. Se trata de la Sra. Maritza Pérez de Aular, quien se encuentra recluída en el Hospital Pastor Oropeza de la ciudad de Barquisimeto, estado Lara, quien requiere con urgencia donantes de sangre tipo B Rh+. Aquellos quienes tengan a bien donar sangre o conozcan de alguien que pueda hacerlo, pueden dirigirse a la siguiente dirección:

Hospital Pastor Oropeza

Aislamiento 1, Hemato-Oncología

Barquisimeto, Estado Lara

Paciente: Maritza Pérez de Aular

Tipo de sangre: B Rh+

De antemano, les estaremos eternamente agradecidos.

Uno más a la cuenta

2007-10-28T11:27:00.000-04:00

Uno más que se añade a la cuenta indefinida, a ese almacén donde nada pasa inadvertido, rodeado de quienes siempre están presentes pese a distancias y tiempos. Uno más, con sueños que se han hecho vida, siempre abrazado a los ritmos que acompañan mis pasos, siempre en clave. Agradecido, feliz, no se puede pedir más.

Saravá!

Kit Blogstock 2007

2007-10-10T09:01:00.000-04:00

Unos cuantos instrumentos ligeros para ir creando ritmos

Nunca salgo sin ella cuando de música se trata

Festival Internacional de Jazz Barquisimeto 2007

2007-10-06T18:09:00.000-04:00

Siendo la capital musical de Venezuela, Barquisimeto ofrece en su Festival Internacional de Jazz 2007 un programa realmente impresionante, el cual está conformado por los siguientes conciertos:

Martes 06 de Noviembre: Gerry Weil, Pablo Gil, Nené Quintero y Roberto Koch nos presentarán el trabajo "Empatía".

Miércoles 07 de Noviembre: Claudia Acuña, teniendo como invitado de lujo a Aquiles Báez.

Jueves 08 de Noviembre: Adrián Iaiés Trío.

Todos los conciertos se efectuarán en el teatro de la Torre David a las 8:00pm. Las entradas están a la venta en Coco Music y en el C.C. Las Trinitarias.

Mucho más sobre el timbal

2007-10-04T15:53:00.000-04:00

Foto cotesía Ivor Lugo

Y la alegría se abre paso cuando el timbal me permite establecer el discurso sonoro que escribo con las baquetas, cuando la música se apodera del ambiente y determina el festivo aroma que vuela sin restricciones hacia los cuatro puntos cardinales, cuando la descarga se transforma en el alimento que nos permite vivir el sueño que siempre ha habitado en nuestra mente. Es el timbal el perfecto complemento para alzar vuelo, para bordar cadencias en la sangre caribe que por las venas va corriendo, para recordarme del lugar desde el cual inicié los pasos innumerables que en vida he ido coleccionando dentro el contexto caribeño, para ayudarme a encontrar las rutas que hacia los paisajes que mis ojos no han podido retratar, tratando siempre de llegar a tener el sonido de características propias. A pulso rasgado, timbal mediante, vamos siempre hacia delante, izando ritmos.

Cadáver Exquisito

2007-09-24T13:52:00.000-04:00

Según Wikipedia, los surrealistas llamaron Cádaver exquisito a su técnica para ensamblar colectivamente un conjunto de imágenes o palabras, en la cual un grupo de personas van escribiendo un texto en secuencia. Bueno, de esto saben más quienes dedican su vida al complejo arte de las letras, por ello no ahondaré más en eso. Sin embargo, dada la similitud entre esta técnica literaria y el ya musicalmente conocido “vente tú”, nace en Caracas a mediados de los años 80 el Cadáver Exquisito, agrupación salsosa de alta factura, responsable de haber animado infinidad de noches de salsa en sitios como “La Delia”, mítica pizzería capitalina famosa por sus rumbas en aquellos días

Bien, en el año 2000, Cadáver Exquisito logra grabar una producción directamente en la Terraza del Ateneo de Caracas, donde se recoge el espíritu festivo de la agrupación en un concierto como pocos, el trabajo espontáneo y sin complejos de una banda que se muestra sin una gota de rubor sobre sus mejillas, muy al contrario, derrochando clase y sabor, estilo y afinque, sabor y sazón, mostrando toda esa cotidiana estampa caraqueña, el palpitar de una ciudad que ha hecho suya la salsa.

Este es un CD para gozarlo desde principio a fin, con arreglos novedosos y toda la carga de sabor que se requiere para prender el bonche. Salsa brava, boleros y hasta el merengue caraqueño se reúnen en 18 temas sabrosos, contagiosos, mostrando el alto nivel de la música que se hace en la llamada “Sucursal del cielo”. 100% recomendable, sin lugar a dudas.

Músicos:
Filemón Monterola: timbales/batería
Maigualida Ocaña: voz y coros
Octavio “Nano Grand” Palacios: voz y coros
Carlos Julio “El Oso”Ramírez: percusión y coros
Francisco “Pancho” Santangello: piano
Elio Torres: bongó y campana
Jesús “Mandinga” Torres: bajo y coros
Alberto Vergara: vibráfono y coros
Ricardo Vitoria: tumbadoras y flauta
Producción: Cadáver Exquisito / Federico Pacanins y Roberto Obeso
Sello discográfico: Obeso-Pacanins

Una de piratas - Joan Manuel Serrat

2007-09-19T11:04:00.000-04:00

Una de piratas
(Joan Manuel Serrat)

Todos los piratas tienen
un temible bergantín,
con diez cañones por banda
y medio plano de un botín,
que enterraron a la orilla
de una playa en las Antillas.

Todos los piratas tienen
un lorito que habla en francés,
al que relatan el glosario
de una historia que no es
la que cuentan del corsario.
Ni tampoco lo contrario.

Por un quítame esas pajas te pasan por la quilla.
Pero en el fondo son unos sentimentales,
que se graban en la piel
a la reina del burdel
y se la llevan puesta a recorrer los mares.

Marchando una de piratas...
Larga vida y gloria eterna.
Para hincarles de rodillas
hay que cortarles las piernas.

Todos los piratas tienen
atropellos que aclarar,
deudas pendientes y asuntos
de los que mejor no hablar.
Se beben la vida de un trago
y se ríen con descaro.

Hasta que un día, temblando
en la popa de un velero,
la encuentran, y traicionando
la ley del filibustero,
no reclaman el rescate
y rehuyen el combate.

Cuando los piratas son hombres enamorados
de una piel que huele a jazmines, rompen promesas
con sus hermanos de ayer
y huyen al amanecer
rumbo a un puerto que aún no ha puesto precio a su cabeza.

Marchando una de piratas...
Nadie doblegó su espada
y bastó una mujer hermosa
para cortarles las alas.

No hay historia de piratas
que tenga un final feliz.
Ni ellos ni la censura
lo podían permitir.
Por la espalda, en una esquina,
gente a sueldo los asesina.

Aldemaro Romero - In memoriam

2007-09-15T21:40:00.000-04:00

Aldemaro Romero

Valencia, Venezuela, 12/03/1928 - Caracas, Venezuela, 15/09/2007

Uno de los músicos de mayor trascendencia en nuestro país. Pianista, arreglista, compositor y director de orquesta, el valenciano siempre apuntó hacia niveles altos, hacia el lugar reservado para quienes logran señalar los rumbos por donde otros seguirán. El aporte del maestro se pudo apreciar tanto en lo académico como en lo popular, donde muchas de sus obras son referencia obligatoria. Haría falta toda una vida para homenajear a quien tanto dió por la música.

Joe Zawinul - In memoriam

2007-09-11T13:27:00.000-04:00

Joe Zawinul

(Josef Erich Zawinul)

Vienna, Austria, 07/07/1932 - Vienna, Austria 11/09/2007

Pionero del llamado jazz fusión, siempre tratando de unir elementos diversos en sus proyectos musicales. Trabajos imprescindibles como Bitches Brew o In a silent way de Miles Davis contaron con el talento del virtuoso pianista y tecladista austríaco, aunque serían bandas como Weather Report y Zawinul Syndicate donde se mostró en todo su potencial y creatividad, logrando trazar caminos entre el jazz, el rock y la música de sitios como Africa o el Medio Oriente. Definió rutas nuevas en la fusión de géneros y estilos, siendo factor de integración de sonidos y culturas. Un genio que ha tenido que partir hacia inexplorados territorios.

El sabio - Héctor Lavoe

2007-09-07T14:27:00.000-04:00

El Sabio fue un tema originalmente popularizado por Tito Rodríguez en aquellos inolvidables días del Palladium de Nueva York, donde los llamados Reyes del Mambo soltaban sus mejores notas noche a noche. Bien, dentro de youtube - maravilla que nos permite compartir videos - encontré esta versión hecha por el gran Héctor Lavóe, donde El cantante de los cantantes nos da una muestra de soneo con su orquesta. Allí se los dejo para comenzar la rumba del viernes .

Con mucho Aché!

NeQuin Group en el Teatro de la Opera de Maracay

2007-09-06T15:53:00.000-04:00

El sábado 15 de septiembre la cita será en el Teatro de la Opera de Maracay, para presenciar el concierto de NeQuin Group, proyecto musical liderado por Nené Quintero al frente de su ya famosa baticonga. Como para no perdérselo. Allá nos vemos.

Luciano Pavarotti - In memoriam

2007-09-06T08:24:00.000-04:00

Luciano Pavarotti

(12 de octubre de 1935, Módena, Italia - 06 de septiembre de 2007, Módena, Italia)

Su dimensión como cantante lo ubicó en un sitio especial, privilegiado, lugar al que pocos pueden entrar. Su voz siempre fue su mejor tarjeta de presentación, donde pudo pasearse tanto por los registros bajos como por los altos sin dificultad alguna. Más allá de todo el éxito en el mundo de la ópera, Luciano Pavarotti destacó como un defensor y colaborador de las causas humanitarias, cantando con fines benéficos con gente como Caetano Veloso, U2, Sting, Andrea Bocelli o Frank Sinatra, enre otros. Por otra parte, su participación junto a Plácido Domingo y José Carreras en las giras de "Los tres tenores" contribuyó al acercamiento entre la ópera y lo popular. Siempre será recordado como un tenor carismático, dotado de una voz exquisita, de una belleza difícil de describir a través de las palabras, único.

Así lo dijo Miles...

2007-08-30T14:12:00.000-04:00

"Estoy aquí abajo para tocar música, para interpretarla. Y es lo que hago. Es todo lo que quiero hacer. Y lo hago bien. Podría hacer un montón de cosas, pero lo fundamental, lo que me gusta, lo que está antes que todo, hasta respirar, es la música."

Miles Davis, 1985. Entrevista publicada en Jazz Magazine

Animal

2007-08-27T14:14:00.000-04:00

Desde su aparción en la TV venezolana (claro, en aquel momento ni soñar con tener cable) me convertí en un adicto a The Muppets Show. Aquel fino programa basado en los personajes ideados por Jim Henson y compañía lograron hacerse de un espacio entre mis gustos, donde aquellos muñecos parecían tener vida y pensamientos propios.

En lo musical, The Electric Mayhem era la banda de planta del referido show, donde destacaba Animal, un singular baterista con una personalidad propia y con la dosis necesaria de energía para ser un baterista de rock. Tal fue el suceso de Animal en The Muppets Show que hasta llegó a realizar un duelo de bateristas con el gran Buddy Rich, en ocasión del aniversario del famoso duelo entre Gene Krupa y Buddy Rich, aparte de haber hecho escenas con personalidades como Rita Moreno, Lou Rawls y Harry Belafonte, entre otros.

Algunos sostienen que Animal tiene mucho de Keith Moon, legendario baterista de The Who, aunque los productores nunca manifestaron abiertamente que el personaje haya tenido algún parecido con un músico en particular.

En la vida real, Animal fue caracterizado por Frank Oz (entre 1977 y 1999) y por Eric Jacobson (desde el 2002), mientras que su sonido tras los tambores y platillos fueron ejecutados por Ronnie Verrell, un baterista británico nacido en Rochester, Kent, Inglaterra el 21 de Febrero de 1926 y que tuvo paso por importantes big bands británicas como la Ted Heath Orchestra y Syd Lawrence Orchestra. Tras lo tambores, Verrell destacó por coloridos y poderosos solos y por ser un extraordinario lector musical, lo cual le permitió participar en diversas bandas sonoras de cine y televisión, gracias a su habilidad para leer y tocar partituras, desde la más sencilla hasta la más compleja. Sin embargo, debido a la caracterización de Animal, Ronnie Verrell tuvo la oportunidad de conocer a Rich, su gran ídolo, y tener un duelo de bateristas que quedó reflejado en el episodio número 110.

Como músico de sesión, Verrell llegó a grabar con artistas de la talla de Winifred Atwell, Jack Jones, Tony Bennett, Tom Jones y Shirley Bassey. Ronald Thomas Verrell falleció en Kingston, Inglaterra un 22 de febrero de 2002.

Inquieto, original y siempre buscando mostrar todo el poder que se puede tener frente a los tambores, hoy recordamos al gran Animal.

Apenas dos

2007-08-24T23:19:00.000-04:00

Sería por allá en el 2005 cuando me inicié en esto de los blogs, alentado por los buenos amigos que siempre llegan con ideas novedosas. Desde ese entonces he intentado dar los pasos necesarios para lograr el acercamiento entre los sonidos que me acompañan y las letras que rondan mi cerebro. El resultado ha sido más que gratificante, todo un pentagrama cargado de las notas que se disfrutan, que se saborean con lentitud, pero que logran alimentar esa parte intangible del ser.

Son apenas un par de años marcando la clave desde acá, mostrando los sonidos que cautivan mis neuronas, aquellos que logran trascender en el gusto personal y terminan imponiéndose a pesar del tiempo. Este espacio es una mezcla de estudio de grabación, una suerte de salón de ensayo donde diversidad de sonidos tienen asiento reservado, lugar propio, territorio ganado para que el arte llegue a los oídos, y de allí hacia los confines del alma y la mente.

Afortunadamente, aun queda mucha música por llegar, y aun queda espacio para recibirla y tratarla como se merece. Lenguaje universal, sin duda alguna.

Con errores y aciertos, seguimos en clave…

Y como bien lo dijo Barreto, ¡Que viva la música!

Saravá!

Max Roach - In memoriam

2007-08-17T13:34:00.000-04:00

Max Roach

(Maxwell Lemuel Roach)

Newland, North Carolina, USA , 10ENE1924 - Manhattan, New York, USA, 16AGO2007

Señaló nuevos horizontes en el bebop, definiendo trazos rápidos, originales e inquietantes, mostrando que el baterista de jazz podía ir más allá del acompañamiento, para darle un carácter más protagónico al responsable de los platillos y tambores. Max Roach participó en diversas sesiones con Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Miles Davis, Duke Ellington, Charles Mingus, Sonny Rollins y Clifford Brown, entre otros, donde siempre dejó su marca personal, sus ritmos intrincados y solos antológicos. Su sonido distintivo y su depurada técnica siempre estarán presentes en la memoria de quienes transitamos el camino del jazz.

Mario Rivera - In memoriam

2007-08-17T09:24:00.000-04:00

Mario Rivera

(1939, República Dominicana - 12AGO2007, Nueva York , USA)

Imagen tomada de Jazz Vision Photos

Con un apego y respeto por la clave, Mario Rivera siempre regaló aromas provenientes de su Quisqueya natal, pero haciendo los respectivos cruces con diversas fragancias que tiene origen en el caribe y en la gran manzana, asidero de su vida durante muchos años. Su talento para soplar las cañas de los saxofones o la flauta fue incuestionable, lo cual lo llevó a pasar por orquestas como la de Tito Puente, Machito y Tito Rodríguez, entre otros. Un músico completo, ungido con ese talento especial que parte al encuentro con aquellos que ya llevan años haciendo su música en otros parajes.

¡Aché pa' ti, Mario!

Rumba Buhaina

2007-08-08T10:05:00.000-04:00

Su estilo se muestra cada vez más depurado, maduro, así como el licor que se añeja en alguna bodega oculta en medio del caribe y guarda secretos, aromas y sabores que van tomando por asalto los espacios que le rodean, signos evidentes del camino que han ido señalando durante años

Habían pasado unos 10 años desde que Jerry González junto a su Fort Apache Band no visitaban un estudio de grabación, siendo su producción Pensativo del año 1995 su última producción hecha en estudio, ya que Fire Dance (1996) fue grabado durante una serie de presentaciones en el Blues Alley de la ciudad de Washington DC.

Para el año 2005, Jerry González & Fort Apache Band regresan a los estudios de grabación para mostrarnos su particular y determinante manera de entrelazar los caminos de la rumba y el jazz, así como las diversas corrientes que van teniendo convergencia en el caribe y que se van asociando con toda la variedad de colores que el jazz tiene en su haber, produciendo un trabajo que lleva por título Rumba Buhaina, reverencia al importante legado que dejaron Art Blakey y los Jazz Messengers.

Como cualquier producción de Jerry González & Fort Apache Band, la rumba sigue siendo el epicentro, la señal de partida, el punto convergente donde cinco músicos destilan todo su amplio repertorio de sonidos, prevaleciendo el trabajo del colectivo por encima de lo individual, donde la banda parece ser una sola unidad cargada de los ritmos más intrincados, de los acordes que sirven como propulsores del mensaje de jazz promulgado en su momento por Abdullah Ibn Buhaina y que los Apaches se han encargado de homenajear en esta producción.

Sin embargo, cada quien en la banda sabe jugar el rol de solista en altos niveles. Jerry González lleva el peso de sus congas con la determinación y el empuje que lo ha mantenido por años dentro de las artes auditivas, mostrando ese sabor a calle y a folklore, a fogón y a callejón, a madera y cuero que se ha ido atesorando en sus congas, así como las referencias de Miles Davis que se cuelan cuando toma su trompeta o flugelhorn para trazar las principales líneas de este mapa sonoro, si es que el término es válido.

Pero vayamos haciendo un repaso sobre el resto de la banda. El saxofonista Joe Ford demuestra profundo conocimiento de los lenguajes del jazz y de la rumba, heredando algunos matices de John Coltrane y Jackie McLean, pero ofreciendo rasgos interesantes que le definen una personalidad propia a la hora de enfrentar los caminos de la improvisación jazzística. Larry Willis, por su parte, no solo mantiene el juego entre la armonía, melodía y ritmo en el piano, sino que no se siente ajeno a la clave y a la rumba, bordando solos cargados de buen gusto y sensibilidad, siempre en clave. Andy González – hermano de Jerry – es, quizás, una de las figuras más respetadas dentro de la música, capaz de entender ambos lenguajes – jazz y rumba – de una manera profunda y dominante, ofreciendo el soporte necesario y toda la energía para que la banda pueda hacer sus recorridos de manera segura. Por último, Steve Berríos sigue fiel a su inconfundible estilo, donde la batería se acomoda hacia los territorios afrocaribeños con la densidad requerida en estos casos, colocando los pulsos en los momentos oportunos, siempre distintivo gracias a su ya famoso campaneo.

Así como se disfruta un buen vino, o un buen ron añejo, este disco merece una atención especial por la diversidad de sonoridades que hacen convergencia y que demuestran que la música sigue siendo infinita en cuanto a posibilidades de creación. El camino señalado por Jerry González & Fort Apache Band es denso, pero no deja de tener el valor y la importancia que se necesita. Caminos ilimitados, sonoridades llenas de riqueza, rumba y jazz siguen unidos, bailando, destilando, viviendo.

Créditos
Jerry González: Trompeta, flugelhorn, congas, percusión

Joe Ford : Saxo alto y soprano
Larry Willis: Piano
Andy González: Bajo
Steve Berríos: Batería, percusión

Temas
1. Along Came Betty
2. Crisis
3. This is for Albert
4. Up Jumped Spring
5. Madi's Smile
6. Wildflower
7. United
8. The Day You Said Goodbye
9. One by One
10. Rumba Buhaina
11. Ask me Now

Búsqueda

2007-07-26T09:32:00.000-04:00

Imagen tomada de Vivrelemonde - Ecole de percussions

Persigo ese sonido que se cocina en mi mente. Lo busco incesantemente, dentro de la oscuridad de un tambor encuentro algunos secretos que corren buscando su libertad, eterno cimarronaje que aun no termina. Lo busco dentro de la madera o del metal que resguarda los cueros, cual muralla protectora de las historias ancestrales que se van transmitiendo en ese código refugiado bajo la sombra de los pulsos. Busco ese sonido, ese color temperado que pueda identificar claramente cada uno de los ritmos que se van moldeando, que echan raíces, que viven libres, que hacen caminos infinitos.

Así como las huellas dactilares, el sonido debe ser único, distintivo, propio.

Lo sigo buscando.

Baticonga

2007-07-06T10:33:00.000-04:00

Cada vez que le sea requerido es capaz de ordenar sonidos y ritmos a su antojo, colocarlos en la secuencia correcta, educarlos para que aparezcan en los momentos precisos, dejando sus huellas mágicas en los cueros de algún tipo de tambor. Pero también su capacidad de creación siempre ofrece infinitas novedades, tal como su Baticonga, híbrido entre la batería y las congas que se funden como el manojo de sabores que solo tiene este caribe nuestro, amplitud requerida para que la brisa proveniente de diversas latitudes tenga asidero en este lado del planeta..

Bien, Baticonga es también la primera producción de Nequin Group, banda del experimentado y talentoso músico venezolano Carlos “Nené” Quintero, quien ha dedicado toda su vida al estudio y a la evolución del arte de hacer percusión. Baticonga es una especie de mostrario de las diversas posibilidades que ofrece el jazz de permutarse con diversos estilos, buscando formas de expresión mucho más urbanas, más actuales, novedosas, perdurables.

La selección de temas no podía ser mejor, desde la reverencia hacia la música tradicional venezolana representada en la inmortal pieza de Heraclio Fernández, El diablo suelto, así como el saludo al camino progresivo amazónico de Hermeto Pascoal con Aquella cosa y el ya obligado Standard venezolano Mi socio del vibrafonista Alfredo Naranjo. Por otro lado, el aporte de compositores como Roberto Jirón – ¡Que Gua-Jirón, mi hermano! – y del propio Quintero, nos brindan un excelente regalo que llega a través del oído, pero que puede alojarse sin molestias en los restantes sentidos.

Baticonga es una propuesta está basada en la fusión de géneros, en la búsqueda de sonoridades que muestren como acá en el caribe se pueden reunir diversidad de culturas musicales en un mismo proyecto, además de girar en torno a los ritmos generados a través del instrumento que Quintero ha venido desarrollando con el paso del tiempo. Cargado de sentimiento, de sabor y buen gusto, de aromas diversos y de ritmos amablemente se dan paso unos a otros. De presencia notoria como el bouquet de un buen ron añejado en tierras venezolanas.

Créditos
Carlos “Nene” Quintero – percusión (Baticonga)
Lilian Bencini – bajo
Gilles Grivolla – saxofones
Boris Sudres – guitarra
Pascal Versini – piano

Temas
1.- Mi socio (Alfredo Naranjo)
2.- El diablo suelto (Heraclio Fernández)
3.- Aquella cosa (Hermeto Pascoal)
4.- Gua-jirón (Roberto Jirón)
5.- Minas del Callao (Carlos “Nené” Quintero)
6.- Los locos de Caracas (Roberto Jirón)
7.- Asfalto (Roberto Jirón)
8.- Participación (Carlos “Nené” Quintero)
9.- La plancha (Roberto Jirón)
10.- Brisas del Avila (Carlos “Nené” Quintero)

¡Bravo, Martirio!

2007-06-12T09:04:00.000-04:00

Martirio

(Foto tomada de www.esflamenco.com)

Ella puede hacerlo todo en el escenario, convertirlo en un verdadero manantial de emociones y sentimientos plasmados en cada canción, desbordando cada sentimiento, viviendo cada canción como si ese fuese justo el momento donde la historia se va construyendo. Ella es poesía, magia, amor y copla, bolero y canción. Bajo el misterio de sus oscuras gafas, su peineta, su mantilla y un siempre elegante vestido se ofrece la cantante española Martirio, siempre con el abanico de sentimientos que nos ofrece, bien sea en los discos o en sus presentaciones. Y así, vestida de sentimientos y adornada con ese carisma que siempre la acompaña la vimos en el sobrio escenario del Teatro de la Opera de Maracay el pasado día domingo 10 de junio, donde nos ofreció su espectaculo Primavera en Nueva York, su producción discográfica más reciente donde se da un paseo por una docena de boleros que no se encuentran entre los más habituales o conocidos de un repertorio de este tipo, pero que llevan labrado el sentimiento y las etapas del amor, vividos intensamente en cada interpretación por la nativa de Huelva, sintiéndose como el bolero se acercaba al jazz, a Brasil, a España, permitiendo la generosa fusión de géneros que va marcando nuevos caminos en la música.

Ya paseados por ese oleaje de sentimientos que significa interpretar o, mejor dicho, vivir en escena una docena de boleros, Martirio dió pasó para que la banda que la acompañaba - excelentes músicos, dicho sea - se lucieran en una interpretación cargada de jazz, para que luego Martirio regresase de la mano del género músical que ha transitado por mayor tiempo: La copla, donde Martirio se ha amoldado para darle una dimensión original y renovadora.

Quienes estuvimos allí presenciamos uno de los conciertos más emotivos, donde Martirio nos permitió apreciar y vivir cada canción como si fuesemos protagonistas de la historia, o escritores de la misma, dejando que el sentimiento pudiese viajar por el aire de manera libre, intensa. ¡Bravo, Martirio!

Mambo Diablo

2007-06-05T09:43:00.000-04:00

Mambo Diablo es uno de esos discos que se quedan, que cada vez ofrecen mayores razones para seguir estando en un lugar de privilegio, a pesar de todo el tiempo transcurrido. Aquí se muestra a un Puente con mucha frescura, dinámico en sus intervenciones tanto en el timbal como en el vibráfono y la marímba, siempre flamboyante, con todo el brillo necesario desde la altura de un trono que tiene sus bases en la calidad y en su particular y perdurable sonido, virtudes, entre otras, que siempre colocaron a Puente en otra dimensión. Clásicos como el inmortal Take Five de Paul Desmond o Lulaby of Birdland de George Shearing - interpretado al piano por su propio compositor - se muestran con un rostro más cercano al caribe, demostrando como el jazz puede acercarse a otros territorios, o lo que es casi lo mismo, la permeabilidad que el jazz ofrece al que quiera acercarse a sus predios. Como dije al principo de la nota, este es un disco que se queda en el gusto y la memoria por sobradas virtudes que se explican con cada sonido contenido en el disco, con arreglos cargados de dinamismo para un octeto responsable de repatir sabor y pasión por la música que se hace de este lado del planeta. Como si fuese poco, merecedor de un premio Grammy. ¿Se puede pedir más?

Créditos:

Tito Puente: Timbales, marímba, vibráfono, percusión.

Mario Rivera: sax soprano & tenor, flauta

Jimmy Frisaura: Trompeta, flugelhorn, trombón de pistones

Ray Gonzalez: Trompeta, flugelhorn

George Shearing: Piano on "Lulaby of Birdland"

Sonny Bravo: Piano

Bobby Rodriguez: Bajo

Jose Madera: Congas, percusión

Johnny "Dandy" Rodriguez: Bongó, percusión

Track list
1.Mambo Diablo
2.Take Five
3.Lush Life
4.Pick Yourself Up
5.Lullaby Of Birdland
6.No Pienses Asi
7.China
8.Eastern Joy Dance

Así lo dijo

2007-05-21T09:00:00.000-04:00

"el jazz es una actitud mental más que un proceso"

Bill Evans (Pianista grande y fundamental)

...and Sammy walked in

2007-05-15T09:35:00.000-04:00

En muchos de los trabajos discográficos asociados al Latin Jazz, así como a otros estilos musicales, no es raro encontrar en los créditos el nombre de Sammy Figueroa en la percusión. Su talento como percusionista lo ha llevado a trabajar junto a grandes figuras como Sonny Rollins, Quincy Jones, Dave Grusin, George Benson, Chet Baker, Stanley Clarke, Grover Washington, Jr., Al Jarreau, Néstor Torres, Chico O’Farrill, Mike Stern, , Dave Valentin, Arturo Sandoval, Paquito D’Rivera, Luis Salinas, Rubén Blades, Eddie Palmieri, Bobby Valentín, Tania María y Michel Camillo, entre otros nombres que harían interminable esta lista. Bien, el año 2005 marcó su debut como líder de su agrupación Sammy Figueroa & his Latin Jazz Explosion a través de la producción "...and Sammy walked in". En 10 temas, Figueroa nos da un paseo por diversas expresiones rítmicas como el cha cha cha, mambo, songo, entre otras, mostrando cadencia, sentido y precisión en la ubicación del ritmo en cada uno de los temas, con una clara tendencia hacia el hard-bop así como marcados sabores que emergen de diversas latitudes caribeñas. Por otro lado, se aprecia la forma como el colectivo que integra esta producción se ha compenetrado, evidenciando que es necesaria una buena dosis de empatía para lograr la química necesaria entre los músicos. Con una nominación al Grammy en su haber y con buen gusto para los arreglos, "...and Sammy walked in" tiene los ingredientes necesarios para llevarnos hacia una explosión rítmica y ofrecernos una caminata por geografías caribeñas al calor del sol tropical que compartimos todos los que hemos nacido por estos lares.

Track List:

1. Syncopa O No
2. Nico's Dream
3. Bebe
4. And Sammy Walked In
5. Eugenology
6. Mirage
7. Bolivia
8. Swimming Gaia
9. Mambo Influenciado
10. Duermete Mi Cielito

Créditos:

Sammy Figueroa (voz, congas, percusión)

John Michalak (flauta, saxofón)

Tyler Kuebler (saxofón)

John Lovell (trompeta, flugelhorn, percusión)

Michael Orta (piano, teclados)

Nicky Orta (bajo)

Gotz Kujack (batería)

El primero de La Caja

2007-05-05T16:03:00.000-04:00

Se van sumando todas las alegrías, todas las satisfacciones de hacer algo que se disfruta a plenitud, siempre con el traje hecho de sonidos, tejido con los pulsos que marcan los tiempos, abrigado al calor de los ritmos incesantes que se cuelan por cada una de rendijas que el aire va dejando.

Lo primero es sentirse más que agradecido por hacer lo que se quiere, a la manera en que se acostumbra hacerlo, sin alardes, pero con la responsabilidad de poder ofrecer calidad inmersa en las notas y en los silencios, permitiéndole a la palabra hablada ser solo un pequeño complemento del mensaje que cada constructor de sonoridades emite a través de su instrumento.

Todo esto es posible gracias a la valiosa ayuda de quienes me apoyan en estos proyectos: Familia, amigos, compañeros de trabajo, músicos y al respetable público que por casi 10 años me sigue acompañando en cada travesura radial que se me ocurre.

Es apenas el primero de muchos años que pretendo estar, Dios mediante, cada sábado en la noche a través de 91.5 FM, en Valencia, Venezuela, descubriendo los sonidos que se guardan en La Caja del Fósforo.

Festival de jazz UC 2007 - 1er. Dia - UC Jazz

2007-04-25T16:45:00.000-04:00

El Auditorio del Centro Cultural Eladio Alemán Sucre no estaba repleto como en otras ocasiones, pero sí había una notable concurrencia y un grato ambiente, propicio para que la agrupación pionera del jazz en el estado Carabobo, UC Jazz, abriese fuegos en el VII Festival de jazz de la Universidad de Carabobo.

Tal y como ha sido una tradición desde que fuese fundada por el maestro Miguel Casas Auge, UC Jazz nos dió un paseo por las distintas variantes que han surgido dentro del jazz, evocando aquellos conciertos cargados de buena música que el antiguo Quinteto de jazz de la Universidad de Carabobo nos ofrecía, donde lo didáctico y lo pedagógico siempre iban de la mano con la buena música. Quienes hemos crecido con esta música no podemos olvidar el aporte de los maestros Miguel Casas Augé, Waldo Sanz, Gino Drago, Ramón Sandoval, entre otros, quienes han formado parte de esta legendaria.

UC Jazz nos brindó un emotivo concierto, haciendo un repertorio bastante tradicional, donde cada uno de sus integrantes demostró toda la pasión que sienten por el jazz y esa empatía que siempre han tenido con el público que los ha seguido desde hace algún tiempo. Para esta ocasión, UC Jazz estuvo integrado por Francisco Osabarrios en el banjo, guitarra, armónica y dirección musical; Maikelf Velásquez en el saxo tenor y el clarinete, Antonio Pechinenda en el piano, Antonio Camacho en el bajo, Orlando Sequera en la trompeta y Javier Contreras en la batería, contando además con la participación de José Angulo en la guitarra eléctrica.

Un concierto agradable para abrir el VII Festival de jazz de la UC. Una velada muy rica en sonidos, con mucha dosis de nostalgia y buen jazz. Bravo por UC Jazz en sus 40 años de vida artística

Festival de Jazz UC 2007

2007-04-20T09:25:00.000-04:00

Vuelve el jazz a tomar el territorio carabobeño, a hacerse presente en el Centro Cultural Eladio Alemán Sucre, punto de referencia cultural de la capital del estado Carabobo. Este año, el Festival de Jazz de la Universidad de Carabobo (UC, por sus siglas) le rinde homenaje a UC Jazz, agrupación pionera en la difusión del jazz en Venezuela, quienes cumplen 40 años de labor. La oferta de este año es la siguiente:

Martes 24 de Abril: UC Jazz.

Miércoles 25 de Abril: Gilberto Ojeda y Baroko Jazz.

Jueves 26 de Abril: Big Band de la Banda Sinfónica 24 de Junio.

Viernes 27 de Abril: Valencia Jazz Trío.

Sábado 28 de Abril: Kitimba Jazz.

Los conciertos se llevarán a cabo en el auditorio del Centro Cultural Eladio Alemán Sucre del diario El Carabobeño a las 7:30 pm. La entrada es completamente gratuita. Allá nos vemos.

Sobre la lectura de blogs

2007-04-13T11:19:00.000-04:00

Vía Marianne llegó este cuestionario. Aquí van las preguntas con mis respuestas,

1.-¿Qué clase de información buscas en un blog?
Más bien, puede decirse que encuentro cosas que no están en mi pentagrama. Leo muchos blogs, cuando el tiempo lo permite, y siempre existen contenidos que atrapan, que aportan. Es como entrar a una discotienda sin tener un disco en la mente y toparse con agradables sorpresas.

2.- ¿Crees que existen seudónimos que hayan logrado respeto tanto o más que los que firman con nombre y apellido?
Para ganar respeto lo importante es mantener una postura coherente, hacer las cosas bien. Como decimos por acá, hay que “estar en clave”.

3.- ¿Dar el nombre en el blog asegura la credibilidad y significa dar la cara?
No necesariamente. Si tienes un plante falso jamás podrás tener la credibilidad requerida.

4.- ¿Qué te hace volver a un blog y convertirte en lector(a) fij@?
La calidad es un primer factor a la hora de regresar. Por otro lado, contenidos interesantes, amenos, curiosos y sencillamente novedosos. Aunque mi tendencia natural en estos medios es hacia la música y la literatura, siempre me doy una vuelta por otros territorios. Existen muchos blogs que me hacen volver.

5.- ¿Por qué sueles comentar?
Cuando tengo algo que aportar.

Seguimos en clave...

Come on in - Vital Information

2007-04-03T09:45:00.000-04:00

Desde hace algunos años le he seguido el rastro al baterista Steve Smith, buscando esas huellas que va dejando en el aire cada vez que las baquetas van golpeando platillos y parches para que los sonidos puedan hacer acto de presencia. En los tiempos en que comandaba el ritmo en la banda Journey o en la época en que tocaba con Jean-Luc Ponty, Steve Smith destacaba por la ejecución de ritmos sólidos, cargados de creatividad y colorido, intrincados, mostrando que su estilo de tocar estaba perfilado hacia la evolución, hacia lo progresivo, en fin, apuntando las nobles flechas de madera hacia otros territorios. Todo esto se ha visto reflejado en la agupación Steve Smith's Vital Information, cuarteto dedicado a explorar y desarrollar las vertientes del jazz que se cruzan con otros géneros musicales. Dicho en otras palabras, fusión. Come on in, producción realizada en el año 2004 por esta agrupación, la cual nos muestra a una banda que explora territorios amplios, con una multiplicidad de colores que se dejan ver a través de cada compás, una paleta que se revela con matices provenientes del sur de la India, los cuales se mezclan muy bien con las tonalidades que surgen del siempre impredecible jazz, de lo profundo del blues y la vivacidad del funk, así como de otras expresiones urbanas. Vitalidad y densidad, ritmos sólidos, aportes de diversas culturas y un alto nivel de ejecución son algunas de las cosas que podemos encontrar en las rutas que Vital Information está trazando sobre los pentagramas.

Personal:

Tom Coster: Hammond B-3 organ, Fender Rhodes, accordion

Frank Gambale: Guitar

Baron Browne: Acoustic & electric basses

Steve Smith: Drums

Track List

1. Tunnel Vision
2. Beneath the Surface
3. Cat Walk
4. Around the World
5. Soho
6. A Little Something
7. From Naples to Heaven
8. Baton Rouge
9. Fine Line
10. High Wire

Lentement, Madmoiselle

2007-03-27T22:47:00.000-04:00

Lentamente, de una forma muy delicada, la música generada en las seis cuerdas de una guitarra se va haciendo dueña de los espacios, se hace presente, toma posesión de los caminos del jazz y nos muestra como sus aromas han llegado a trascender hasta diversos territorios. El jazz - siempre el jazz - en algún momento tuvo el cálido encuentro con la rica tradición gitana de Europa, siendo Django Reinhardt punto focal de aquella unión que definiría nuevos caminos impregnados de sonoridades, caminos trascententes, caminos perdurables. Y han sido, precisamente, estos caminos perdurables los que ha tomado el guitarrista venezolano Gonzalo Micó con la producción Lentement, Madmoiselle del año 2003, trabajo hecho para rendir tributo a Jean Baptiste Reinhardt, una de sus grandes influencias a la hora de acariciar las cuerdas de la guitarra. Con muchos matices provenientes del Be-Bop, así como la importante presencia del repertorio perteneciente al gitano nacido en Bélgica, Micó logra homenajear con sonidos el legado de uno de los músicos de mayor estatura dentro del jazz, confabulando sonidos y colores en forma armoniosa, llevándonos a caminar por las calles repletas de historias de la ciudad luz. Más allá del homenaje, Gonzalo Micó refleja, una vez más, el profundo amor que profesa por la música, así como la influencia generada por sus referentes en estos terrenos sonoros, elementos vitales en su formación como proveedor de sonidos. Un disco que nos conduce por trece temas del repertorio de Reinhardt vistos desde la óptica de un músico que ha hecho del jazz su estancia de bienvenida, su propio hogar.

Track List

1.- Troublant Bolero (Bolero de Django) (D.Reinhardt - S. Grappelli)
2.- Lentement Mademoiselle (D.Reinhardt )
3.- Swing 42 (swing reverie) (D.Reinhardt )
4.- Fleur D`Ennui (D.Reinhardt )
5.- Djangology (D.Reinhardt - S. Grappelli)
6.- Anouman (D.Reinhardt )
7.- Moppin` the Bride - Micro (D.Reinhardt )
8.- Blues for Ike (D.Reinhardt )
9.- Nuages (D.Reinhardt )
10.- Tears (D.Reinhardt )
11.- Swing 39 (Je T`aime) (D.Reinhardt - S. Grappelli)
12.- Le Manoir de Mes Reves (Django`s Castle) (D.Reinhardt )
13.- Minor Swing (D.Reinhardt - S. Grappelli)

Créditos

Gonzalo Micó (Guitarra)
Marcus Vinicius (Piano y Teclado).
Gerardo Chacón (Contrabajo)

Willy Díaz (Batería).
Rafael González (Percusión tracks 1,4).

Pailas que observan

2007-03-07T11:33:00.000-04:00

Ellas me observan, aunque a veces lo disimulan muy bien. Saben que no hay tregua cuando se trata de afincar. Total, siempre son generosas en ofrecer lo mejor de su repertorio cuando se les trata con el respeto merecido. Me siguen observando, aunque creo que aun no saben que yo tambien las observo. Sin pena me acerco, lentamente, cual cazador, olfateando toda la sustancia que brota del bronce con el que fueron concebidas. Las baquetas, suerte de remos que me permiten desplazarme sobre aguas caribeñas, se encuentran allí, haciendo guardia, esperando su momento. Todo hace juego allí, cada cual desde su asiento, cada campana colgada al asta central de las pailas, cada platillo que se muestra cual sombrilla de café parisino, cada parche templado abarcando el espacio necesario para llenar las velas con todo el aire hecho sonoridad. Llego frente a ellas, sonreimos un poco, dejando que la complicidad llegue al punto ideal. Tomo las baquetas mientras observo a mis compañeros de aventuras musicales, cada quien en su sitio, atentos a la señal para iniciar el viaje por territorios donde los caminos del jazz y del caribe se vuelven uno solo. Ellas - las pailas - apartan la timidez una vez que el director marca el compás. Y comienza el viaje, donde el pentagrama se vuelve un mapa sonoro, donde el jazz hace que se vayan abriendo nuevas rutas, nuevos caminos, nuevas señales.

Ellas siempre están allí, en su sitio de honor, prestas a mostrar todo su poder, abriendo lentamente las ventanas que dejan pasar la luz de sus secretos, regando de ritmo todo el espacio, iluminando territorios con el fuego que nace en medio de una descarga. Ellas siempre responden al llamado, son cómplices en esto de hacer que los sonidos puedan guardar una estrecha relación entre ellos. Las observo complacido, su misión - que no sumisión - se cumple. Y lo siguen haciendo.

Los influyentes III - Patato Valdés

2007-02-28T13:34:00.000-04:00

Carlos "Patato" Valdés

Un conguero con mucha melodía, que pinta con hermosos colores toda la gama de sonidos que pueden surgir del contacto de las manos con el cuero templado de un tambor. Maestro del ritmo, capaz de poner a gozar a medio mundo, bien con la cadencia viva del ritmo que ha echado raíces en sus manos o con sus bailes sobre las propias tumbadoras. gente como Dizzy Gillespie, Tito Puente, Machito o Mario Bauzá, entre tantos, reconocieron su talento. Y por si fuese poco, hasta Brigitte Bardot recibió clases de mambo de la mano del cubano nacido el 04 de Noviembre de 1926. Patato siempre será una influencia para todos los que nos acercamos al frente de unas congas. Su sonido melódico, multicolor, nos permite recordar que se pueden dibujar paisajes tropicales a través del ritmo.

Alfredo Naranjo y El Guajeo

2007-02-23T20:09:00.000-04:00

El viaje es casi inmediato, sin escalas, directo a una de esas rumbas tan sabrosas que se viven en el ya mítico "El maní es así", suerte de templo caraqueño de obligada visita para el amante de la salsa brava. El vehículo es la producción más reciente de Alfredo Naranjo y El Guajeo, grabada en el año 2006 para el sello Cacao Música. Apenas uno va escuchando las primeras notas, el sabor que se ha ido añejando en años brota madurado, exquisito tanto para el bailador más exigente como para aquellos quienes que buscan retos a nivel auditivo. Lo de Alfredo Naranjo no es cuento, ni falsas posturas, es un trabajo realizado desde la perspectiva de un músico que ha sabido sortear dificultades a base de talento, estudio y mucho sentimiento de gratitud y honestidad hacia la música. Aquí lo que se destila es sabor, baile, gozo, urbanidad., en fin, salsa de la buena, esa que invita a afincar los mejores pasos y contagiarse con todo ese espíritu festivo sin menospreciar el alto nivel musical. Guajeo cuenta con un grupo de talentosos músicos de amplia experiencia en la movida salsosa venezolana, así como invitados de lujo que realzan esta producción discográfica. Todo un viaje hacia la buena rumba, con aires de jazz, descarga y mucho sabor, mostrando toda la madurez musical que Alfredo Naranjo ha logrado cosechar a través del tiempo. ¡Pa’ ti, Guajeo!

Temas:
1.- Introducción
2.- Mi socio
3.- Guajeo y su rumbatá
4.- Mueve
5.- Los caballos
6.- Ella
7.- Linda
8.- Cómprame mi disco
9.- Master Tito
10.- Caramelo
11.- Baila
12.- Guajeando
13.- Dile que venga
14.- Payaso

Créditos
Alfredo Naranjo: Vibráfono, Xilófono, Piano, Coros
Miguel Urbina : Tumbadora, Tambores Batá
Frank Márquez : Timbal;
José “Cheo” Navarro: Bongó
Luis Pacheco: Piano
José Torres: Piano
Carlos Rodríguez: Bajo
Gerardo Chacón : Bajo
Javier Vivas : Trompeta, Fliscorno, Coros
Gerald Chacón: Trompeta
Eric Chacón: Flauta
Edgar “Dolor” Quijada: Voz, Coros
Francisco Vielma: Percusión
Johnny Rudas: Tambores Batá, Percusión
Kenny Quintana: Tambores Batá, Percusión
Carlos Hurtado: Coros

Invitados
Alí Bello: Violín
Jimmy Bosch: Trombón
Pablo Gil: Saxo tenor
Luz Mabel medina: Piano
David Peña: Contrabajo
Luis Julio Toro: Flauta piccolo

Suena a salsa con jazz

2007-02-11T17:35:00.000-04:00

Suena cabilla, muy actual, fuertemente aderezado con jazz, pero cabilla al fin. Muchos son los aromas que se perciben en la producción Suena a salsa con jazz hecha por la agrupación Cabijazz. Liderados por el talentoso músico venezolano Alvaro Paiva Bimbo, Cabijazz emerge para hacerse, por propio y justo derecho, de un lugar importante dentro de la movida musical venezolana, ofreciendo una combinación de salsa brava y jazz, sin despreciar el aporte de diversos géneros como rap, timba, funk, rock, entre otros, mostrando un sonido muy urbano, con el dinamismo que caracteriza el devenir diario de una ciudad, reflejando colores y sonoridades entremezclados con los matices culturales que la ciudad ofrece sin temores. En once sabrosos temas se aprecia el trabajo conceptual que Alvaro Paiva Bimbo ha desarrollado con mucho ingenio y talento para responsabilizarse de la guitarra, los areglos y dirección de la banda; la solidez y el colorido del ritmo aportado por Patricio "El Chino" Díaz en el complejo arte de la pailetería cubana así como la fuerza de las tumbadoras a cargo de Roberto Moreno. El saxo tenor corre a cargo de Julio Flores, uno de nuestros más detacados ejecutantes del instrumento, Rodner Padilla aporta las notas oscuras y el necesario tumbao del bajo, mientras Pablo Ortiz saca a relucir lo suyo frente a las teclas del piano. En cuanto a las voces, Vielka Prieto, Elías Bruzual y Ronald González derraman el sabor necesario para que la salsa con jazz suene poderosa, contagiante. Capaz de satisfacer tanto al bailador como al melómano, Cabijazz aporta lo novedoso y actual con aquel sabor que aun se rememora. Cabijazz suena heavy, mostrando como se puede hacer música de un alto nivel sin sacrificar elementos importanes como el baile y el sabor. Para gozarlo y disfrutarlo a más no poder. Es menester tenerlo.

El bonche de los hermanos Chang

2007-02-09T22:39:00.000-04:00

Nadie se salva de la rumba, y los hermanos Chang no lograron escaparse del bonche en su aniversario. Esta vez, el negocio escogido ha sido una agencia de festejos, nada mejor para celebrar el primer año de sus andanzas.

http://hermanoschang.blogspot.com

Rhythms del mundo

2007-02-04T11:53:00.000-04:00

Los buenos amigos siempre tienen esa capacidad de ofrecernos gratas y delicadas sorpresas, detalles que dibujan una mutua sonrisa de alegría y gratitud, de satisfacción por conocer lo que a una persona le alimentará el espíritu. Así pasó cuando, vía Oriana, llegó a mis manos Rhythms del mundo, una producción caraterizada por la integración de culturas aparentemente disímiles, pero que tienen un decidido punto de encuentro en un pentagrama. Así podemos ver integrados a gente como el laudista Barbarito Torres, el timbalero Amandito Valdés, el trompetista Manuel ‘Guajiro’ Mirabal, el bajista Orlando López ‘Cachaíto’, así como las voces de Ibrahim Ferrer y Omara Portuondo, todos miembros del proyecto Buena Vista Social Club. Junto a ellos destaca la participacion de Sting, Maroon 5, Coldplay, Radiohead, entre otros, aportando temas para ser integrados a este proyecto, logrando establecer un vínculo entre diversas corrientes musicales que circulan desde diversos orígenes. Más allá de la capacidad integradora de esta producción, está el hecho de colaborar con la fundación Artists' Project Earth (APE, por sus siglas), quienes tienen como propósito colaborar en la creación un mundo mejor llevando la música y otras artes hacia los retos que se enfrentan en la actualidad, creando conciencia y educación sobre desastres ambientales y apoyando iniciativas del desarrollo sustentable. Un disco refrescante, llamativo, curioso, que nos recuerda lo que en su momento hizo gente como David Byrne con su producción Rei Momo. Los sonidos no conocen fronteras, por ello se pueden abrazar de manera amable sin distinguir el sitio de donde provengan. ¡Gracias, Oriana!

Track List

1. Clocks - Coldplay
2. Better Together - Jack Johnson
3. Dancing Shoes - Arctic Monkeys
4. One Step Too Far - Dido & Faithless
5. As Time Goes By - Ibrahim Ferrer
6. I Still Haven't Found What I'm Looking For - U2 & Coco Freeman
7. She Will Be Loved - Maroon 5
8. Fragilidad - Sting
9. Killing Me Softly - Omara Portuondo
10. Ai No Corrida - Vania Borges feat. Quincy Jones
11. Modern Way - Kaiser Chiefs
12. Don’t Know Why - Vania Borges
13. Hotel Buena Vista - Aquila Rose & Idania Valdez
14. The Dark of the Matinee - Coco Freeman feat.
Franz Ferdinand
15. High and Dry - El Lele de Los Van Van feat.
Radiohead (samples)

Bonus Track.
Casablanca (As time goes by) - Ibrahim Ferrer & Omara Portuondo

Creditos

Frank Rubio (bass)
Harold Lopez Nussa (piano)
Roberto Fonseca (piano)
Tomas Ramos,el Panga (congas y percussion menor)
Carlos Alvarez Guerra (trombone)
Miguel Valdes de la Hoz (trumpet)
Demetrio Muniz (trombone)
Barbarito Torres courtesy of Havana Caliente and Harbour Bridge.(laud)
Jorge Chicoy (guitar)
Antonio Garcia (sax tenor)
Emilio del Monte (timbale)
Jorge Braund (trumpet & fliscorno)
Jorge Boulet (piano)
Pablo Menendez (guitar)
Arelis Zaldivar Copello (cello)
Ariel Sarduy Mendez (violin)
Roberto Herrera Diaz (viola)
Augusto Diago Carreras (violin)
Roberto Garcia Lopez (trumpet)
Orlando Lopez ‘Cachaito’(bass)
Emilio Morales (piano)
Manuel ‘Guajiro’Mirabal (trumpet)
Amadito Valdes – (percussion) plays his own timbal & sticks model:Meinl Artist Series with drumheads Evans and Regal Tip exclusively
Rafael Pablo Paseiro Monzon (bass)
Yaroldy Abreu Robles (conga)
Felix Martinez Montero
Alberto Hernanez Plasencia – (perc)
Virgilio Valdes (perc)
Filiberto Sanchez Aguiar (timbales)
Angel Terri Domech (percussion)

Los gringos:
Danny Cummings (percussion)
Kenny Young (percussion)
Ben Brierly (guitar)

Cantantes:
Ibrahim Ferrer
Omara Portuondo
Vania Borges
Coco Freeman
Roberto Hernandez
Abdel Rasalps, el Lele
Idania Valdes Casuso
Aquila Rose

Coros y voces adicionales:
Ivon Suarez
Oscar Fuigeroa
Liagne Reina
Iris Avila
Miguel Patterson
Idania Valdes
Casuso
Vania Borges
Aquila Rose
Freya Lee

RDM Cuba - Production Credits
Produced by Kenny Young for Artists' Project Earth (APE)
Concept by: Kenny Young and the Berman Brothers
Co-producers: The Berman Brothers for Musicworks/Ape Vision
Director of Musicworks Group: Ron Oehl
Musical arrangements: Demetrio Muniz, Miguel Patterson and Kenito
Engineers: Carlos Raul de la Vega Guerrero @ Abdala Studios (Havana), Laurence Brazil @ Lazy Moon Studios (UK), Andreu Ferrer Felez-Rozasul Studios (Barcelona SP)
Mixed by: Laurence Brazil and Kenny Young @ Lazy Moon Studios
Assistant engineers: Omar Valladares, Evelyn Alvarez @ Abdala
Mastering: Tim Young @ Metropolis Studios (London)
Adapted translations of songs (to Spanish): Victor Reina,Sigfredo Ariel
Producers’ assistants: Yoana Grass, Fariel Camacho
Song Translations: Miguel Alexiades, Monica von Thun Calderøn
Artwork: MM Design (Sheffield) by David Menezes and Gareth Scott – www.mmdesign.co.uk

Red Dragonfly (AKA Tombo)

2007-01-28T22:00:00.000-04:00

Muchos elementos integradores de culturas y sonidos se perciben apenas se escuchan las notas de Red Dragonfly (AKA Tombo), producción hecha por la canadiense Jane Bunnett en el año 2004. Una propuesta muy personal, osada, si se quiere, donde Bunnett logra integrar sonidos de diversas latitudes del globo terráqueo hasta llevarlas al terreno del jazz, sin que ninguna de las tendencias acá mostradas pierda su esencia y espíritu. Desde un canto tradicional Navajo hasta expresiones originarias de Cuba, Brasil o Japón, se muestran generosos a través de la propuesta liderada por Bunnett. Por otra parte, la participación del Penderecki String Quartet resulta importante para abrir las puertas hacia posibilidades sonoras de mucha riqueza y creatividad. Una propuesta sólida, cargada de mucha sensibilidad, donde Bunnett logra imágenes coloridas, claras, con un enfoque multicultural y de mucha riqueza.

Red Dragonfly (AKA Tombo) 2004

EMI Music Canada/Blue Note Records

Producido por Larry Cramer

Arreglos : Don Thompson, Hilario Durán, David Virelles, Jane Bunnett

Tracks

1. Odira-E (Brazil)

2. Red Dragonfly (AKA Tombo) (Japan)

3. Heaven's Gate

4. Black is the Color (American Traditional, Appalachian)

5. Witchi Tia To (adaptation, Navajo Peyote chant)

6. Maria La O (Cuba)

7. She's Like a Swallow (Canadian)

8. Rabo de Nube (Cuba)

9. Divule Oni (Cuba)

10. Nkosi Sikelel'i Africa (South African - 1897)

11. Moon Over Ruined Castle (Japan)

12. Un Canadien Errant (Quebec, Canada).

Créditos

Jane Bunnett: Saxo soprano

Mark McClean: Batería

David Virelles: Piano

Larry Cramer: Trompeta & Flugelhorn

Kieran Overs: Bajo acústico.

Penderecki String Quartet

Christine Vlajk: Viola

Jerze Kaplanek: Primer violín

Jeremy Bell: Segundo violín

Simon Fryer: Cello

Michael Brecker - In memoriam

2007-01-17T10:39:00.000-04:00

Michael Brecker

Sax tenor, compositor

(Philadelphia 1949 - New York, 13/01/2007)

Fue miembro de la inolvidable banda Dreams, junto con su hermano, Randy Brecker, y el gran Barry Rogers. Igualmente tuvo la oportunidad de tocar con gente como Charles Mingus, Horace Silver, Pat Metheny, Randy Brecker, Chick Corea y Frank Zappa, entre otros. Lo caracterizaron una depurada técnica y una capacidad de crear un estilo que nadaba entre las aguas del jazz y del rock, siempre buscando la evolución de su sonido. Paz a sus restos.

Garrafieira

2007-01-08T11:02:00.000-04:00

Garrafieira (2004)

Comienzo el año con buen pie. De eso se trata. Unos cuantos CD llegan a mis manos. Mejor dicho, se trasladan directamente hacia mis oídos, buscando su espacio reservado en el gusto y la memoria. Entre tantas cosas que he escuchado en estos días, Garrafieira se va mostando como una de las agradables sorpresas provenientes de Brasil, con una mezcla de samba, baião, jazz, rock, bossa, música electrónica y hasta algunos elementos provenientes del gran Caribe, ofreciendo un repertorio cargado de buen gusto, muy agradable al sentido auditivo, buscando un sonido universal, abriendo diversos espacios para que puedan acoplarse tendencias musicales de distinto origen. Pero el asunto no concluye acá, Garrafieira es capaz de invitar al baile con arreglos orquestales dotados de sabor y creatividad, un conjunto de músicos que pueden realizar solos con suficiente solvencia y expresividad, así como la ya conocida dosis de saudade que caracteriza los sonidos que emergen del gigante amazónico. Una agradable sorpresa, sin duda.

MUSICOS

Gabriel Improta (Guitarra, violão)

Marcelo Bernardes (Saxo y flauta)

Thiago Queiroz (Saxo)

Alexandre Caldi (Flauta)

Darcy da Cruz (Trompeta)

Rodrigo Villa (Bajo)

Cassius Theperson (Batería)

Mariana Bernardes (Voz)

Aleh (Voz)

TRACK LIST

1 O Morro NaoTem Vez

2 Casa Forte

3 Delmiro y Aninha

4 Bananeira/Tim Dom Dom

5 Carolina

6 Mais Pagode Do Que Jazz

7 Garrafieirando

8 Lamento No Morro

9 Dom Augustine

10 Samba da Minha Terra

11 Ate Quem Sabe

12 Serramar

13 Bananeira [Remix]

Feliz 2007

2006-12-31T11:25:00.000-04:00

El año que se avecina se me asemeja a una partitura de un tema de jazz recién llegada a las manos, de estreno, con varios compases escritos y de obligatoria ejecución, pero también con sus espacios dedicados a la improvisación sobre temas conocidos o no, de manera expresiva, profunda, en fin, para bañar de vida los momentos por venir. Momentos que nos pueden llevar a territorios inexplorados, a conocer paisajes escondidos, a expresar sentimientos, a descifrar sonidos que emanan de la tierra, a marcar los ritmos que van señalando el camino a seguir, siempre con cadencia propia, siempre en clave.

A quienes llegan, a quienes pasan, a quienes se quedan, a todas y todos, sin distingo alguno, mis deseos por un 2007 lleno de ritmo contagiante y alegre, de sabor inconfundible, de armonías sólidas y melodías que los lleven por senderos seguros.

Seguimos en clave….con mucho Aché.

Saravá!

James Brown - In memoriam

2006-12-25T17:28:00.000-04:00

JAMES BROWN

James Joseph Brown (3 de mayo de 1933 - 25 de diciembre de 2006)

Ha partido el llamado "Padrino del Soul". Influyente en voces como las de Mick Jagger o David Bowie. Referencia obligada en la música Pop de los últimos 50 años. Más allá de todos sus logros musicales, lo cual incluye medio centenar de álbumes y un poco más de 119 sencillos en las listas de popularidad, siempre fue un hombre compormetido con las luchas sociales. Además, se le ha considerado un factor determinante en la defensa de los derechos civiles.

¡Feliz Navidad!

2006-12-19T08:39:00.000-04:00

Hoy pienso en la Navidad, en los buenos deseos, en el compartir con familiares y amigos, en ver la alegría de los niños cuando corren a buscar los regalos junto al pesebre o bajo el arbolito. Por ello, considero propicia la ocasión para compartir con ustedes uno de los textos que cada Navidad me acompaña, se trata de Navidad, si tu vuelves, de la pluma de José Natalio Sequera, mi abuelo, responsable de buena parte de la formación musical de quien les escribe.

NAVIDAD, SI TU VUELVES

José Natalio Sequera Q.

Navidad, si tu vuelves
ven con pan, no con lágrimas.
Trae la risa y el canto
hasta el humilde rancho
del niño campesino.
Trae la oliva, que es fé
y la uva, que es buen tiempo.
Acuérdate que hay niños
que lloran todo el año
por un par de alpargatas,
por un vestido viejo,
por un modesto techo
que les brinde una sombra.
No nos traigas cohetes,
ni cañones al aire,
ni nada que remede lo que inquieta a los niños.
Los niños sólo piden
con un juguete sano, su sana golosina,
con los cantares típicos, su cena navideña;
un trajecito pobre, sea de lino o de dril
y un humilde calzado con que cubrir sus pies.
Navidad, si tu vuelves,
recordad que por esto
es que los niños mandan
cartas al Niño-Dios.

A todos los que se acercan por este lugar, les deseo una Feliz Navidad.

Con mucho Aché!!!

Simpático - Brian Lynch / Eddie Palmieri Project

2006-12-17T16:15:00.000-04:00

Desde hace algunos años, el trompetista Brian Lynch ha estado presente en varias de las producciones discográficas del maestro Eddie Palmieri, mostrando siempre un sonido dotado de fuerza, muy influenciado por el be-bop pero fuertemente aromatizado por los vientos que provienen del caribe y sus alrededores. Esta vez, el proyecto es compartido, intentando cada uno aportar lo suyo, visiones desde similares ángulos que apuntan hacia un común objetivo. Simpático ofrece los siempre sólidos montunos de Palmieri, bañados de mambo y de jazz, osados e irreverentes. Por su parte, Lynch, quien fué el último trompetista de Art Blakey & The Jazz Messengers, aporta sus ideas provenientes del Bop y de sus inclinaciones hacia la música afrocaribeña, incluyendo 20 años de participación en los proyectos liderados por Eddie Palmieri. Sabor y swing incluídos en un trabajo donde el maestro y el alumno logran establecer una fuerte comunicación y un intercambio de ideas, mucho sabor, arreglos inteligentes y nombres destacados como Yosvany Terry, Phil Woods o Giovanni Hidalgo, entre otros, garantizan la cuota necesaria de explosión que se requiere en trabajos de esta naturaleza. Recomendable.

CREDITOS

SIMPÁTICO(The Brian Lynch /Eddie Palmieri Project) 2006

ArtistShare AS0057

Brian Lynch - Trumpet

Eddie Palmieri - Piano

Phil Woods - Alto Sax

Lila Downs - vocal

Donald Harrison - Alto Sax

Conrad Herwig - Trombone

Gregory Tardy - Tenor Sax, Clarinet

Yosvany Terry - Alto Sax

Mario Rivera - baritone sax

Boris Kozlov - bass

Ruben Rodriguez - bass

Luques Curtis - bass

Danfis Prieto - drums

Robby Ameen - drums

Giovanni Hidalgo - conga

Pedro Martinez - conga, bongo, campaña, vocal

Little Johnny Rivero - bongo, campaña

Marvin Diz - timbales

Pete Rodriguez - maracas, guiro

Adam Rogers - guitar

TEMAS

The Palmieri Effect

Que Seria La Vida

Guajira Dubois

Jazz Impromptu

Paginas De Mujer

Slippery

Jazzucar

Tema Para Marissa

Freehands

Blue train

2006-12-14T08:45:00.000-04:00

Legendaria grabación, de esas que jamás pasarán de moda. Claro, la buena música siempre está, perdura, trasciende. Blue train tiene la gran virtud de ser un disco encumbrado en los niveles más altos mostrados por John Coltrane. Muchos son los aromas que pueden percibirse al escucharlo: La vena íntima de una balada que puede llevarnos por una travesía lenta por cálidos paisajes, la densidad y espiritualidad del blues y la libertad que el jazz otorga a quienes se acercan a ese terreno de improvisación y expresión artística. Todos estos son elementos que hacen vida común en esta producción discográfica, perfectamente apreciables, digeribles, fluyendo desde los confines del alma de un músico que siempre se caracterizó por estar a la vanguardia, buscando siempre tener un sonido característico, puro, definiendo nuevas formas de expresión a través del saxofón. Blue train, a mi juicio, conforma junto a Giant steps y A love supreme, la trilogía de grabaciones de Coltrane que deben tenerse siempre a la mano, infaltables, cuya vigencia aun se mantiene intacta. Imprescindible.

Temas

Blue Train (10:43)
Moment's Notice (9:10)
Locomotion (7:14)
I'm Old Fashioned (7:58)
Lazy Bird (7:00)

Créditos

John Coltrane - Saxofón tenor
Lee Morgan - Trompeta
Curtis Fuller - Trombón
Paul Chambers - Bajo
Kenny Drew - Piano
Philly Joe Jones - Batería

Ban Ban Quere

2006-12-12T08:41:00.000-04:00

De la época en que Rubén Blades cantaba en la orquesta de Ray Barretto. Allí se los dejo (Eso sí, si les provoca bailar, no dejen de hacerlo)

Día del Locutor

2006-12-11T13:18:00.000-04:00

Renny Ottolina

Una profesión hermosa, que me ha llenado de muchas satisfacciones y alegrías. Recuerdo que en mi niñez jugaba a ser locutor grabando las noticias del periódico en un viejo cassette, y disfrutaba a montón con personalidades como Renny Ottolina, Adolfo Martínez Alcalá y otros tantos a quienes tenía como ejemplo de lo que debería ser un buen profesional de la locución. Sin embargo, siempre fue Renny el que me influenciaría, radio y TV mediante, a querer asumir esta profesión por toda aquella sobriedad que mostraba frente al micrófono, una facilidad de expresión sin par, coherencia total en sus ideas y un nivel de calidad de sus producciones solo superada por su estatura y dimensión profesional.

Con el pasar del tiempo, logré alcanzar la meta propuesta, intentando mejorar cada día y tratando de darle mayor dignidad y altura al oficio. Vaya mi felicitación a todos aquellos colegas que cada día luchan y se esmeran por enaltecer esta profesión y darle el valor que se merece.

Mingus Ah Um

2006-12-11T09:46:00.000-04:00

Existen grabaciones que perduran en el gusto, que con el paso del tiempo siguen teniendo ese sabor agradable y honesto, donde se puede apreciar la osadía y las ganas del músico de tener un sonido propio, de aportar elementos que le permitan a la música seguir en su constante evolución, sin concesiones o sacrificios del nivel de calidad que siempre debe exigirse. Estas premisas le pueden permitir a un músico estar siempre a la vanguardia, innovar, perdurar en el tiempo, trascender, definir un camino que pueda ser seguido por quienes, seguramente, vendrán a retomarlo. Mingus Ah Um es una de esas grabaciones cuya luz aun sigue iluminando infinitos caminos, que muestra toda la fuerza creativa y el talento de Charles Mingus, uno de los músicos que levantó su propio y sólido pedestal a base de talento y originalidad. Mingus pudo integrar en una misma propuesta elementos como el gospel, el jazz y la música clásica para hacerse de un lenguaje propio, denso, amplio. Mingus Ah Um nos muestra, además, la reverencia del músico hacia tres de sus influencias más notorias de tres grandes nombres: Duke Ellington, Charlie Parker y Lester Young. Por otro lado, el peso de Mingus como bajista, compositor y líder de agrupación se hace sentir, llevando siempre la agrupación por caminos sonoros poco transitados, pero llenos de magia y sobriedad, con osadía y mucho sentido, con formatos orquestales atípicos, pero manejados de manera segura, irreverente, efectiva. Mingus Ah Um sigue teniendo vigencia desde su aparición en el año 1959 por tantas y tantas razones que solo la música puede explicar. Aun me sigue cautivando.

Créditos
Charles Mingus — Bajo, Piano (Con Parlan en 10)

John Handy — Saxo alto (1, 6–7, 9–12), Clarinete (8), Saxo tenor (2)
Booker Ervin — Saxo tenor
Shafi Hadi — Saxo tenor (1–4, 7–8, 10), Saxo alto (5–6, 9, 12)
Willie Dennis — Trombón (3–5, 12)
Jimmy Knepper — Trombón (1, 7–10)
Horace Parlan — Piano
Dannie Richmond — Batería

Temas:

1.- Better Git It in Your Soul
2.- Goodbye Pork Pie Hat
3.- Boogie Stop Shuffle
4.- Self-Portrait in Three Colors
5.- Open Letter to Duke
6.- Bird Calls
7.- Fables of Faubus
8.- Pussy Cat Dues
9.- Jelly Roll
10 .- Pedal Point Blues
11.- GG Train
12.- Girl of My Dreams (Sonny Clapp)

(Autor de todos los temas: Charles Mingus, excepto #12)
1, 6–10: Grabados el 05 de May0 1959; en Columbia 30th Street Studio, New York City.
2–5, 11–12: Grabados el 12 de Mayo 1959; en Columbia 30th Street Studio, New York City.

Deixar Você

2006-12-07T08:43:00.000-04:00

Deixar você
Composição: Gilberto Gil

Deixar você ir
Não vai ser bom
Não vai ser
Bom pra você nem melhor pra mim
Pensar que é só
Deixar de ver e acabou
Vai acabar muito pior

Pra que mentir
E fingir que o horizonte
Termina ali defronte
E a ponte acaba aqui
Vamos seguir
Reinventar o espaço
Juntos manter o passo
Não ter cansaço
Não crer no fim
O fim do amor, oh não!
Alguma dor, talvez sim
Que a luz nasce na escuridão

Deixar você ir...
Pra que mentir...
Que a luz nasce na escuridão
Guarde tudo em seu coração
Que a luz nasce na escuridão

Ritmos y sonidos

2006-12-06T15:34:00.000-04:00

No temas contagiarte con mi ritmo

Llevo rato frente a ellas. Las observo con detenimiento, como tratando de encontrar los senderos que, a veces, creemos perdidos. Voy trazando rutas, unas más agrestes que otras, definiendo formas que me permitan crear nuevos caminos. Mis manos se confunden con el templado cuero, hablando en el código que ellas y yo ya comprendemos, total, ellas siempre duermen a mi lado y se han convertido en cómplices de muchas experiencias anotadas en mi cuaderno. Intento no pensar, y dejo que los ritmos vayan descendiendo del lugar sagrado donde reposan y vengan hasta este rincón a sumarse a la solitaria descarga. Y mis manos comienzan a crecer cual palmeras que puedan brindarte sombra y calor. Así, al frente de mis tumbadoras recojo las palabras y las transformó en ritmos y sonidos que puedan trascender de su efímera existencia, ritmos y sonidos que puedan tomar el avión y llegar hasta el lugar donde hayas decidido refugiarte, para servirte de protección y compañía, ritmos y sonidos que te evocan, dedicados, ritmos y sonidos de mis latidos.

Paz

2006-12-05T09:30:00.000-04:00

Para Você

Siempre se hace necesaria esa sensación de paz, de tranquilidad. Pese a cualquier intento de quebranto de la misma, somos nosotros quienes debemos procurarla para que su morada esté siempre disponible, cerquita, a la mano. Paz es el nombre de la más reciente producción del guitarrista español Niño Josele, quien se ha encargado de unir en una misma propuesta la música de Bill Evans y las raíces flamencas. Un hecho notable resulta el poder trasladar música originalmente hecha para piano a las seis cuerdas de la guitarra, sin que esta música pierda su esencia y su espíritu, manteniendo siempre el elegante lirismo y la sensibilidad, dos puntos importantes dentro de la obra desarrollada por Evans. Aquí presenciamos, una vez más, como la unión de géneros puede ser posible sin discriminarse uno al otro, coexistiendo, acompasados, descargando cada cual lo mejor de sí para darle nuevos colores a los sonidos, donde Niño Josele vuelca toda la expresión flamenca en el jazz, y viceversa. En esta grabación destaca la presencia el insustituible Jerry González en la trompeta, Horacio "El Negro" Hernández en la batería, Joe Lovano en el saxo, entre otros grandes músicos. Un disco para disfrutarlo sorbo a sorbo, así como se disfruta de un buen vino, dejando que cada nota exprese su mensaje. Sensibilidad y lirirsmo que se dejan ver, exquisito como aquellos nocturnales labios que se conocen, que se extranañ, que me brindan tanta paz.

Créditos:

Niño Josele: guitarra

Estrella Morente: voz

Freddy Cole: piano

Marc Johnson: bajo

Horacio El Negro Hernández: batería

Joe Lovano: saxo

Tom Harrell: trompeta

Jerry González: trompeta

Javier Colina: bajo

Temas:

Peace Piece

Waltz For Debby

The Peacocks

I Do It For Your Love

My Foolish Heart

The Dolphin

Hullo Bolinas

Minha

Never Let Me Go

Turn Out The Stars

When I Fall In Love

Volver a los 17

2006-12-04T11:10:00.000-04:00

Volver a los 17

Despues de vivir un siglo

Es como descifrar signos

Sin ser sabio competente

Violeta Parra

Tiempos aquellos de cierta rebeldía, donde los gustos iban armando su propio perfil, donde las fórmulas se iban decantando hasta hacerse visibles, notables, importantes. Signos que se fueron evidenciando a través de tantos surcos escuchados, de tantas sonoridades que fueron haciendo la irrompible masa de células donde habitan ideas y pensamientos, acciones y reacciones. Tiempos aquellos donde el debate entre tantas tendencias sonoras hacía una verdadera fiesta, celebrando esa necesaria diversidad que debe existir. Paso revista a aquellos días, donde el rock venía a pedir un espacio para compartir tal celebración, la cual aun se sigue realizando con cada movimiento del segundero. Y se van descifrando algunos acertijos, otros van quedando sin respuesta clara, pero de eso se trata, de ir explorando los infinitos caminos de rica sonoridad, buscando descubrir nuevos secretos, nuevas formas. Y así el rock, el jazz, la salsa, el blues. lo clásico, lo autóctono, el folklore, y un sin fin de etiquetas se van colocando en la parte externa de la maleta. Algunas me acompañan desde aquellos días de los diecisiete, otras desde antes, otras que recién llegan. Bienvenidas son todas, siempre y cuando puedan tener la extraordinaria virtud de hacer morada eterna, de tener algo importante que decir, sin dejarse atrapar por vaivenes o ilusiones pasajeras. Aun queda mucho, y el camino escogido sigue siendo largo, pero fascinante, lleno de tantos misterios y sorpresas, mágico como aquellos crepúsculos que evocan un antaño y permiten pensar en futuro. Se hace necesario volver a aquellos tiempos, para recordar desde donde se proviene, para no olvidar lo que se es y para seguir llenando las alforjas de nuevos descubrimientos. Cada vez que puedo, vuelvo a los diecisiete.

Ahora en la red

2006-12-02T09:31:00.000-04:00

Cada sábado propiciamos el encuentro entre el jazz y la música de este lado del planeta, donde convergen sonidos que evocan la diversidad de géneros y ritmos de América Latina y el Caribe que se han amalgamado con el jazz, produciendo una fusión que abrió infinitos caminos de rica sonoridad. Tenemos la fortuna de compartirlo vía "La Caja del Fósforo", cada sábado de 9 a 11 de la noche, a través de la señal de 91.5 FM, ahora en la red. Los espero.

¡Misión cumplida, vieja!

2006-12-01T13:37:00.000-04:00

De izquierda a derecha: El sonero Frankie Vázquez, Fósforo Sequera y Manny Oquendo, Master Timbalero (Maracay, Circa 2001)

La zona de músicos, periodistas, gente de los medios y organizadores siempre está congestionada en cualquier concierto. Gente que va caminando de un lado hacia otro, haciendo cada cual su labor, entretener, la de unos, organizar, la de otros, e informar, grupo entre los cuales me encontraba. La oferta de esa noche era para gozarla en pleno, más si se trataba de la salsa de antaño, esa que nos hace fiesta en el alma con cada compás, esa que se añora, que se revive a cada instante y que tiene adeptos en diversos espacios del planeta. Voy dando pasos acelerados para colocarme al lado de la tarima, tratando de cumplir uno de los objetivos que me había trazado esa noche maracayera. llego al lugar indicado, quizás no era el más cómodo, pero servía para lograr parte del cometido. La banda arrancaba con sus característicos trombones, ásperos, fluyendo de ellos una suerte de huracán caribeño que no arrasaba con la multitud, más bien los contagiaba del espíritu festivo y poderoso que simboliza la salsa newyorkina. El bajo y las tumbadoras mantenían esa complicidad necesaria para hacer una sólida plataforma donde el resto de la banda pudiese tener asidero seguro. Las pailas, de graves tonalidades, muy sonoras, amarradas a la clave con coloridos pañuelos, estaban en las seguras manos del maestro, quien le ha jurado una fidelidad absoluta a la clave, al sabor, a la herencia, permitiendo que tradición y vanguardia puedan equipararse. Los golpes al timbal tenían un perfecto sentido, enmarcados dentro del aura de libertad que solo una banda como esta podría lograr. Así transcurría la presentación, donde me alimenté de salsa brava como pocos. Al finalizar el show, la acumulación de buena música, y sabor era suficiente como para sentirme satisfecho, sin embargo, debía recordar que tenía la misión de intercambiar palabras con el maestro Oquendo, pilar fundamental del Conjunto Libre, responsable de esa alta dosis de salsa a las que nos había sometido al frente de su legendaria banda. Salté desde mi posición hacia el área de camerinos tan rápido como un quiebre de quintos, con la emoción trepando entre mis neuronas y la esperanza de poder ser atendido en el camerino de la banda. Al llegar al camerino, el comité de bienvenida lo presidía Frankie Vázquez, siempre cordial, quien me invitó a pasar una vez que comprobó que venía a hacer mi trabajo para la radio. Una vez dentro del camerino, los responsables de la salsa y el ritmo del Conjunto Libre reposaban en sus asientos. Por allí veía al maestro Andy González, a Marcus Persiani, a Jorge Maldonado, todos cercanos a la mesa dispuesta con las bebidas y alimentos que se ofrecen en este tipo de eventos. Frankie Vázquez me decía - ¡Date un trago, Fósforo! El maestro ya viene, está en su ritual de desarmar el timbal. Ya te va a atender - Acepté el trago, y me incorporé a la siempre agradable tertulia entre músicos luego de un show. Anécdotas iban y venían, flashes que evidenciaban fotos para la prensa o para el álbum de recuerdos, risas y mucha alegría luego del deber cumplido por los músicos, aunque aun mi cometido no estaba cumplido por completo. A los pocos minutos, la figura de Oquendo apareció en el camerino, cargada de amabilidad y mucha cortesía, siempre con esa musicalidad que lo ha caracterizado por años. Frankie me presenta al maestro, el saludo y el abrazo no se hicieron esperar, más cuando se trataba de un personaje a quien admiraba desde pequeño. Obviamente, la conversación fluyó de manera muy cordial, donde nos paseamos por el estilo tradicional que Oquendo ha preservado por años, por lo que significa el Conjunto Libre y por buena parte de la trayectoria del maestro. A los pocos minutos recibimos un aviso, la banda debía partir hacia el aeropuerto. Volvieron los abrazos, esta vez de despedida, manifestando una vez más mi admiración y respeto por uno de los músicos más importantes que la salsa ha tenido entre sus filas. Salimos del camerino, pero mi rumbo se dirigía hacia el sector donde se encontraban mis colegas de la emisora. Uno de ellos, el pana Horacio Santana, al verme la cara de alegría solo pudo exclamar ¡Misión cumplida, vieja*!

*Vieja: Término utilizado por diversos colegas de la radio como forma jocosa de llamar a otro compañero.

Estoy aquí

2006-11-29T11:14:00.000-04:00

Los últimos años han sido fructíferos para el movimiento musical venezolano. La aparición de nuevas figuras con propuestas cargadas de originalidad, diferentes, novedosas, pero con un nivel de calidad que está por encima del promedio, le ha brindado el matiz de frescura y renovación requerido para proyectar nuestra música hacia nuevos e importantes horizontes. Sin embargo, el mérito podría ser mayor cuando se puede combinar lo académico y lo popular, lo nacional con lo extranjero, sin permitir que uno le estorbe al otro, coexistiendo, generando una sola idea, un solo concepto. Es difícil de lograr, pero no imposible. Muchas de estas propuestas tienen ya algunos años de vigencia y fueron verdaderos sucesos a nivel musical (lo creado por Vytas Brenner en su tiempo es una muestra de ello). En estos tiempos cobra mucho mayor valor el trabajo que se realiza de manera sistemática, con mucho sentido, buscando nexos entre lo popular y lo académico, tratando de establecer cuáles son las similitudes entre diversas culturas, llámense jazz, flamenco, música académica y música venezolana, en este caso. Toda esta suerte de introducción viene dada por el trabajo que ha venido desarrollando por la pianista venezolana Prisca Dávila a lo largo de su brillante carrera musical, logrando el puente de comunicación necesario para que lo popular y lo académico puedan tener comunicación e interrelación. Estoy aquí es uno de esos trabajos que merece especial atención por los territorios explorados a través del piano, por el concepto universal de la música aquí grabada y por el caudal de talento desplegado tanto en la concepción de los temas como en sus arreglos y ejecución. Un disco insustituible, necesario para abordar el tren que nos conducirá por nuevos y fascinantes caminos.

Temas

01- Frigiando Merengue (Prisca Dávila)

02- El Negro José (Aldemaro Romero)

03- Prisca (Eduardo Dávila /Arreglo: Prisca Dávila)

04- Leyenda (Gerry Weil)

05- Vals Criollo Nº 2 (Gerry Weil)

06- El Pilón (Prisca Dávila)

07- Así No Más (Ilan Chester)

08- Estoy Aquí ( Prisca Dávila)

09- Setoconao (Folklore Warao/ Arreglo: Prisca Dávila)

10- Pikirillo (Music: Prisca Dávila / Lyrics: Eduardo Dávila)

Créditos

Piano y Voz: Prisca Dávila
Flauta: Eduardo Dávila
Bajo eléctrico y acústico: Giovanni Ramírez
Matería y palmas: Adolfo Herrera
Cajón Flamenco, Percusión, Congas & Tambor Redondo (Prima): Roberto Castillo
Tambor Redondo (Cruzao & Pujao): Benigno Medina (track 09)
Maracas: Manuel Rangel (track 10)
Cuatro: Rafael "Pollo" Brito (track 02)
Vibráfono: Alberto Vergara (track 08)
Cantaor: Miguel Hernández "El Pata Negra" (track 01)
Coros: César Muñoz & Marisela Leal

Fallece Anita O'Day

2006-11-28T16:23:00.000-04:00

Anita O'Day

(Anita Bell Colton)

Kansas City, Missouri, 18/10/1919 - Los Angeles, California 23/11/2006

Acaso

2006-11-24T00:07:00.000-04:00

Existen canciones que marcan, que llegan, que se quedan por formar parte de momentos vividos, llenos de magia, de rocío, de perfume, de matices que se cuelan en medio de los sonidos. Acaso es una de estas canciones que se ha quedado tallada en mis venas. Con una ¡nmejorable compañía y un Cabernet Sauvignon no habría más nada que pedir.

Acaso
(Ivan Lins / Abel Silva)

Não sei se o acaso quis brincar
Ou foi a vida que escolheu
Por ironia fez cruzar
O meu caminho com o seu

Eu nem queria mais sofrer
A agonia da paixão
nem tinha mais o que esquecer
Vivia em paz, na solidão

Mas foi te encontrar
E o futuro chegou como um presentimento
meu olhos brilharam, brilharam
No escuro da emoção

Não sei se o acaso quis brincar
Ou foi a vida que escolheu
Por ironia fez cruzar
O seu caminho com o meu

Un abrazo para El Pavo

2006-11-23T08:43:00.000-04:00

Tomado de la edición del día 22 de Noviembre de 2006 del vespertino El Mundo. La invitación es a leerlo y a tener un gesto de solidaridad con uno de los músicos más importantes de nuestro país, El Pavo Frank.

El Mundo - Miércoles 22 de Noviembre de 2006

MÚSICA DE LA CIUDAD - Nº
344 Un Abrazo para El Pavo

Alberto Naranjo

La edad del pavo sirve para definir aquella transición entre los 12 y 19 años, cuando el ser humano va adquiriendo una triple dimensión: biológica, psicológica y social. De allí que algunos se extrañen de que uno de los más respetados músicos venezolanos, aún a sus 72 años, sea llamado El Pavo. Así es como se le conoce desde su incursión en la música popular, hace casi seis décadas, en un ámbito controlado por veteranos del oficio que no vacilaron en aplicarle el afectuoso apelativo.

Francisco Antonio Hernández Valarino nació el 26 de Agosto de 1934 en Villa de Cura, Estado Aragua. Desde niño se habituó a escuchar la música tropical difundida por Radio Habana Cuba. Al trasladarse la familia a Caracas en 1944, estudió batería con Germán Suárez. Al poco tiempo entró en un grupo dirigido por Manuel Ramos y más tarde tocó en las orquestas de Aldemaro Romero y Luis Alfonzo Larrain. Hacia 1961 viajó a República Dominicana, luego se instaló en Nueva York en 1962 para perfeccionarse, y aprovechó para trabajar en las orquestas de José Fajardo, Johnny Pacheco, Dámaso Pérez Prado, Tito Puente y Mongo Santamaría. De allí se trasladó a Puerto Rico para tocar en la banda de César Concepción, hasta que decidió regresar a Venezuela en 1965. A su regreso produjo el primero de sus ocho discos como líder: La Orquesta del Pavo Frank - sentando un precedente en Venezuela como solista del timbal-, y en 1968 diseñó el acompañamiento de la batería en la creación del ritmo Onda Nueva junto a Aldemaro Romero y el bajista Jorge Romero (sin parentesco con el compositor). Además de participar en cientos de grabaciones como soporte rítmico, en 1977 se tradujo en una lógica inclusión del timbal en la estructura original de El Trabuco Venezolano. Las siguientes tres décadas se mantuvo activo a pesar de su progresiva e irremediable ceguera.

En lo que va de 2006 nuestro legendario músico se ha visto aquejado por severas dolencias físicas que le impiden ganarse la vida profesionalmente. Así que un grupo de amigos cercanos a él, abanderados por Aldemaro Romero y Jacques Braunstein, acordó brindarle un tributo público con la intención de recaudar una decente suma de dinero que pueda mitigar sus gastos de convalecencia. Huáscar Barradas, Benjamín Brea, Andrés Briceño, Gustavo Carucí, Maria Teresa Chacín, Biella Da Costa, Ofelia del Rosal, Pablo Gil, Carlos Moreán, Nene Quintero, Maria Rivas, Saúl Vera y Gerry Weil, entre otros, cantarán y tocarán en Un Abrazo para El Pavo, cuya reunión está fijada para el próximo Viernes 24, a las 8:00 pm, en el Centro Cultural Corp Group. El costo de la entrada es de Bs. 35.000. Nos vemos allí.

Día del músico

2006-11-22T09:09:00.000-04:00

Ser músico es un mezcla de placer y responsabilidad. El placer va inmerso en el hecho de poder expresar diversidad de formas, texturas, colores y aromas con una gama interminable sonidos. La responsabilidad radica en el hecho concreto de ser un compromiso con el arte mismo, con la cultura, con las expresiones urbanas o autóctonas, según sea el caso, y, no por último menos importante, el compromiso consigo mismo, donde las ideas y el sentimiento van de la mano con las notas y silencios que emanan de un instrumento musical (voz incluída). Por otro lado, ser músico es casi que una bendición divina, una forma de poder experimentar como el alma vuela y se expresa de manera clara, sincera, dibujando expresiones en el aire que transporta sonoridades. Hoy, cuando celebramos el Día internacional del músico, nos unimos al júbilo de todos aquellos colegas que se encuentran en diversos lugares del planeta liberando los sonidos que mueven al mundo a través del universal lenguaje que representa la música, buscando siempre alegrar y llenar espacios con los maravillosos colores de las siete notas.

Seguimos en clave...

Todo tiene un ritmo

2006-11-17T17:37:00.000-04:00

Todo tiene un ritmo inmerso, una cadencia única que nos caracteriza, que nos diferencia, que nos hace distintos. Lo que más cuesta es expresarlo, hacer que el ritmo eche raíces y flores, frutos de viento, y pueda volar y propagarse, dar vida y alegrías, poder hacer que el ritmo forme su propio lenguaje y que pueda ser tranmitido mediante sonidos y silencios debidamente liberados. Sigo tratando de expresarlos correctamente, abriéndose paso, llegando hasta donde tengan que llegar, vivos, libres.

Alto vuelo

2006-11-15T16:12:00.000-04:00

Lo presenciado anoche en el Teatro de la Opera de Maracay no puede calificarse de otra cosa que no sea un concierto de alto vuelo, sin dudas. Poner a volar a todo un escenario mediante una música sin complejos, muy intima, pero lo suficientemente clara, con un lenguaje propio que llega y se propaga a traves de espacio y tiempo son características notorias en el concierto ofrecido por el pianista venezolano Edward Simon. El jazz y la música de esta lado de la frontera se dieron la mano, arrullándose una a la otra, permitiendo esa complicidad que puede existir de manera armónica, sin estorbos, buscando ese sentido universal que permitirá recorrer nuevos y maravillosos caminos de rica sonoridad.

Para este concierto, Edward Simon seleccionó un repertorio con algunas de sus composiciones como Pere, The process o Fiestas, así como versiones muy personales, densas, cargadas de emotividad y con mucho sentido de Quinta Anauco, del maestro Aldemaro Romero, Mi querencia de Simón Díaz o nuestra inmortal Alma Llanera, entre otras. Simon demostró su sensibilidad y buen gusto, llevando los temas a niveles soprendentes, brindándonos solos que iban desde lo más lírico a paisajes un tanto más intrincados, sin perder la compostura requerida para hacer de los temas un homenaje mismo a la música.

Toda esta atmósfera cargada de jazz y de mucho feeling contó con la participación de Roberto Koch, impecable en el contrabajo acústico, demostrando por qué es uno de los bajistas más solicitados en la actualidad; Pablo Gil, destilando el aire con su saxo tenor en solos muy emotivos, mientras que Andrés Briceño le colocaba alas a la batería para hacer de éste uno de los mejores conciertos que se han realizado en Maracay en lo que va de año.

Edward Simon ha desarrollado su propio lenguaje musical, su propio sonido, su propia voz, llevando al jazz hacia el encuentro con nuestra música popular de una manera muy sublime, hacia las alturas, donde el cielo es el punto de encuentro. ¡Bravo, Edward!

Jazzanova

2006-11-14T10:32:00.000-04:00

Jazzanova (03NOV2006 - Sports Bar del Country Club de Maracay)

Luis Amario – Guitarra Eléctrica y Electroacústica
Elio García – Flauta y Saxo alto. Director musical.
Raymond González – Bajo, Cavaquinho
Salvador Pinto – Tumbadoras, Percusión
Fósforo Sequera - Batería, Timbales, Percusión
Miguel Romero – Piano

Desde los tiempos (1995 para ser más exactos) en que junto a Rommel Torres y Adolfo Parrales formamos aquella banda llamada "Grupo Experimental Aguardiente" no me había vuelto a introducir en los caminos del jazz y la fusión frente a mis queridos tambores y platillos. Sin embargo, a partir del año 2003 he tenido la fortuna de incorporarme a Jazzanova, una agrupación donde intentamos explorar las fusiones del jazz con la música de Brasil y del Caribe. Alejados del virtuosismo, pregonamos nuestra idea de darle mayor importancia al ensamble que al lucimiento individual, lo cual no quiere decir que cada quien no deba cumplir el rol de solista cuando le toca. Ha sido una grata experiencia compartir con músicos muy talentosos y de una calidad humana por encima del nivel, lo cual se traduce en una armonía grupal a la hora de enfrentar un ensayo o un concierto. Mucho he aprendido de cada uno de mis compañeros, y espero seguir aportando todas mis ganas de ofrecer música.

Saravá!!

P.D: El único ausente en la foto es el pana Salvador Pinto.

Luzmarina de regreso

2006-11-09T14:29:00.000-04:00

Luzmarina, aquella cantante de voz seductora que nos hizo delirar a raíz del tema A flor de piel, regresa con una nueva producción discográfica, esta vez en la doble faceta de cantante y compositora. Desde ya lo esperamos.

Fostered

2006-11-08T15:26:00.000-04:00

Con el pasar del tiempo, y luego de un proceso evolutivo natural de quienes tienen en el arte un modo de vivir, se va logrando la madurez necesaria que le permita al artista expresar sus ideas en un lenguaje propio. Es una tarea complicada, claro está, pero no es un camino imposible de transitar. Esto queda demostrado en la producción Fostered (2006), a cargo del pianista venezolano Silvano Monasterios, quien desde 1990 está radicado en los Estados Unidos. Fostered nos muestra a un músico capaz de recrear ideas a través de sus composiciones, de lo exquisito de su lenguaje pianístico y de la sensibilidad que baña toda esta producción discográfica, altamente influenciada por grandes nombres del jazz como los de Bill Evans, Thelonious Monk o Bud Powell, por nombrar solo algunos. Un disco cargado de autenticidad, de un lenguaje amplio y fácil de digerir, sin complicaciones pero no carente de buen gusto. Emotivo con creces, Fostered es un trabajo discográfico muy bien elaborado que se ha ganado un lugar muy especial por todo aquello que logra transmitir a quienes lo escuchamos y amamos el jazz. Monasterios sigue evolucionando hacia niveles mucho más altos.

Track List

1. Jerusalem

2. Avila

3. Simplicity

4. Bittersweet (Bass Solo)

5. Bittersweet

6. Welcome Back

7. Visionary

8. Blue Heart

9. Caravan of Dreams

Créditos
Piano: Silvano Monasterios
Acoustic Bass: John Dadurka
Drums: Noah Penn
Tenor & Soprano Sax: Brandon Wright
Trumpet & Flugelhorn: Seth Merlin
Alto Sax: Erik Elligers (tracks 03, 06, 07)
Acoustic Bass: Aaron Mitter (tracks 03, 07) , Sam Howard (track 06)
Trumpet: Pete Clagget (track 06)

Citando notas....

2006-11-06T16:57:00.000-04:00

No me gusta trazar fronteras y creo que la música intenta más bien romperlas.

Ed Simon (Músico)

Barretto

2006-11-03T09:59:00.000-04:00

Siempre acudimos a la música que nos hizo crecer y soñar, a la que nos puso a bailar y a gozar en infinidad de rumbas, a la que aún tiene la vigencia y la fuerza necesaria como para recordarnos que la sangre caribe corre por nuestras venas, a la que nunca pasará, a la que se ha quedado morando en el alma mestiza que tenemos. La fuerza y el sabor están presentes en cada uno de los temas que aquí se incluyeron, fuerza gigante del maestro, del manos duras. Este es un disco para tenerlo a la mano siempre, para gozar con la vocalización de Tito Gómez y Rubén Blades en los temas escogidos, para sudar bailando sin parar, con un sonido distintivo y efectivo, cargado de buenos arreglos y de inconfundible ritmo del maestro Ray Barretto. De los mejores discos producidos en pleno "boom" de la salsa brava. Imprescindible.

Créditos

Ray Barreto: congas

Pappy Román: trompeta

Ite Pérez: trompeta y flugelhorn

Artie Webb: flauta

Gil López: flauta

Louie Colón: bajo

Tony Fuentes: bongó

Little Ray Romero: timbales

Rubén Blades: voz

Tito Gómez: voz

Adalberto Santiago: coro

Tito Allen: coro.

Temas:

Guararé;

Vine pa'echar candela;

Eso es amar;

Ban ban quere;

Vale más un guaguancó;

Testigo fui;

El presupuesto;

Canto Abacua

Sobre el sonido...

2006-10-31T15:40:00.000-04:00

"Hay muchos buenos músicos, es evidente, pero pocos son originales. El trabajo básico hay que hacerlo con el sonido. El sonido es tu voz, tienes que buscarlo. Tocan notas originales, sin duda, pero no tienen un sonido propio. No es muy difícil tocar notas originales. El sonido, es otra cuestión. El sonido representa a uno mismo."

Miles Davis